Sobre la muestra y sus artistas:
Anidan pacientes en sueños profundos, se disfrazan con extraños ropajes, se esconden con otros rostros, surgen nuevos, diferentes…eternamente iguales, no saben de tiempos y espacios, están siempre allí, esperando…apareciendo en despertares brumosos, susurrando palabras a descifrar, misterios a develar.
Son ellos, habitantes de nuestros sueños y fantasías, de nuestros miedos, anhelos, recuerdos, deseos…fantasmas que nos habitan.
Las obras en técnica mixta de Melisa Scisciani donde papel, lápiz y tintas juegan entre la delicadeza de las líneas y suavidad de los matices con chispazos de colores y tintas negras que surgen cada tanto, parecen oponerse a las de Vanina Prajs, en las que predominan los colores casi puros y la firmeza de los delineados que enmarcan las figuras que pueblan sus pinturas de gran fuerza y dramatismo, sin embargo un elemento que cumple diferentes metáforas para cada artista las une simbólicamente, el árbol, raíz, hogar, vida, historia… futuro.
Son también ramas, hojas, los brazos que sostienen los hilos invisibles que conforman el espacio donde Juan Miceli da vida a su mundo onírico: Aquarium. Un océano conformado por pequeñas esculturas realizadas con material descartable, plásticos trabajados con fuego, circuitos, juguetes y cables entre otros objetos desechados.

En la obra de Vanina Prajs sus “árvores” son el espacio donde los habitantes, desde el silencio de sus gestos y miradas, nos hablan de los orígenes, el pasado, lo místico, donde palabras, letras, signos… cierran la metáfora atemporal que los sitúa hoy frente a nosotros.
"Personajes antiguos, medievales...Imaginario de artistas del siglo XII, invitados a respirar en nuestro tiempo, a renacer en obras actuales. Homenajeados por su belleza ingenua, su rusticidad, su simpleza, su pregnancia. Contrapunto de lo maquinal-tecnológico, alegoría de lo manual-artesanal.Tesoros, perlas exóticas que sólo se descubren buceando en un pasado de manuscritos iluminados, pergaminos, libros de horas o frisos de catedrales." Vanina Prajs

También el árbol es el espacio que Melisa Sisciani elige para albergar a sus habitantes.
Cálidos, frágiles, de una ternura casi naif, nos remiten a nuestros anhelos y deseos de niño que siempre están allí, guardados en lo más profundo, nutriente de todo deseo…
"El árbol como nido. El nido como casa. Espacio habitado, ocupado. Lugar que guarda refugia y repara.
El árbol surge como recorte de la naturaleza, como continente de flores, frutos, sueños, recuerdos...entonces aparece el \\\"habitante\\\", aparece con el anhelo de la casa paterna, lugar donde se puede vivir, estar, partir, volver y se va desarrollando con el deseo de la casa propia: el hogar." Melisa Scisciani

Desde los sueños de Juan Miceli extraños seres, hombres-peces de cuerpos traslúcidos, surgen suspendidos en un mar de aire,ramas, hojas, hablando de historias esenciales a ser redescubiertas.

“En nuestras primeras charlas, cuando comencé a seleccionar las obras que integrarían esta muestra, Miceli me hizo saber que había tenido sueños erráticos, en ellos se le aparecía su monstruo quintaesencial, la Cabra implacable: su cola se estrellaba en los mares de Java, sus cuernos perforaban las nubes-Krakatoa. La Criatura no le decía nada, pero lo miraba fijamente mientras el viento soplaba como su aliado fantasmagórico.
Así invadió sus sueños con imágenes de hombres con cabeza de ciervo y tentáculos que fecundaban mariner@s al simple contacto y parían -al instante- toda clase de hijos, muy diferentes entre sí y, sin embargo, hermanos.
Abrumado por el despliegue de probabilidades, Miceli le preguntó seriamente al monstruo qué camino debía elegir.
- AquariUm – dijo Cabra y asoló la región.” - Obing Despeuse, curator Juan Miceli

Sobre Alververás: En la actualidad la intervención en el paisaje urbano, es una necesidad que da forma a la cultura moderna.
Las grandes ciudades se han convertido en el escenario principal del arte contemporáneo, en ellas la experiencia del tiempo en relación con la duración de los acontecimientos da origen a una sensación particular de aceleración del ritmo de vida.
Al ver verás se caracteriza por concebir a la metrópolis como un manuscrito antiguo que conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente, como un texto de construcción colectiva y no jerárquico. En este, las microhistorias y sonidos se entretejen sincrónicamente y la posibilidad de una narrativa única es rechazada.
A través de la producción de imágenes y sonidos que intervienen el paisaje urbano es posible representar una idea de espacio que muchas veces es difícil e inútil representar físicamente, en este relato visual se ve todo simultáneamente, se cuenta un proceso, se invita a la lectura de estos relatos teniendo en cuenta sus contextos y significados culturales al mismo tiempo que se explora y redescubren los signos urbanos, lugares ocultos o no habituales, muchas veces, también, los lugares comunes.
Se trata entonces de despertar nuestro interés por todo lo que nos rodea, suprimiendo reglas y reescribiendo el espacio en que vivimos, interviniendo visualmente sitios cotidianos, sencillos, ni llamativos ni espectaculares, que la cosmética urbana y la iconografía medial dejan de lado, como el nutrir paredes, grietas y rajaduras, con textos inventados o imágenes visuales, que arranca poesía a la materialidad del entorno urbano.
Las imágenes que se van sumando poseen una cualidad fotográfica particular, despojada de convenciones. De hecho forman parte de una propuesta conceptual en la que la participación de la gente, la circulación de las imágenes y la música superan todo miramiento por valores formales o tecnicismos.
En este sentido reactivan la reflexión sobre el espacio urbano público y su estatuto artístico.

En la decisión se tuvo en cuenta, según lo indicado en las bases, el desarrollo tecnológico, la inclusión de los elementos identificatorios de la trayectoria de Kosice: agua, luz, movimiento y por sobre todo la relación del proyecto con la obra del Maestro Gyula.

Los ganadores y las menciones han sido ya contactados personalmente y han confirmado su participación, ya sea con la obra final o con un work in progress, en la Tercera Edición de Arte y Tecnología que tendrá lugar entre la última semana de septiembre y las dos primeras de octubre.

Compartimos con ustedes los ganadores y menciones y los esperamos en la Tercera Edición de Arte y Tecnología.

Algunos hilos que quedaron por seguir
tras el encuentro del capítulo julio de "Éxtimo"

Parte I

Luego de recordar aquel pasaje de la intervención de la compañía de danza teatro "Vacía de Espacio" alrededor de la consigna "exterior/interior" (cuando los espectadores veíamos a través de un vidrio a una de las bailarinas, "interferidos" por nuestro propio reflejo)...

citamos la película "Playtime" de Jacques Tati, quien problematiza a lo largo de todo el film el "exterior/interior", con el soporte del reflejo.

Parte II

En la presentación de la nueva consigna
se utilizaron dos escenas de "El tiempo" de Kim Ki Duk.

Entre la pantalla, un maniquí, y pétalos de rosas cayendo sobre una botella azul mientras les hablaba de Lacan y los espejos
quedaron en el aire algunas preguntas en relación a la película del coreano.

a) la protagonista quiere hacerse una cirugía estética en el rostro
porque tiene "una cara aburrida".

El cirujano interviene sobre la cara.
Y la mujer seguirá "girando en redondo".

El psicoanalista intervendría sobre "aburrida".
La única posibilidad de que quizás Seh-hee pueda salir del laberinto y el sufrimiento.
El aparato óptico del que hablamos en el encuentro fue construido para pensar esta cuestión

b) Si ven la película podrán hallar en ella una estructura circular.
Les propongo leerla así:

1er tiempo:
Seh-hee (la protagonista) dice:

"Ji-woo desea a otra"

2do tiempo:
Seh-hee dice:

"Ji-woo va a desear a otra, pero yo decidiré a quién"

3er tiempo:
See-hee (es decir Seh-hee pero con el rostro cambiado) dice:

"Ji-woo me desea"

4to tiempo:
See-hee dice:

"Ji-woo desea a otra"

Nota: aquí un link para acceder a la película completa "Playtime": http://www.youtube.com/watch?v=nTlLR0jd-NI&feature=fvw

La nueva consigna es "¿Este aquí se sostiene de allá?" A continuación transcribimos parte de la respuesta dada por el Lic Guillermo Cabado, coordinador de Éxtimo, a la consulta que nos hiciera Liliana Bos sobre la nueva consigna:

“La consigna no es ni más ni menos que una relación entre lugares.
Esa relación entre lugares invita a que cada artista dialogue con ella, sin necesidad de ningún conocimiento psicoanalítico.
El modo en que está presentada la consigna invita a que cada quien le dé la forma que guste, la explore, se enrede, se desenrede, en fin: eso que sucede en cualquier búsqueda artística donde uno no sabe a dónde se dirige pero en donde una consigna que acota, limita, paradójicamente potencia la libertad de crear.
Cada una de las consignas son una suerte de célula dormida que requieren de la interpretación del artista para activarse.
En este caso la idea es jugar con una relación entre lugares que deja lugar a dudas para el espectador: "¿este AQUÍ se sostiene de ALLÁ o es sólo una ilusión que padece mi ojo, mi oído, mi olfato, etc?".
Te doy un ejemplo que ahora me viene en mente, de uno de esos artistas que solían tener muy presente en sus obras la problematización de la relación entre lugares, Magritte"

Recuerden que el ciclo tiene su propio blog donde pueden dejar sus comentarios, sugerencias y devoluciones. Allí también pueden ingresar su mail para suscribirse y estar al tanto de las novedades.

Los esperamos el próximo sábado!

La convocatoria para la recepción de proyectos finalizó el viernes 4 de junio.

Habiendo finalizado el proceso de analisis y evaluación de los proyectos los resultados serán presentados ante el presidente del jurado, Gyula Kosices, el viernes 16 de julio, siendo comunicada a todos los participantes la selección final de los premios y menciones la semana del 19 de julio.

Los dos proyectos ganadores y las tres menciones serán anunciadas en las distintas herramientas web de Objeto a, todos los participantes serán notificados via mail de los resultados.

Los proyectos seleccionados deberán desarrollar la obra en tiempo y forma para que la misma integre parte de la tercera edición de la muestra de Arte y Tecnologia en fecha a confirmar por Objeto a, haciéndose acreedores de sus respectivos premios una vez presentada la obra final según lo establecido en las bases y condiciones.

Para consultas pueden escribirnos a bienalkosice@objeto-a.com.ar

El mes de junio fue también el tiempo de cierre para la recepción de los proyectos participantes del Premio Bienal Kosice: Agua, Luz, Movimiento, debido a la cantidad de proyectos presentados se otorgó una prorroga al jurado para tomar la decisión final que será anunciada durante el mes de julio. Los ganadores y menciones serán publicados en las herramientas web de Objeto a y todos los participantes serán notificados via mail. Para consultas sobre el tema pueden escribir a mailto:bienalkosice@objeto-a.com.ar

Hacia fines de junio tuvo lugar el segundo encuentro del nuevo ciclo Éxtimo coordinado por el lic Guillermo Cabado. Durante el encuentro se presentaron algunas propuestas producidas luego del encuentro anterior y se sentaron las bases para el nuevo capítulo que tendrá lugar el sábado 17 de julio a las 17hs bajo la consigna "¿ Este aquí se sostiene de allá?" . Les recordamos que está activo el blog para sumar comentarios, sugerencias y consultas: http://extimopatio.blogspot.com/ . Otra opción es escribir a extimo@objeto-a.com.ar

Les recordamos que la muestra sigue abierta hasta el sabado 12 de junio.

Del 15 al 28 de mayo
Lunes a sábado de 10 a 20hs
Entrada libre y gratuita.
Riobamba 750.
Más información: info@objeto-a.com.ar

AySA participará activamente de la celebración del Bicentenario a través distintas actividades, desde el 15 de mayo, fecha en la que se celebra el Día del Trabajador Sanitarista, hasta el 28 de mayo, relacionadas con el pasado, presente y futuro del Agua y el Saneamiento en nuestro país.
En un momento tan significativo de la historia argentina, la empresa acompañará los festejos con actividades que, promuevan el conocimiento, impulsen una visión dinámica y estimulen el debate en torno a estos servicios fundamentales.
Durante 14 días se desarrollarán actividades que incluirán exposiciones, muestras, ciclos de cine, exhibiciones de libros y documentos históricos, realización de publicaciones, visitas y actividades para niños. Es en este contexto que Objeto a está coordinando una muestra que tendrá lugar en el Palacio de Aguas, edificio emblémático tanto de la institución como de la historia de nuestro pais...

Agua, según Thales de Mileto, arché (arjé) principio y origen de todas las cosas.
Agua-vida, agua-madre, nutre, acaricia, sostiene; agua-alimento, savia-sangre que recorre generosa los campos; agua-cobijo, agua-abrazo, tejiendo paciente una red con hilos de ríos con mantas de mares y océanos acuna y viste la tierra uniendo continentes y pueblos.
Agua, elemento vital y musa inspiradora, como realidad y metáfora será el eje de la presente muestra que llevara al visitante a transitar distintas sensaciones y emociones a través de dos recorridos donde arte, ciencia, tecnología y poética tendrán un denominador común, tomar conciencia del significado profundo escondido en la transparencia del agua, en una época donde las riquezas naturales están en riesgo ante el mal uso y la indiferencia del hombre, el arte parece ser el instrumento llamado a producir despertares.
Instalaciones, esculturas y objetos hídrico-lumínicos, fotografía digital, pintura sobre telas, son parte de las diversas obras de arte contemporáneo que los conforman culminando con una de las obras distintivas del Maestro Gyula Kosice.
En uno de los recorridos, se esconden silenciosas, antiguas historias recogidas y guardadas celosamente entre bateas y tablas de lavar por aquellas lavanderas a las que pertenecieron, más allá como al descuido cuelgan las telas plenas de mares, cielos y soles de las sogas de un gran tender, el agua limpia y purifica, el agua une y guarda secretos…también tiene mensajes como una partitura a ser descifrada, que se escribe una y otra vez para que aprendamos a escucharla, respetarla, compartirla, cuidarla.
Desde la pantalla imágenes casi mágicas dejan entrever el ritual camino en la búsqueda del agua, enfrente, cables-tubos-caños, agua que corre y recorre, los tiempos cambian, la tecnología avanza, el agua siempre el agua…
Y el agua siempre en movimiento se congela en remolinos de burbujas, contenida y continente, metáfora de vida, en las imágenes fotográficas que cierran este recorrido.
En el otro recorrido, pasado presente y futuro entablan un diálogo donde lo metafórico se corporiza, una antiquísima medidora de presión de agua enfrenta inmutable un cielo metálico de donde una llovizna cae incesantemente, lo artificial y lo natural entablan una relación dialéctica donde la naturaleza prevalece siempre “en el centro de nuestra mirada”.
Esa naturaleza que se entrama y fusiona con la tecnología a través del arte, pariendo en esta ocasión dos esculturas tecnológicas donde el agua fluye intangible, mostrando imágenes del devenir, de lo que transcurre, vibra, con la fuerza de la naturaleza de los ríos de montaña chocando con las rocas y con la recreación de la tecnología, sustancias líquidas vibrando al ritmo de patterns sonoros en un “eterno retorno”.
Hacia el final del recorrido entre penumbras nos deslumbra un cono de luz blanca, allí unos seres irreales, mitad humanos, realizan incansables entre colores imposibles una danza submarina, quizás celebrando el origen de la vida, quizás invitando a las profundidades del océano donde éste se esconde. Realidad y fantasía, la magia del agua…de la vida.
Cerrando y aunando ambos recorridos, principio y futuro, naturaleza, ciencia y tecnología confluyen en una gota de agua que resume en su sencillez la complejidad del infinito… “Una gota de agua acunada a toda velocidad nos ha creado. La tierra brotada de una gota de fuego solar, pudo apagarse a tiempo gracias al movimiento estático en el espacio, que contribuyo a dar vida a la vida. Desde ese momento, la pendiente de la nada ensaya naturalizarse contra corriente”. Poema Hidráulico – Kosice.

La imagen del cabezal corresponde a un detalle de la instalación-in-site-specific de Magma 

Obras que subvierten el clásico
"Espectador (sujeto activo) - Obra (objeto pasivo)".

Me parece que no es un dato menor que Lacan, si bien hiciera muchas referencias al arte a lo largo de su faena, se tomara otros tiempos ante ciertas obras, se detuviera en ellas a hilvanar su reflexión, a balbucear sus búsquedas. Obras de las que acaso sólo podía decir algo, no desde no sé qué erudición, sino desde la experiencia de haber sido tomado por ellas. Una experiencia que no es sin cuerpo.

"Los embajadores", el cuadro de Holbein; "La carta robada", el cuento de Poe, "Éxtasis de Santa Teresa", la escultura de Bernini; "Ulises" de Joyce, "Las meninas" de Velázquez... En ellas ese HACIENDO-SIEMPRE-EN-PRESENTE, no cristalizado en ningún contenido, en ningún significado. Cual células dormidas (¿dormidas?) que reaccionan al mínimo contacto de la gota de un espectador dispuesto. No es casual que Lacan haya decidido abrir sus famosos "Escritos" con lo que le causara "La carta robada" de Poe.

La hipótesis que nos ha decidido en Objeto a a proponer la experiencia de "Éxtimo", es que esa misma condición se aloja en los objetos topológicos de los que se valió Lacan para intentar hacer resonar la experiencia del análisis.

Cierto arte, cierta topología, lejos de una función de representar verdades, son potencias vivas a la espera de alguien que se deje tomar. Y resonar.

Lejos de las racionalizaciones, lo que está en juego es un Otro pensar, un hacer de tripas.

Mordido por estas intuiciones, "Éxtimo" zarpa de su puerto este próximo sábado 8 de mayo a las 18hs*. Ojalá las causas y los azares nos dicten nuestra deriva

Lic Guillermo Cabado.

* Actividad libre y gratuita. Cupos limitados. Los interesados en participar deben escribir a info@objeto-a.com.ar

Para más información click aqui.

Con los últimos días del verano Objeto a inauguró Huellas V una propuesta de Silvia Brewda y Ariela Naftal una selección de obras concebidas por artistas formados en el taller que dirigen. Sin condicionamientos sobre los modos o medios de producción, la exposición abrió a la diversidad de propuestas: dibujo, pintura, escultura, cerámica, arte textil, fotografía, arte digital, entre otros fueron copando cada rincón de Objeto a, creando distintos recorridos y mostrando la variedad de técnicas y miradas que integran el taller. Además de las obras más representativas del trabajo anual se planteó una consigna de investigación artística común donde los integrantes del atelier ahondaron en las posibles aristas de significación y simbología de ese color, así la sala de audiovisuales fue marco de un caleidoscopio de propuestas resultantes de un mismo disparador “verde-verdes” Para imágenes de la apertura y algunas de las obras participantes pueden hacer click aquí

Al igual que el mes anterior Objeto a participó de actividades externas, en esta ocasión afianzando su compromiso con la concientización sobre la importancia del agua como recurso natural y reafirmando su creencia en que el arte, entre sus diversas funcionalidades, puede generar despertares se sumo a la iniciativa de Live Earth y generó junto con Guia Lap: “Espacio Arte” un punto de encuentro entre Arte-Deporte, con la presencia del precursor internacional del arte hídrico-lumínico-cinético Gyula Kosice.  
Dijo Adolfo de Obieta sobre Kosice…”el agua penetro en las circunvalaciones de su cerebro y lo lleno de fosforecencias, ya no más Kosice humano sino poseído por recónditas magias desconocidas o inundantes que fotografiaban espacios planos, cabinas torres, cielos, cosmos y humanidades, de humedad inexistente. Aproximaciones al júbilo y angustia de no llegar a tiempo, sabiendo que no es sueño sino agua iluminada, sabiendo y temiendo que otra vez, una vez más se evapora o se deslice y no vuelva. (…) A Kosice su total identificación con el agua lo vuelve un co-creador, a tal punto ha escuchado dentro de sí la Hora del Génesis y ha presenciado la separación de las aguas y ha seguido ese nacimiento minuto a minuto, ese parto cósmico, del que presiente haber sido su testigo.”… Para imágenes sobre el evento pueden hacer click aquí. 

Finalmente en abril decidimos dar una prórroga a la entrega de proyectos para el Premio Bienal Kosice: Agua, Luz, Movimiento. La nueva fecha limite es el viernes 4 de junio. En el siguiente link podrán encontrar algunas de las preguntas mas frecuentes que estuvimos recibiendo durante este tiempo: Preguntas. Por otra parte les recordamos que hemos creado un grupo de facebook para actualizar las novedades y desde donde pueden descargar los planos y renders del espacio: Grupo en Facebook. Ante cualquier duda nos pueden escribir a bienalkosice@objeto-a.com.ar

En el mes de mayo estaremos participando de los festejos del Bicentenario convocados por AySA para presentar una muestra en el Palacio de Aguas Argentinas. La misma esta compuesta por una selección de obras e instalciones que hace foco tanto en el aspecto poetico como en el desarrollo tecnológico de las mismas, siendo el agua, recurso natural y fuente de vida, su protagonista. Participaran once prestigiosos artistas, destacándose la presencia del maestro Gyula Kosice, precursor internacional en el uso del agua como recurso artístico. La muestra estar abierta al publico de lunes a domingo de 10 a 20hs desde el sábado 15 de mayo hasta el miércoles 28. En breve mas información, por lo pronto pueden ir consultando el link en la web de Objeto a.

A continuación les dejamos un listado de consultas realizadas en relación al Premio.

1.       ¿Hay espacios vidriados en Objeto a?: sí los hay. En Facebook pueden ver fotos de los distintos espacios. De todos modos, recomendamos visitar la galeria a aquellos que están en CF y GBA. A aquellos que están en el interior y a los que nos pidan, podemos enviarles videos de una entrevista que hizo canal ar filmando Objeto a desde el punto de vista arquitectónico.

2.       ¿Puedo participar siendo extranjero?. Consultas realizadas por artistas basados en Israel, USA, El Salvador, Italia y España: esta primera edición es para argentinos y extranjeros residentes con dos años o mas de residencia en nuestro país. Estudiaremos ampliar coberturas en ediciones posteriores.

3.       ¿Hay que enviar fotos o bocetos?. Se trata de un concurso sobre proyectos, por lo que se esperan bocetos o maquetas digitales. No obstante, si el artista posee una obra en ejecución que cumpla con la condición de ser inédita, puede presentar fotografías.

4.       ¿No encuentro la ficha de inscripción: es que no la hay. En las bases se especifica qué debe decir la ficha de inscripción, pero no hay un formato específico

5.       ¿Planos del espacio, medidas y alturas: en facebook tienen los planos con toda la información solicitada, mas cortes de la casa en maqueta digital

6.       ¿No tengo obra previa, puedo participar igual?: sí.

7.       ¿Se reproducen todas las obras o sólo las premiadas?:  los artistas que ganen el  primer y segundo premio recibirán premios en efectivo y deberan realizar la obra, que será exhibida en la tercera edición de la muestra de Arte y Tecnologia, en Objeto a entre septiembre y octubre de año en curso. Las menciones y otras obras seleccionadas serán invitadas a participar en esa muestra y los artistas decidirán si  las reproducirán o no para participar de la muestra.

8.       ¿Puedo participar sin concursar? Enviar el proyecto implica aceptar las condiciones del concurso y participar en él. Puede ocurrir que haya proyectos no ganadores que sin embargo sean invitados a formar parte de la Muestra, en cuyo caso es decisión del artista realizar o no la obra para ser exhibida.

9.       ¿El dinero del premio es disponible para ejecutar la obra?: No, el premio se entrega con la obra ganadora terminada.

10.    ¿El concurso es para obra terminada?: no, el concurso es para proyectos

11.   ¿Puedo presentar obra como solista y como grupo?. Sí, entendiendo que uno es persona física como solista y persona jurídica como grupo participando en una sociedad.   

12.   ¿Hay algún tipo de subvención para el alquiler de maquinarias para la ejecución de la obra?: No, el primer y segundo premio son fijos . el artista puede presentar un proyecto cuyo costo sea menor, igual o superior al premio fijo, el premio fijo le será entregado independientemente del costo de ejecución de la obra, incluyendo materiales, mano de obra y equipamiento necesario para su ejecución.

13.   ¿El dinero del premio se entrega después del proyecto?. El premio se entrega contra obra terminada, la que será exhibida en ocasión de la tercera edición de la muestra de Arte y tecnología en Objeto a en los meses de Septiembre, octubre del año en curso.

14.    ¿El premio es adquisición?. No.

15.   ¿Se puede enviar el proyecto sólo por mail?. No, deben enviarlo además por correo o traerlo personalmente a Objeto a. La última fecha de entrega luego de la prorroga establecida, es el viernes 4 de junio. Se aceptarán correos electrónicos con esa fecha, entregas en mano hasta ese día a las 19:00 hs y correos físicos con timbrado del 4 de junio.

16.   ¿Las menciones son subsidiadas?. No.

17.   ¿Las menciones tendrán algún documento que las valide?. Si

18.   ¿Cuáles son las dimensiones limites de las obras?. En Facebook tienen planos de la casa, en planta y en altura. Los artistas deberán realizar obras que puedan ser exhibidas en esos ambientes, considerando además las condiciones de iluminación del espacio. Un artista puede presentar un proyecto de una obra que ocupe todos los espacios de la casa, incluyendo la sala de audiovisuales, la de exhibición, la planta alta, los nichos en la escalera, los exhibidores de PA, intervenciones en los baños, ascensor y patios de PB y la terraza bajo la parra. El jurado decidirá si la obra merece el uso de todos los espacios.

19.   ¿Puedo enviar poesías sobre la temática del premio?: El premio es para proyectos con un desarrollo tecnológico, pero recibimos gratamente material que pueda formar parte de la agenda de extensión cultural como poesías, videos y otras formas de expresión artística.

20.   ¿Puedo traer el proyecto personalmente?. Si, ver respuesta 15.

21.   ¿Qué diferencia hay en las sinopsis, memorias conceptual y descriptiva y esquema de la obra?: Sinopsis: un resumen breve del proyecto. Memoria descriptiva: una explicación literal de los componentes físicos de la obra. Memoria conceptual: cuales son los fundamentos de la obra. Esquema de la obra: un boceto o explicación de la obra.

Ciclo - Miriam Hecht 2010 from LocomotoraFilms on Vimeo.

Como bien saben todos aquellos que alguna vez se han acercado a Objeto a, el proyecto nace como una esperanza, un anhelo,  puesta en juego de deseos en una búsqueda que  es vehiculizada a través del arte. Es allí donde su nombre, (Objeto a, inspirado en un concepto lacaniano),  en un juego de palabras, conceptos y metáforas encuentra su esencia y la da al proyecto.

Rindiendo honor a su nombre es que este Espacio de Arte Multidisciplinario presenta propuestas que se renuevan constantemente y que sin embargo suelen reiterarse muchas de ellas en el cruce entre arte y psicoanálisis, un intercambio que surge naturalmente, como un diálogo entre ambas disciplinas.

Fue así como nació el proyecto Éxtimo, una propuesta que comenzó a gestarse a fines del año pasado y que cobrará forma final a fines del actual. La consigna es pautar encuentros mensuales entre artistas de diversas disciplinas para trabajar en torno a conceptos que si bien provienen del psicoanálisis, juegan desprendidos y más allá de toda connotación psicológica. En cada encuentro surgirán, de un intercambio entre presentadores y audiencia, las consignas para el siguiente, gestándose así diversas obras y propuestas que encontrarán marco en una exhibición de fin de año, donde se hará la puesta en común de las experiencias vividas.

El proyecto es presentado por quien lo imaginó, Guillermo Cabado, de la siguiente forma:

“El psicoanálisis no es un ajedrez.

Tampoco un arte. Sin embargo hay cierto modo de hacer donde el psicoanalista y el artista se cruzan. Es en el exacto punto de esta pregunta:

¿Cómo es que operando con símbolos,
a veces se logra tocar lo imposible de significar?

 

Jacques Lacan, freudiano, llevó al campo del psicoanálisis
una serie de objetos provenientes de otros campos
para pensar esa experiencia del consultorio
(discos negros y blancos para colgar en las espaldas; espejos curvos enfrentados a espejos planos; cintas de Moëbius; un cuento de Poe que le hace al espectador lo que le cuenta que a otros le hacen; un cuadro de Holbein; otro de Velázquez; cross-caps y botellas de Klein...)

En todos los casos se interesó
por una cualidad intrínseca en ellos:
la topología;
es decir:
la sutil y escurridiza
relación entre lugares
que en cada uno de ellos vive.

"ÉXTIMO" propone que esos objetos hagan el camino inverso:
llevarlos desde la "casa" del psicoanálisis
a un patio lindero.

Un patio al que invitamos a
artistas a jugar con ellos,
con su topología,
con esas relaciones entre espacios.

El objetivo: producir obra a partir del juego.

"ÉXTIMO"
se propone como
ese patio,
donde jugar, probar, desplegar
un proceso de producción de obras y reflexión.

En definitiva:
un work in progress abierto al público,
en un patio lindero.
mes a mes.
Hasta confluir,
a fin de año,
en una muestra conjunta”

Fecha de lanzamiento: sábado 8 de mayo a las 18hs en Objeto a
Para consultas e informes escribir a Info@objeto-a.com.ar
Para más información sobre el lic Guillermo Cabado pueden consultar su blog: http://cabado.blogspot.com/

Marzo fue también un mes de preparativos para este 2010 que promete una amplia gama de propuestas para los meses venideros, en abril estaremos presentando Huellas V, una propuesta de Silvia Brewda y Ariela Naftal que consiste en una selección de obras concebidas por artistas formados en el taller que dirigen. Sin condicionamientos sobre los modos o medios de producción, la exposición abre a la diversidad de propuestas: dibujo, pintura, escultura, cerámica, arte textil, fotografía, arte digital, entre otros.   Además de las obras más representativas del trabajo anual se planteó una consigna de investigación artística común: verde-verdes, donde los integrantes del atelier ahondan en las posibles aristas de significación y simbología de ese color.

Mayo será el mes de cierre para la recepción de proyectos de la primera edición del Premio Bienal Kosice :: Agua, Luz, Movimiento. Para mayor información pueden consultar las bases en el siguiente link: o bien sumarse al grupo de facebook: Sino pueden escribirnos a bienalkosice@objeto-a.com.ar. Será también un mes de apertura, de inicio de un nuevo proyecto Éxtimo, conducido por el Lic Guillermo Cabado, que buscará hacer confluir arte y psicoanálisis de una forma original a lo largo de una serie de encuentros mensuales destinados a artistas que tendrá como cierre una muestra de fin de año, para más información sobre este ciclo escribir a Info@objeto-a.com.ar

Hacia mitad de año será el turno de Fuga Lab una nueva propuesta del grupo de Fuga que un festival de carácter artístico multimedia de experimentación creativa destinado a todo público. Este evento se centrará conceptualmente en la ciencia, la tecnología y la naturaleza, recreadas a través del arte. Desde el trabajo de diferentes propuestas artísticas, se planteará  interrelacionar estas áreas del conocimiento humano, potenciándolas y resignificándolas sin detrimento de ninguna.

Durante el segundo cuatrimestre tendrá lugar la Tercera Edición de Arte & Tecnología con la participación de los proyectos ganadores del Premio Bienal y una serie de innovaciones. Más cerca de la fecha estaremos brindando mayor información. Durante este lapso se estarán presentando nuevos Ciclos A que permitirán a los artistas de la trastienda de Objeto a poder exhibir tanto sus obras mas emblemáticas como nuevos proyectos acompañados siempre por una agenda de extensión cultural que permita hacer confluir y dialogar a las distintas disciplinas artísticas. Habrá también nuevas muestras y proyectos, pero sobre todo esto hablaremos más adelante… por ahora los invitamos a participar de la apertura de Huellas V el próximo lunes 12 de abril de 19 a 21hs.

Una vez finalizada la muestra actual Objeto a permancerá cerrado preparando el montaje de la próxima propuesta: Huellas V, coordinada por Silvia Brewda y Ariela Naftal que inaugurará al público el lunes 12 de abril, más info en: http://www.objeto-a.com.ar/es/eje_proximo_muestra.php
Como siempre, la muestra será acompañada por una agenda de extensión cultural, en esta ocasión compuesta por dos encuentros, uno a cargo de la lic Cecilia Ilida, el segundo una mesa redonda presentada por la Fundación Lacantonal. En abril también estaremos coordinando un nuevo encuentro de "Baco en el arte" aquellos interesados pueden escribirnos bajo el título de la actividad.

Les recordamos que seguimos recibiendo los proyectos para participar del Premio Bienal Kosice. Agua, Luz y Movimiento. La fecha de cierre de recepción es el martes 4 de mayo. Para consultas sobre este tema pueden escribir a bienalkosice@objeto-a.com.ar

Para aquellos que no pudieron participar de las Primeras Jornadas de Política Contemporánea, los dejamos con un breve registro de las mismas a cargo del propio artista particpante OmarOmar.

“Si algún día llegas a retroceder en el tiempo, no vayas a tocar nada, porque el más mínimo cambio puede alterar el futuro como ni te imaginas”. Los Simpson, Capitulo “Tiempo y castigo” (del Especial de Noche de Brujas V)

A continuación algunos de los puntos que Sanchez estará tocando:

“En Volver al futuro, Marty McFly retrocede treinta años en el tiempo e interfiere en el noviazgo de sus padres. Si éstos no llegan a conocerse, él no será concebido. Entonces ¿cómo pudo hacer el viaje y evitar que sus padres se conozcan?

(…)La paradoja de modificación del pasado es la razón por la que la mayoría de los físicos considera que los viajes al pasado son físicamente imposibles. Pero no todos piensan igual. Periódicamente las revistas de divulgación publican noticias acerca de máquinas para viajar por el tiempo que serían teóricamente posibles, aunque nunca dan suficientes detalles como para ser tomadas en serio.

Una de estas máquinas ha sido propuesta por físicos como Paul Davies, de la Universidad de Arizona y Kip Thorne, del Caltech. (…)Esta máquina del tiempo conectaría el futuro con el presente lo que la pone a salvo de una interesante objeción planteada por Stephen Hawking: si alguna vez se construyera una máquina del tiempo, hoy mismo estaríamos siendo visitados por viajeros provenientes de ese futuro en que los viajes al pasado son posibles. (…)

Podemos suponer que  las acciones del viajero en un tiempo que no es el suyo no son realmente modificaciones del pasado sino que formaban parte de ese pasado desde siempre. Hay como un círculo que se cierra en el tiempo y todo sigue igual.

Un ejemplo clásico es la serie Terminator (...) donde la resolución de la posible paradoja tiene elementos provenientes de relatos clásicos, como algunas tragedias griegas donde el que trata de evitar el cumplimiento de una profecía termina, involuntariamente, ayudando a que la profecía se cumpla, como es el caso Edipo de Tebas

Supongamos que se sincronizan dos relojes. Luego, uno de ellos se deja en una habitación mientras que el otro es llevado en un viaje. Digamos, una vuelta a la manzana. Al regreso, según el reloj que quedó en la habitación, el viaje duró cinco minutos. Según el viaje que llevamos con nosotros, el viaje duró cuatro minutos. Es decir, por alguna razón, el reloj en movimiento anduvo más lento (…)

Sanchez se adentará también en cuestiones como La simetría del tiempo: todo lo que sucede “hacia delante” puede suceder también “hacia atrás”, La cuarta dimensión, la idea de que el tiempo es una dimensión más del espacio está presente en la teoría de la relatividad de Einstein.

Para consultar algunos de los escritos de Claudio Sanchez pueden ingresar en el siguiente link: artículos

La charla es de entrada libre y gratuita. Los cupos son limitados. Para participar es preciso realizar previa reserva escribiendo a info@objeto-a.com.ar

Las Primeras Jornadas de Política Contemporanea tendrán lugar los próximos jueves 11 y viernes 12 de marzo en la Facultad de Sociales de la Universidad de Buenos Aires, cita en la calle Marcelo T. de Alvear 2230.
Los organizadores de las jornadas las presentan de la siguiente forma: "estas jornadas provienen de un seminario abierto que tiene como objetivo explorar los umbrales del pensamiento político contemporáneo. En las jornadas buscamos analizar los debates actuales en torno a los problemas políticos del siglo XXI.
Nuestra propuesta es trabajar en torno a corrientes teóricas como la deconstrucción de Jaques Derrida, La paralaje de Slavoj Zizek, la hegemonía de Ernesto Laclau, el neoplatonismo de Alain Badiou, la estetización de la política de Jaques Ranciere y la biopolítica de Giorgio Agamben."

Las jornadas se divide en seis ejes temáticos: Formas Políticas / Discurso y Sujeto Político / Identidad, Representación y Política / Conflicto y Estrategias de Resistencia /  Estética y Política / Nuevas Fronteras de la Discriminación.
Dentro del eje correspondiente a las relaciones entre Estética y Política es que Objeto a estará presentando una selección de obra de OmarOmar, artista integrante de la trastienda del Espacio de Arte.
Para mayor información sobre el eje de Estética y Política consultar en el siguiente link: http://teoriapoliticacontemporanea.blogspot.com/search/label/Estetica

La inscripción a las jornadas tiene un costo de $20. Para consultas y reservas: debatesactuales@gmail.com

Sobre OmarOmar:
La lic Mayra Bottaro (Programa doctoral - Universidad de California, Berkeley) escribe lo siguiente sobre la obra de OmarOmar:

“Utomía” se inscribe en los lindes de la dialéctica entre una espacialidad que entra en conflicto con las categorías y representaciones cartográficas tradicionales y su comprensión conceptual, en tanto idea, sueño y sentimiento o evocación de lugar. La materia prima cartográfica se transforma en el escenario donde ocurren múltiples fracturas de la lengua, los géneros, la idea de nación y continente, las convenciones de la territorialidad y la globalización. En juego irreverente, desacralizando el uso escolar de los mapas, OmarOmar indaga sobre el significado de los límites políticos y revela espacios alternativos, dislocados, descoyuntados, que cohabitan en aquellos de la oficialidad. Revisitados y desestabilizados por la persistencia de la mirada personal, invitan a repensar la dinámica entre el sujeto individual y su entorno y proponen al espectador la resistencia contra los imperialismos que determinan la direccionalidad del planeta y sus necias fronteras. 
Desde un mundo donde las transformaciones satelitales modifican la experiencia de la distancia, donde las radiaciones atómicas, las armas bacteriológicas, las migraciones, la destrucción de la capa de ozono y la contaminación ambiental cuestionan la existencia de los muros y en el que toda utopía es un eco lejano, “Utomía” es el lugar-otro o la heterotopía que vislumbra OmarOmar, donde todo converge, todo es desde el sur y nosotros podemos reciclarnos y animarnos junto a él a remapear nuestros espacios.

Este viernes 5 de marzo a las 19:00hs inauguramos la agenda de extensión cultural del mes con la proyección de una película que está dando mucho de que hablar en los últimos tiempos, se trata de la creación de Juan Jose Campanella, ganadora del Goya y  recientemente nominada al Oscar "El secreto de sus ojos".

La película estará compitiendo con reconocidos filmes extranjeros; entre ellos la peruana La teta asustada, otra creación latinoamericana y ganadora del Oso de oro en Berlín. Entre los nominados se encuentran Ajami, de Scandar Copti y Yaron Shani; la francesa Un profeta, de Jacques Audiard, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes; y la alemana The White Ribbon, de Michael Haneke, Palma de oro en Cannes y triunfadora en los Globo de Oro.

Sinopsis: Benjamín Espósito acaba de jubilarse después de trabajar toda una vida como empleado en un Juzgado Penal. Para ocupar su tiempo libre decide escribir una novela, basada en una historia real de la que ha sido testigo y protagonista.
La novela que escribe es, en apariencia, la historia de un asesinato ocurrido en Buenos Aires en 1974, y de la investigación para hallar al culpable. Pero una vez abierta la puerta de ese pasado al propio Espósito se le volverá imposible cerrarla. Primero, porque la turbulenta Argentina de entonces se cuela en la vida de los personajes, con su carga de violencia y de muerte. Y, sobre todo porque aunque Espósito suponga que la historia que teje habla únicamente del pasado, su búsqueda ilumina de un modo descarnado su propia vida y su presente, y lo pone de frente con un dilema de amor que lo obsesiona desde hace demasiado tiempo.
Reconstruir el pasado lo conducirá a bucear en sus propios sentimientos, sus propias conductas y decisiones. Y hallar la verdad terminará por convertirse no en un objetivo literario, sino en la llave que le permita abrir la puerta para vivir el resto de su vida

Para acceder a la entrevista realizada a Ricardo Darín y Juan Jose Campanella, realizada por Página 12, pueden hacer click aquí. 

Aquellos interesados en asistir a la proyección tienen que reservar sus lugares escribiendo a info@objeto-a.com.ar . La entrada es libre y gratuita, pero los cupos son limitados.

A continuación los dejamos con un trailer de la película.

Por otra parte en marzo abrimos la recepción de proyectos para el Premio Bienal Kosice| Agua, Luz y Movimiento (más info aqui)

Los invitamos entonces a acompañarnos en este nuevo comienzo de año.

La imagen del cabezal corresponde a stills de "imágenes a la deriva", obra de Julieta Anaut.

2010, calor, sol, lluvia , un verano casi tropical pero sin palmeras ni mar por lo menos aquí en nuestro querido Buenos Aires.

Por eso, pretendemos abrir nuestras puertas creando un pequeño oasis virtual en medio del cemento.

Rodeados de mares, playas, veleros, soles y cielos, reflejados en obras (pintura, fotografía, video arte y objetos artísticos) de un grupo seleccionado entre nuestros artistas de trastienda que abordan estas temáticas, durante la última quincena de febrero los visitantes de  Objeto a podrán recorrer los diversos niveles del Espacio, estando además el bar abierto para que puedan refrescarse con una burbujeante gaseosa durante la tarde en la barra o debajo de la parra y por qué no saborear sus deliciosas uvas  con una copa de espumante al atardecer.

En marzo se llevaran adelante una serie de actividades gratuitas (charlas, música, proyecciones) que serán anunciadas con la debida anticipación para que puedan realizar sus reservas.

Les recordamos que sigue abierta la convocatoria al Premio Bienal Kosice. Agua, Luz y Movimento para mayor información y/o consultas pueden dirigirse a los respectivos post del blog, sumarse al grupo de facebook o bien escribirnos a bienalkosice@objeto-a.com.ar

¡Bienvenidos a un nuevo año en Objeto a!

En abril, siguiendo la costumbre que nos caracteriza, cambiamos de expresión artística y acompañando a la 5ta Bienal de Arte Textil presentamos Imagos una muestra que cobró vida en obras de Noemi Schneck, Susana Bredt y Susana Bouzada, en un recorrido donde “la realidad, el pasado y el futuro se tejieron en imágenes, cobrando cuerpo en tramados, dando vida a las palabras y las ideas … escritos íntimos, imagos escondidas entre las tramas de metal, tela y papel… esperando ser resignificadas” … Participó de la muestra la Universidad Maimonides con el Proyecto I Wear liderado por Joaquin Fargas y la Asociacion de Psiconalisis Lacantonal con la charla Erotismo textil de Guillermo Cabado.

En mayo renovamos la trastienda y participamos de Fase 1 una iniciativa coordinada por Expotrastiendas, el Gobierno de la Ciudad y el Ministerio de Cultura que contó con la curaduría de Graciela Taquini y se presentó como  el “encuentro fundacional de instituciones y proyectos que implican el cruce del arte, la ciencia y la tecnología.”  Desde Objeto a participamos en el area de videoarte con obras de Julieta Anaut e Ignacio Laxalde, Daniela Muttis,  Marina Rubino y Susana Barbará.

En junio, durante el primer aniversario de Objeto a, presentamos Partitura de Agua,  una muestra colectiva curada por Estela Pereda y llevada adelante por Pereda junto a los 15 artistas que integran su taller. La apuesta rescataba la visión de Holderin que proponía vivir la vida como si fuera una obra de arte; bajo una mirada poética que redescubría al agua como Vida los artistas invitaban a los visitantes a “reflexionar en una sociedad donde conceptos como progreso, consumo, presente, supervivencia, parecieran contraponerse a naturaleza, bien común, futuro y vida” Nuevamente contamos con la participación de la Universidad Maimónides, en este caso con el proyecto Biosfera, también liderado por Joaquin Fargas. Algunos links sobre la muestra: You tube, Estela Pereda.

Julio fue un mes particular, dado la emergencia sanitaria varias actividades tuvieron que ser reacomodadas y/o modificadas. Dentro de un marco enrarecido decidimos lanzar una nueva apuesta para seguir impulsando las obras de nuestros artistas de trastienda; presentamos Ciclo A:una propuesta donde los artistas de Objeto a exhibirán tanto nuevas producciones como obras que ya forman parte de la trastienda. La primera edición aunó artistas que coincidían en la producción de obras de videoarte y en la exploración de otras expresiones como la fotografía, la plástica, los objetos, entre otros.  Bajo el nombre de Arte x 2: Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, Horacio  Pages y Marina Rubino presentaron propuestas que jugaban con distintas estéticas y búsquedas, justamente de esto se trata Objeto a. Para mas Info sobre la propuesta pueden consultar aquí.

A fines de agosto inauguramos la Segunda Edición de Arte y Tecnología bajo la curaduría de Graciela Taquini. En esta ocasión la reconocida historiadora de arte convocó a una nueva selección de artistas para que desarrollaran o presentaran obra que aunara el arte y la tecnología en torno a las poéticas del agua y la luz. Dentro del marco de esta nueva edición anunciamos el próximo lanzamiento del Premio Bienal Kosice. Como siempre la muestra fue acompañada de una nutrida agenda de extensión cultural cuyas actividades pueden ser consultadas aquí.

La primera quincena de Octubre estuvo dedicada al programa Instituciones + Cultura, realizando una serie de actividades junto a diversas entidades tanto puertas adentro como afuera. A mediados del mes nos sumamos a Palermo Fest en el área de cine y presentamos la Segunda edición de Ciclo A  con la muestra Los Otros que se extendió durante el siguiente mes.

Noviembre fue un mes de reencuentros con amigos, artistas, mitos y tradiciones. Entre ellos cabe destacar el lanzamiento de una nueva actividad llevada adelante en conjunto entre Objeto a y Familia Zuccardi: Baco en el arte. A finales de mes presentamos la Segunda Edicion de la Expo/Feria en la cual participaron una selección de artistas de trastienda y de nuevos amigos del Espacio presentando una variedad de propuestas artísticas que cubrieron distintas miradas y acercamientos al hecho artístico con el objetivo de que en las fiestas regalar arte sea una propuesta para considerar.  Lo destacado del mes fue la apertura de la convocatoria al Premio Bienal Kosice.

Finalmente en diciembre despedimos el año con el Cierre de la Segunda Expo/Feria, con la participación en Fuga Grafica y con el anuncio de la incorporación de un segundo premio a cargo de BGH para la Bienal Kosice. Agua-Luz-Movimiento.

Durante enero de este 2010 estaremos cerrados al público preparando las muestras y actividades que iremos desarrollando a lo largo de este año. En febrero reabriremos las puertas con obras de la trastienda y con algunas novedades. Hasta entonces pueden contactarnos escribiéndonos a Info@objeto-a.com.ar

Queridos amigos, a continuación queremos compartir con ustedes el último newsletter del 2009, esperamos reencontrarnos en breve cuando reabramos las puertas de Objeto a para recibir al 2010. Hasta entonces saben que pueden encontrarnos escribiéndo a info@objeto-a.com.ar

Suele ser costumbre para estas fechas realizar balances de año; qué es lo que se logró, lo que se podría mejorar, lo que queda por hacer, los nuevos proyectos a emprender…

Este diciembre Objeto a cumple un año y medio de vida, poco tiempo y muchas cosas. Realizamos trece muestras y fuimos visitados por más de once mil personas que participaron de las actividades, recorrieron las muestras o se sumaron a alguna de las propuestas realizadas. La casa, por su parte, resultó finalista en la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires.

Ha sido un año intenso, cuestiones de público conocimiento que hacen a nuestro país, elecciones, paros, emergencia sanitaria, nuevos paros... un agitado viaje en montaña rusa a pesar del cual nuevos amigos se sumaron a las propuestas de Objeto a y a nuestra trastienda. Se realizaron muestras desafiantes como Game on! El arte en juego y la Segunda Edición de Arte y Tecnología, proyectos ambiciosos como el lanzamiento a la convocatoria del Premio Bienal Kosice::Agua-Luz-Movimiento y el emprendimiento de acciones conjuntas como la participación en la Bienal de Arte Textil 2009 y la planificación para el Bicentenario junto a AySA.

Durante el 2009 continuamos con la promoción y difusión de nuestros artistas de trastienda presentando Ciclo A. En simultaneo la sección Arte + Empresas siguió creciendo con la inauguración de actividades como Baco en el arte y continuando con aquellas que ya son un distintivo de Objeto a como La ceremonia del mate y la Expo/Feria con la que cerramos el 2009.

Adelanto 2010...

Hacia febrero estaremos reabriendo con obra de trastienda para comenzar el año con una serie de actividades que, siguiendo la tradición de Objeto a, irán alternando propuestas y temáticas, dentro de ellas cabe destacar la muestra colectiva del taller de Silvia Brewda y Ariela Naftal, la tercera edición de Arte y Tecnología con la presentación de los proyectos ganadores del Premio Bienal Kosice, la segunda edición de Game on! El arte en juego y las propuestas contrastantes de Horacio Carrena que nos adentrará en el mundo de simbologías de nuestros pueblos originarios y de Luis Marte que sumerigirá a los participantes en el universo del arte experimental y la biotecnología.

Por otra parte estaremos participando junto a AySA en las celebraciones del Bicentenario, con una muestra muy especial en el hall principal del Palacio de Aguas.

Estas son algunas de las acciones a las que los estaremos invitando a compartir junto a nosotros el próximo año.

Hasta entonces nos despedimos.

¡Felices fiestas!

BGH, empresa con más de 90 años de permanencia en el mercado y siempre dispuesta a asumir nuevos desafíos tecnológicos, ha decidido sumarse al Premio Bienal Kosice:: Agua-Luz-Movimiento entregando un premio de 1000 USD al proyecto que resulte elegido para el segundo lugar por el jurado.

Tanto el primer como segundo premio serán entregados a los proyectos una vez realizados para ser exhibidos en la tercera edición de la muestra Arte y Tecnología a tener lugar en el año 2010.

Pueden consultar las bases y condiciones de participación en este mismo blog.

Por dudas y comentarios escribir a bienalkosice@objeto-a.com.ar

El próximo fin de semana (sábado 5 y domingo 6 de diciembre) Objeto a estará participando del Festival Fuga Gráfica con la obra "Cuadernos de caligrafia:Buena Letra" conformados por No todo es color de rosa y Variaciones sobre un mismo tema de la artista Susana Barbará, motivo por el cual el sábado la muestra “Expo/Feria/09” estará cerrada al público, ya que estaremos ultimando los detalles de montaje y participando de la apertura del Festival.

Fuga Gráfica es la doceava edición del Festival de Arte Contemporáneo y Experimental establecido como un espacio abierto para la difusión del arte multimedia.
El Festival es la continuación de Fuga Jurásica que tenía como sede el Museo de Ciencias Naturales. En esta ocasión Fuga Gráfica define a la “gráfica” como temática convocante y estímulo para los artistas participantes y tiene como sede a la Fundación Gutenberg.
El presente festival pone eje en la experimentación y es coordinado por el paleontólogo y músico electrónico Luis Marte. Así se integran en la presente edición disciplinas como el arte sonoro, video, animación, fotografía, plástica, web art, artes escénicas, instalaciones, charlas y seminarios.
Más de 100 artistas aunados bajo la temática de la gráfica conforman el festival apropiándose del edificio de la fundación Gutenberg e invitando al público a participar de distintas experiencias.
Cabe destacar la presencia del músico Fernando Kabusacki, el artista digital y VJ Jorge Castro, el artista plástico Juan Doffo, el cineasta Ernesto Baca, entre otros. Apoyan en esta edición el CCEBA, la Fundación Gutenberg y la Universidad Maimonides.

En esta ocasión Objeto a estará participando con “Cuadernos de caligrafia: Buena Letra” de Susana Barbará, una obra que cruza lenguajes y que adoptando la forma de casi un juego hace una ingeniosa crítica a las relaciones personales.

"Desde niña mi madre solía decirme que tenía que “hacer buena letra” para indicarme que debía portarme bien.
Ya en el secundario tuve, literalmente, que hacer buena letra, mientras cursaba caligrafía.
Usaba hojas cuadriculadas que guiaban y orientaban mis trazos. Repetía, repetía y repetía hasta  hacerlas correctas y bellas.
Con ese espíritu de aprendizaje, constancia y repetición recree mis cuadernos de adolescencia.
Con la íntima intención y esperanza de aprender de una vez por todas, las cosas que debo evitar, o bien para poder resolver las próximas situaciones personales con las palabras adecuadas que he ensayado sistemáticamente
Esta es una serie de libros de artista, cuadernos de caligrafía (sobre papel cuadriculado Rivadavia), escritos con pluma cucharita, para practicar esas palabras o frases que escuchamos y/o  utilizamos por ejemplo, en una relación, durante nuestra vida."

Versión  1: No todo es color de rosa
(Libro de artista de 46 hojas, forrado en cuero color rosa)
Práctica de palabras escritas en rosa y en negro:
 tenemos que hablar
 postergue todos mis proyectos …

Versión  2 : Variaciones sobre un mismo tema
(Libro de artista de 17 hojas forrado en cuero color celeste)
Práctica de las excusas que dan los hombres para no llamar a una mujer
Este libro de artista se expone con un video de (aproximadamente 5 minutos), con una selección de 7 frases masculinas:
no tenia señal en el celular
termine de trabajar muy tarde
no me llames vos, deja que yo te llame
tuve que trabajar horas extras
la computadora del trabajo no andaba
Imposible llamarte, la oficina fue un quilombo
te deje un mensaje

Palabras de Graciela Taquini sobre “no todo es color de rosa”
"Si este proyecto se encarara únicamente como una burlona mirada feminista cuestionando las relaciones de pareja,  donde no todo parece ser color de rosa, sería algo muy limitado, casi una broma,  que, luego de una sonrisa,  se olvidaría rápidamente. Sin embargo, las investigaciones que está realizando Susana Barbará con respecto al cliché trascienden esa mirada. Su próximo trabajo tiene que ver con las frases hechas que los críticos de arte esgrimen en sus apreciaciones estéticas. Susana va más allá del arte de género, buceando en cuestiones más amplias.
Utiliza la  figura retórica  de la ironía, que tiene que ver con una operación fundante del arte contemporáneo; el acto de invertir, de "dar vuelta". Este procedimiento, si pensamos en el  urinario de Marcel Duchamp  es algo concreto aunque muy sutil, y al mismo tiempo es metafórico.  Hacer ese corrimiento implica acceder a algún otro tipo de revelación, aporta una saludable ambigüedad, busca la multiplicidad de sentidos que,  en última instancia,  sirven para  minar el criterio de autoridad impuesto desde afuera o desde la costumbre, el hábito o la tradición Barbará apunta a  que "lo dicho" puede no ser verdad, o tal vez  pueda ser,  alternativamente,  una verdad a medias, una mentira piadosa, una excusa, o una estrategia para no enfrentar lo auténtico, o hasta para quedarse con la última palabra. En el caso de los críticos remite a la falta de análisis, a la superficialidad, o a la comodidad de la repetición.
El otro aspecto clave de esta a obra es que nos transporta a dispositivos de la memoria de la infancia, especialmente de la escuela primaria,  que ha sido y sigue siendo un lugar de transmisión a veces de esquemas remanidos.  El pizarrón, el viejo cuaderno de caligrafía aluden por un lado al castigo, al escribir "cien veces no debo". Al mismo tiempo,  la caligrafía es una modelo de uniformidad  que no deja filtrar la impronta propia de algo tan personal como la escritura.
Esta obra es una videoperformance donde la autora invita a hombres amigos a escribir y en una segunda instancia a compartir con ella frases hechas. La fuerza del tiempo real reaviva la idea de acción. También presenta dos libros de artista,  hechos a mano. En esta ocasión, además, como  un aporte a la apertura de la Galería Objeto a, incorpora también  tecnología  digital, la telefonía celular, con el fin de lograr que la obra se convierta en un hecho participativo e interactivo donde los visitantes al vernisagge aporten la memoria de esos lugares comunes que nadie puede evitar. El artista de hoy produce señalamientos, deja huellas, propone una revisión ética a través de un hecho estético aunque,  justamente sin didactismos, sin dar lecciones de vida. Tecnológica, visual y conceptual esta obra quedará impresa en nuestra memoria colectiva."
Graciela Taquini
Historiador del Arte (UBA), curadora, artista

Hemos creado una página-fan en facebook para ir subiendo las novedades relativas al Premio Bienal Kosice, aquellos interesados en sumarse a la misma pueden hacerlo desde el siguiente link: PREMIO BIENAL KOSICE

Allí encontrarán albumes de fotos relacionados con las dos primeras ediciones de la muestra Arte y Tecnología donde podrán acceder a algunas de las obras presentadas dentro del marco de las mismas, un breve recorrido por el Museo Kosice, imágenes de Objeto a para tener de referencia en relación al proyecto y demás datos relacionados con el Premio Bienal Kosice.

Recuerden que para consultas pueden escribirnos a bienalkosice@objeto-a.com.ar o bien llamarnos al 4.773.0292

A continuación les dejamos el flyer del festival para mas información pueden contactarnos a info@objetoa.com.ar

Bases y condiciones

Con el objeto de promover la creación de obras artísticas que desarrollen proyectos tecnológicos, Objeto a presenta el PREMIO BIENAL KOSICE  (edición 2010). 
Éste se rige por las bases y condiciones que se detallan a continuación. La participación en este concurso está sujeta a estas condiciones. Su aceptación  se refrenda por el sólo hecho de presentar el proyecto.

Objetivo
Estimular la creación, la experimentación y la investigación de obras multimedia de artistas que trabajen con nuevas tecnologías, inspirados en la obra del pionero y maestro Gyula Kosice.

Categoría Única
Premio a proyectos artísticos que desarrollen procesos tecnológicos multimedia bajo la consigna estética de las poéticas del agua, la luz y/o el movimiento.

Condiciones generales
Los datos sobre este concurso, su reglamento y ficha de inscripción se encontrarán disponibles únicamente en las páginas Web de Objeto a: http://www.objeto-a.com.ar  y http://www.objeto-a.com.ar/blog

Consultas telefónicas podrán ser realizadas de martes a viernes de 15 a 19hs al (011) 4773-0292 o por e-mail a bienalkosice@objeto-a.com.ar 

Todo participante deberá entregar en sobre cerrado y claramente rotulado, la ficha de inscripción (en versión digital e impresa) acompañada por una ficha del proyecto, las memorias, la biografia y demás material en formato digital (cd o dvd).

El material deberá ser entregado por correo, en sobre cerrado y claramente rotulado, en Objeto a, sito en Niceto Vega 5181 CABA, C1414BEK. 

La fecha del timbrado del correo no deberá ser superior a la fecha de finalización de la convocatoria.

Cada participante deberá también remitir este material vía online a la dirección: bienalkosice@objeto-a.com.ar

Cada ficha de inscripción tendrá un número de orden que se notificará por mail a los participantes de Capital o Interior. Esta respuesta implicará la participación en el concurso y el número de orden servirá para consultas y/o retiro de material seleccionado.

Los proyectos presentados deberán ser inéditos, entendiéndose por lo mismo aquellos proyectos que no han participado en otros certámenes.

Los proyectos  implicarán un desarrollo tecnológico y deberán estar cruzados por las poéticas del agua, la luz y/o el movimiento.

Las obras que utilizan imágenes o sonidos preexistentes serán aceptadas bajo la responsabilidad del participante en lo que atañe a derechos originales con respecto a terceros.

Los participantes se harán responsables por reclamos de cualquier naturaleza que terceros pudieran realizar con base a violaciones de derechos de autor y/o cualquier otro daño que pudiere causar a terceros.

Podrá presentarse una sola obra por participante.

La presentación de más de una obra de un mismo autor producirá la no aceptación de las mismas por incumplimiento de las presentes bases.

Se recibirán proyectos para distintos formatos como ambientaciones, instalaciones, video instalaciones, instalaciones interactivas, esculturas, objetos, video expandido, desarrollos en espacio específico, obras objetuales con desarrollos para la Red, arte robótica, arte lumínico,  etc.

Los artistas deberán tener en cuenta las dimensiones, accesos y espacios de Objeto a, para que la obra premiada, una vez realizada, pueda ser exhibida.

Todos los datos consignados en los proyectos participantes tendrán el carácter de Declaración Jurada.

No se aceptaran obras terminadas sino proyectos.

No se aceptarán proyectos presentados de forma anónima o con seudónimo. Tampoco se aceptará la presentación, por parte de terceros, de proyectos pertenecientes a artistas fallecidos.

No se aceptarán trabajos que no cumplan con todos los requisitos especificados previamente.Inscripción

Entrega del material
La ficha de inscripción deberá estar tanto en formato digital como impresa y firmada por el artista. El resto del material deberá ser entregado en formato digital (cd o dvd rotulado) en sistema operativo Windows XP o superior, dentro de un sobre rotulado que indicará lo siguiente:

Objeto a
Niceto Vega 5181
1414 – Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Att: Premio Bienal Kosice

Material a completar y enviar para participar del premio:

1. Ficha de Inscripción
2. Ficha técnica
3. Biografía.
4. Documentación
5. Material extra

1. Ficha de Inscripción:
Ficha personal completada en su totalidad, firmada por el artista o representante (en el caso de colectivos de artistas) conteniendo los siguientes datos personales:
Nombre y apellido del autor o representante del grupo
Fecha y lugar de nacimiento
Número de DNI
Domicilio completo
Teléfonos fijos y celulares
Dirección de e-mail
Sitio web
Título del proyecto
Las obras grupales deberán tener los nombres y fechas y lugar de nacimiento de todos sus miembros.

Las obras premiadas serán exhibidas en Objeto a durante la fecha tentativa del mes de septiembre del 2010 dentro del contexto de la muestra Arte y Tecnología III.Los artistas deberán tener en cuenta  las dimensiones y espacios de Objeto a y sus áreas de ingreso para el desarrollo de las obras.

La realización de los proyectos quedará a cargo de los postulantes en caso de ser beneficiados con el premio de esta categoría.

Noviembre fue un mes de reencuentros con amigos, artistas, mitos y tradiciones. Entre ellos cabe destacar el lanzamiento de una nueva actividad llevada adelante en conjunto entre Objeto a y Familia Zuccardi: Baco en el arte. Una propuesta especialmente diseñada para instituciones y grupos reducidos que quieran tener un primer acercamiento al arte descubriendo los secretos y tradiciones que aúnan el quehacer artístico con la historia del vino. Aquellos interesados en tener más información sobre la actividad y en coordinar próximos encuentros pueden escribirnos a info@objeto-a.com.ar bajo el título “Baco en el arte”

Durante noviembre inauguramos la segunda edición de la Expo/Feria que promete ser tradición en Objeto a. En esta ocasión una selección de artistas de trastienda y de nuevos amigos del Espacio presentaron una variedad de propuestas artísticas que cubren distintas miradas y acercamientos al hecho artístico con el objetivo de que en estas fiestas regalar arte sea una propuesta para considerar. Participan de la propuesta: Julieta Anaut, Marta Ares, Mariano Brizzola, Horacio Carrena, Fernanda Cavallaro, Andrea Cavagnaro, Cristina Civale y Edio Bassi, Carla Ferrari, Micky Garcia del Rio, Camilo Guinot, Andrea Martinetti, Tadeo Muleiro, OmarOmar, Diana Randazzo, Maria Santacecilia, Diego Santos.

Dentro del marco de reencuentros con amigos y artistas fuimos cerrando proyectos, como el lanzamiento del Premio Bienal Kosice. Agua-Luz-Movimiento y comenzando a diagramar nuevas propuestas para el próximo año, como la participación en el Bicentenario junto con AySA.

En diciembre seguiremos abiertos al público con la Expo/Feria/09 hasta el viernes 11 de diciembre, recuerden que pueden acercarse de martes a sábado entre las 15 y las 20hs. Con esta muestra estaremos participando del último Gallery Nights de Palermo el próximo miércoles 9 de diciembre.
También durante este mes estaremos participando de Fuga Gráfica, festival de arte multimedia, que tendrá lugar este sábado 5 y domingo 6 de diciembre en la Fundación Gutenberb.
Diciembre será también el mes en el que subamos y difundamos las bases para participar del Premio Bienal Kosice. Agua-Luz-Movimiento.

Hacia mediados de diciembre cerraremos al público para seguir ultimando detalles sobre las propuestas con las que recibiremos al 2010. Como siempre nos mantendremos en contacto a través del mailing y del blog. Aquellos que aún no se han suscripto y quieran hacerlo simplemente escribánnos a Info@objeto-a.com.ar

Por consultas sobre cualquiera de los temas mencionados en el post pueden escribirnos a info@objeto-a.com.ar

La imagen del post corresponde a distintas iluminaciones del frente de Objeto a.

Tadeo Muleiro es Licenciado en Artes Visuales por la UMSA Universidad del Museo Social Argentino Adjunto de la Cátedra de escultura D’ Angelo, en el IUNA Instituto Universitario Nacional de Artes.
Cursó en las Cátedras de Eduardo Iglesias Brickles, , Adriana Lauría, Oscar De Bueno, Guadalupe Neves, Susana Smulevici, Juan Astica, Maria Laura Rosa, Oscar De Bueno, Andrea Racciatti, Ricardo Laham, Javier Sanguinetti.
Clínica de obra con la artista Fabiana Barreda.

Julieta Anaut

“Árbol de la esperanza, mantente firme”, dice Frida Kahlo a través de un cuadro pintado en 1947. Esta afirmación de la voluntad se vincula desesperada a nuestro tiempo de velocidades infinitas, de naturaleza literalmente muerta, de ausencias calificadas.

Contenida en una suerte de escenarios buscados a través de la cámara y una mujer que trata de encajar en ellos, Julieta Anaut actúa como materia de su propia creación, ofreciendo su cuerpo al personaje que nació como una sirena, expulsada de su hábitat, arrojada a su suerte y a vagar como una integrante de dos mundos.

¿Estamos dónde queríamos estar? ¿Hemos roto la cadena mágica de sucesos que solían dejarnos justo en ese lugar? Destierro del mar es un retrato presente de esa sensación concreta que brota de la piel e intenta un recorrido desde lo impuesto hasta lo natural, desde la “evolución” a lo primario.

El mar, testigo omnipresente de esta fuente inagotable de expresión, se convierte en apenas el prólogo de un destino teñido por el azar y una misión: entregar un símbolo de amor y tregua a un sitio ajeno, remoto y sin la calma de su punto de partida.

Emilce Schedel

Fernanda es ertista plástica nacida en Buenos Aires, donde se forma en principio en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón para luego continuar en talleres particulares. Reside en Bariloche desde el año 2001.
En sus comienzos su obra es de carácter netamente social, fuerte y comprometida. A partir de su llegada a Bariloche su trabajo toma un giro muy importante, donde la naturaleza es la protagonista y la imagen se llena de sensaciones, ritmo y poesía. Trabaja en diferentes tècnicas y texturas. Se desarrolla tambièn como muralista. Desde 1984 participa en innumerables muestras individuales y colectivas obteniendo diversos reconocimientos, menciones y premios.

La próxima semana estaremos dando comienzo a una nueva actividad dentro del área de Instituciones + Cultura, presentada en conjunto por Familia Zuccardi y Objeto a. La misma consiste en una serie de degustaciones que, bajo la figura de Baco, se enmarcarán en un contexto peculiar, así al mismo tiempo que los participantes se irán adentrando en los misterios del vino tendrán un acercamiento al mundo del arte.
Dionisos es una figura controvertida que está fuertemente asociada con el vino y el arte, desde distintos lugares. Los sucesivos encuentros irán desglosando estos lazos. Por lo pronto los dejamos en compañía del mito griego que da vida a esta figura….

En la ciudad griega de Tebas, vivía la princesa Sémele, hija del rey Cadmo y de la reina Armonía. Tan grande era su belleza que pronto fue objeto de la atención de Zeus. El dios acudía a visitarla al palacio de su padre disfrazado de mortal, hasta que un día la joven cedió ante una insinuación de Hera (la celosa esposa de Zeus) que, disfrazada de la nodriza de la joven doncella, sembró donde había confianza la duda de si quien la visitaba era realmente Zeus o si era un impostor que se había aprovechado de su inocencia.

De modo que, en su siguiente encuentro, la joven Sémele rogó al dios que se le mostrara en su olímpica majestad. Zeus accedió con mucho pesar ante la obstinación de la joven, consciente de que no podría soportar su divino resplandor, pero como le había dado la palabra de concederle lo que quisiera, tuvo que acceder a su ruego.

Fue así como la joven princesa pereció consumida por las llamas que desprendía Zeus, el señor del rayo. Dionisos, que estaba en el seno de la joven, hubiera perecido también si una tupida hiedra fresca y húmeda con que lo envolvió Gea, diosa de la Tierra, no se hubiese enrollado milagrosamente en las columnas de palacio, interponiendo su verde pantalla entre el niño dios y las llamas celestes.

Zeus recogió a Dionisos niño, para el que no había llegado el momento de nacer, y lo encerró en su muslo. Cuando el plazo se cumplió, extrajo a la criatura. Este doble nacimiento le valió a Dionisos el epíteto de “ditirambo”, que quería decir “el dos veces nacido”.

Entonces Zeus confió su hijo a Ino, hermana de la princesa muerta, que residía en Orcómeno con su esposo Atamante. Pero la diosa Hera, la engañada esposa celeste de Zeus, no había desistido de su deseo de venganza, por lo que trató de enloquecer a los tíos del niño dios. Pero Zeus consiguió salvar por segunda vez a su hijo transformándolo en cabrito y entregándolo al dios mensajero Hermes para que lo confiara en custodia a las ninfas de Nisa, una región montañosa mítica que no se corresponde con ninguna región griega conocida.

Dionisos, el niño dios, pasó su infancia en esta maravillosa región al cuidado de las ninfas. Las musas, las ménades, los sátiros y los silenos también contribuyeron a la educación de Dionisos. Con una corona de hiedra sobre sus sienes, el joven dios corría por montes y bosques en compañía de las ninfas, y las montañas le devolvían los ecos de sus risas y gritos. Mientras tanto, el viejo sileno se ocupaba de la educación del joven dios.

Cuando fue mayor, descubrió la vid y el arte de obtener el vino. Cuenta el mito que, al principio, bebió sin moderación, por lo que Hera aprovechó para llevarlo a un estado de locura divina del que sólo se recuperó al consultar el oráculo dedicado a su padre Zeus en el templo de Dodona.
Dionisos empezó entonces una serie de largos viajes, que lo llevaron desde Grecia hasta la India y otra vez de vuelta a Grecia, en su carro tirado por panteras y adornado por hiedra y vid, acompañado por los silenos, las bacantes y los sátiros, para enseñar a los seres humanos los misterios de su culto y los beneficios del vino.

En su largo recorrido, protagonizó aventuras de gran belleza, como aquella en la que un día, cuando el dios paseaba por la orilla del mar, fue raptado por unos piratas que se lo llevaron cautivo en su navío. Creían que se trataba de un príncipe y esperaban obtener un buen rescate por él. En vano se esforzaban por atarlo con pesadas cadenas; estas se soltaban y caían por si mismas. Entonces se produjeron unos hechos prodigiosos: a lo largo del sombrío barco empezó a correr un vino delicioso y perfumado, y una vid trepó por la vela abrazándola con sus hojas. Mientras se adhería una oscura hiedra en torno al mástil, los remos se convirtieron en serpientes y resonaron flautas invisibles. Ante tales prodigios, los piratas, aterrados, se tiraron al mar, quedando transformados en delfines, lo que explicaría de forma simbólica por qué los delfines son amigos de los hombres y se esfuerzan por salvarlos en los naufragios, puesto que serían aquellos piratas arrepentidos.

En otros episodios de sus viajes se nos narran las dificultades con las que este dios se encontraba para que sus ritos y fiestas fueran aceptadas por las gentes. Por ejemplo, cuando Dionisos regresó a Grecia después de su largo periplo, cuando estaba, de hecho, en su ciudad natal, Tebas, el joven dios introdujo sus fiestas, a las que todo el pueblo se sumó, siendo presa de delirios místicos. Pero el rey Penteo se opuso a ritos tan ajenos a las costumbres. Intentó encarcelar al dios y a sus sacerdotisas, las bacantes, y fue castigado por ello, así como su madre Ágave, que tampoco reconocía al dios. Ágave, en pleno delirio místico, desgarró con sus propias manos a su hijo y rey de Tebas, Penteo, en el monte Citerión.

Tras todas estas luchas para ser reconocido entre los mortales y para implantar su culto entre los humanos, el dios pudo ascender al Olimpo, terminada ya su misión. Pero antes de ello, descendió al Hades, lugar donde, según la tradición griega, residían las almas de los muertos, en busca de su madre, Sémele, para llevarla también junto a él a la compañía de los dioses inmortales.

Imagen del cabezal: detalle de Bacanal, de Nicolás Poussin.

La muestra Los Otros reabrirá sus puertas el martes 03 de noviembre en el horario de siempre, de 15 a 20hs.

Por cualquier consulta pueden comunicarse con nosotros escribiéndonos a info@objeto-a.com.ar

En segundo lugar nos sumamos a la cuarta edición de Palermo Fest, un festival que año a año va creciendo y sumando adeptos con el objetivo de promulgar diversas actividades culturales en Palermo. En esta ocasión estuvimos participando en el segmento Cine con las proyecciones de un documental sobre Borges – realizado por el Centro Cultural Caras y Caretas – y con la proyección del recientemente galardonado Basicamente un Pozo, largomentraje realizado por Cine Humus.

Finalmente inauguramos la Segunda Edición del Ciclo A con la apertura de Los Otros, una muestra que retoma la figuración bajo la mirada de cinco artistas integrantes de Objeto a. La exhibición puede ser visitada de lunes a sábado de 15 a 20hs hasta el próximo sábado 7 de noviembre. Para mayor información pueden consultar la web o ver algunas de las obras participantes.

Durante noviembre estaremos incorporando una nueva actividad en el programa Instituciones + Cultura, en este caso de la mano de Zuccardi comenzaremos con una propuesta de degustaciones que busca ahondar en los misterios del vino y del arte, para mayor información sobre este tema pueden escribirnos a info@objeto-a.com.ar bajo el asunto “Baco en el Arte”.

Por otra parte hacia mediados de noviembre abriremos la Segunda Edición de La Expo/Feria, en esta ocasión hemos convocado a un selecto grupo de artistas para que participen con una diversidad de propuestas. Repitiendo la consigna del año pasado el objetivo de la Expo/Feria vuelve a ser que en estas fiestas regalar arte sea una opción más, en la web pueden ir teniendo un adelanto de lo que será esta segunda edición. La Expo/Feria podrá ser visitada de martes a sábado de 15 a 20hs, todas las obras en exhibición estarán a la venta. En breve mayor información.

La misma puede ser visitada hasta el sábado 7 de noviembre, de lunes a sábado de 15 a 20hs.

Los esperamos!

Guion curatorial
Desde Lacan nos constituimos en la mirada del otro… los otros… el Otro, mirada que interroga, oculta, dice o calla… que nombra.
Sueños, recuerdos, entre líneas y colores surgen aquellos monigotes de niño, ese niño que fui, que sigue ahí, acurrucado en algún rincón de mí ser, dispuesto a danzar en el aire olvidando los miedos, jugando entre transparencias y colores … otros fantasmas se asoman entre grises y ocres, personajes de una vieja película, aquel maestro-guía que se perpetua sin saberlo colándose entre pinceladas…un gesto que se detiene en el tiempo, rostros de ayer que vuelven en un eterno retorno, que cuentan de otros lugares, otras vivencias, diferencias que desaparecen en un juego de luces y sombras acercándonos, susurrando secretos e historias, casi cómplices en la intimidad de las telas que las cobijan, los Otros, nosotros.
Objeto a

Cliqueando aquí podrán acceder a algunas imágenes de la noche inaugural.

La muestra puede ser visitada de lunes a sábado entre las 15 y las 20hs. Los esperamos!

El próximo miércoles 28 de octubre a las 18:00hs, dentro del marco de Palermo Fest, estaremos proyectando Basicamente un pozo, primer largometraje del grupo Humus que resulto ganador del Premio del Público a Mejor Película del BAFICITO. Desde entonces los jovenes cineastas han estado recorriendo diversos puntos geográficos del país presentando su galardonada producción, para seguir su periplo pueden acceder a su blog.

Humus se presenta a si mismo como "un cuarteto argentino de cine, una agrupación de artistas que trabajan en función de lograr creaciones cinematográficas colectivas. En su camino ya trazado, el grupo cuenta con varias realizaciones de cortometraje que han sido exhibidas y premiadas en diversos lugares del mundo. Apostando al juego fantástico y absurdo para abordar la ficción e indagar historias del orden cotidiano, humus pone en juego su maña en el terreno audiovisual para dar lugar a la imaginación como única protagonista de sus invenciones."

A continuación los dejamos con la primer parte de una muy buena entrevista realizada por la gente de Educ.ar

—En algunas entrevistas ustedes plantean que no se asumen como realizadores de "cine infantil", sino que en todo caso hacen películas para grandes que les gustan a los chicos. ¿Podrían explicar un poco eso?

Federico Barroso Lelouche (FBL): Cuando uno se pone a trabajar en cualquier hecho artístico, pensado para un espectador, tiene un espectador modelo, y ese espectador modelo generalmente es similar al artista; digo generalmente porque sino el teatro o el cine para niños deberían hacerlo solo los niños. En nuestro caso hacemos películas que nos gustaría ver a nosotros. En Básicamente un pozo hay partes en que se manejan códigos que los chicos no manejan. Por ejemplo: ritmos, tiempos, silencios o planos fijos que se hace difícil sostener ante el público infantil. Los adultos quizás por respeto, no se mueven, por ahí no les gusta lo que están viendo pero se quedan en la sala. Un chico no, enseguida dice: "Papá, me aburro".

Agu Grego (AG): Yo me acuerdo de una chica que en una función que hicimos en Neuquén se fue llorando. Y pensé: "¡Uy! no le está gustando nada la película". Y al final era que se iba porque la mamá se tenía que ir: ella se quería quedar.

FBL: No encasillaría Básicamente un pozo como una película "para chicos", porque claramente no lo es.

AG: Sí tiene una mirada desde un punto de vista si se quiere infantil, tiene elementos muy de nuestra infancia, cierta inocencia. Y eso quizás resuena en un adulto que vivió eso. Tal vez para un chico de hoy que no jugó a las bolitas, que solo conoce la PlayStation, esos no son signos de su infancia.

FBL: Apelamos al niño interior que tiene el adulto, no al niño exterior. De hecho Sergio Wolf –director artístico del BAFICI– presentó al BAFICITO como un conjunto de películas para chicos que les gustan a los grandes, sin mensajes ni moralejas. Nosotros por ejemplo vimos las funciones al aire libre de los cortos de Juan Pablo Zaramella. Él claramente no hace películas para chicos pero maneja el código, esto de los ritmos, los silencios; el código que maneja es perfecto para los pibes. Nos dimos cuenta por la respuesta del público.

Que una película sea para toda la familia no significa que sea "para chicos". Que pueda venir el papá a la función y que la disfruten padre e hijo no quiere decir que una película de las nuestras sea "para chicos".

— ¿Hicieron funciones para chicos, en las que luego de ver la película hayan podido charlar con ellos y conocer sus impresiones?

AG: Hicimos funciones con charla posterior. Nos ofrecieron ir a las escuelas pero todavía no lo organizamos. ¡Estaría bueno!

Ber Chece (BC): Yo lo que vi es que en el BAFICITO muchos chicos preguntaban por cuestiones técnicas, quizás porque pocas veces habían tenido la posibilidad de estar frente los directores de una película. Por ejemplo, nos preguntaban cómo hicimos el efecto de la chinita al final de la película, cómo hicimos el pozo. Me parece que les intriga el detrás de escena. En el BAFICI yo fui a la función de Brendan & Secret of Kells, y como estaba la directora preguntaban sobre cómo se hizo, se interesan por la realización, por los trucos.

— Quizás porque lo que les inquieta es la ficción, el saber si eso pasó "de verdad".

FBL: Básicamente un pozo es una película para esa gente que disfruta de un truco de magia sin preguntar después cómo se hizo. Hay tipos que disfrutan de ver un truco de magia y ya; en cambio hay adultos que en vez de disfrutar el truco están viendo el cómo. Esas dos clases de adultos se paran distinto, caminan distinto, piensan distinto, se manejan diferente en la vida. Y ese adulto que se deja encantar por el truco tiene un espíritu añiñado, si se quiere. Por eso se engancha con nuestras películas, porque nosotros trabajamos con esos elementos, porque nos parece que somos esos adultos. Pero ese espectador no es un niño sino que es un adulto.

Alguna vez leí una nota en la que el productor teatral Carlos Rotemberg criticaba la inexistencia de espectáculos para adolescentes, decía que los chicos a partir de los 10, 13 o 15 años dejan de ir al teatro para volver solo en algunos casos en edad universitaria. Rotemberg observaba esto desde una cuestión de mercado. Terminada la infancia solo regresan al teatro los intelectuales universitarios. Justo en el momento que salió esa nota yo estaba ensayando con un grupo de teatro una versión de El médico a palos, de Molière, una obra con una crítica social muy fuerte, en clave de dibujo animado, para presentar en horario infantil, porque la versión estaba destinada al público adolescente. Me parece que Básicamente un pozo también tiene algo de esa línea de trabajo.

A las funciones que hemos hecho en la gira fueron muchos adolescentes, de esa franja que va entre los 13 y los 20 años a los que les pegan mucho nuestras películas. Mientras que en el mercado se les ofrecen a los chicos historias en la que los personajes viven experiencias de adultos.

Ignacio Laxalde (IL): A mí me pasaba con Amigovios – telecomedia de la década del 90–, cuando era chico.

FBL: Yo me sentía reatrasado.

IL: Yo decía "¡ya se dan besos!", "¡tengo que estar de novio!"

FBL: Uno se sentía retonto. En ese sentido yo creo que con nuestra película estamos aportando algo fresco, presentando otra alternativa para esa edad, que al menos no te frustra, apunta a la imaginación, es otra opción. Cuando yo miraba Amigovios estaba en esa edad en que jugás a los autitos y te gustan las chicas, y veía Amigovios y me decía: "Ahora me tienen que gustar las minas", y entonces aparecía la represión del juego.

— Tal vez las expectativas, lo que se espera de los niños, cambió mucho con el tiempo. Cambió la idea de infancia que tenemos.

FBL: ¡Sí!, y la idea de adulto que tenemos.

BC: Yo lo que veo es que a los chicos se los carga con muchas exigencias. Van al colegio a la mañana, a la tarde a inglés, a la noche a fútbol y... ¡hay niños estresados!

—Sí, cambió la mirada sobre el juego. Tal vez antes la gente no se preocupaba tanto por si un chico jugaba “demasiado”.

BC: Esas exigencias sobre los niños se ven en las nuevas patologizaciones de la niñez: ADD (déficit de atención), ADHD (déficit de atención con hiperactividad). Más que mostrar una patología real de los chicos, muestran la exigencia de los adultos sobre los niños. ¡Cómo no va a ser hiperquinético si está encerrado en un departamento de 4x4, y tiene un montón de excedente de energía!

FBL: Claro, los adultos no lo toleran, y le diagnostican ADHD.

BC: Respecto de las obras con mensaje y demás, yo creo que si bien Básicamente un pozo como él dice no es para niños, o no es para niños exclusivamente, yo prefiero decir que también es para niños. Yo encuentro que es genuina en lo que cuenta y cómo lo cuenta. A veces me pasa que veo obras para niños enfocadas en un sentido formativo, educativo, y resulta muy evidente la intención del adulto. Y a veces se me hace que es más para que lo vea el adulto, se tranquilice, diga: "¡Ah! mi hijo está viendo algo que le enseña que tiene que leer, que tiene que ser bueno..." y no sé si el niño realmente está incorporando como si fuera un valor per se el hecho de que hay que leer; probablemente lee por la compu. Por ejemplo, un adulto toma el valor: "¡Tenemos que inculcarle el hábito de la lectura!", y hacen toda una película enfocada en eso. Siento que eso es para tranquilizar al adulto.

AG: Si al chico no le interesa posiblemente ni le llegue el mensaje.

FBL: Es poner el carro delante del caballo; primero pensás qué hay que transmitir.

IL: Para conseguir un subsidio (Risas).

FBL: Otra cosa es cuando empezás diciendo "¡quiero contar algo!", "desde mí", después lo ve alguien, y le llega; yo lo que quise es contar algo. La consigna "vamos a transmitir valores" no funciona. Por eso aportó frescura nuestra película, porque nosotros no la pensamos para chicos, y salió (ponele) para chicos.

IL: Lo que pasa mucho con nuestras películas, por ejemplo a la salida de una función o cuando nos mandan e-mails, es que la gente nos dice: "Gracias, la película me hizo sentir mejor persona", "me siento feliz", y hablan de una sensación de felicidad y de esperanza. Yo no sé hasta qué punto el término "formativo" está bien usado para hablar de películas como la nuestra, porque una obra de arte trata de generar sensaciones.

— Ustedes tienen algunas "máximas" o pautas a la hora de crear historias. Temas o tratamientos que prefieren evitar. ¿Cómo es eso?

AG: Si bien no pensamos la película para chicos, siempre pensamos en el público en general. Nos interesa que el cine, como el arte en general, le permite expresar y comunicarse a cualquiera. Además es lindo que una película pueda ser vista por todos, que no niegue el acceso a nadie. Ya poniendo escenas de violencia, droga, etc. seguramente te estás arriesgando a que te pongan un cartel que diga: "Apta para mayores de 13, 14 o 18" y se pierde un montón de gente que podría ver nuestras películas. Y la manera en que hacemos cine nosotros hace que se le abran las puertas de la sala a gente de cualquier edad.

FBL: Nosotros hacemos películas para todo público, y tratamos de abrir cada vez más el abanico.

AG: Hace poco fuimos invitados a un taller en el Centro Cultural Rojas para mayores de 50 años. Pasamos la película y lloraron, se emocionaron muchísimo. Nos comentaban cosas, estuvimos charlando con ellos.

FBL: En esa función estaba el hijo de la profesora del grupo, que tiene 15 o 16 años, que había visto nuestra película en el BAFICITO. Estaba fascinado y la quería volver a ver.

AG: Al otro día de verla nos escribió un e-mail contándonos qué le había parecido la película.

FBL: Lo que hacemos en el interior, cuando vamos de gira con las películas, es invitar a la abuela con el nieto, y a todos los que están en el medio. En el interior muchas veces no hay demasiada población. Tenés al pueblo entero viendo la función.

A Las Grutas fuimos con la peli y en la función había gente con su reposera y el mate, la mamá, el nene; eso me parece buenísimo. No ponemos la restricción "para niños" o "para adultos", que vengan quienes quieran. Ahí hay una mixtura, es la sociedad toda.

AG: No decimos: "A ustedes se las prohibimos porque son chicos".

FBL: Uno de los programadores del BAFICI nos dijo: "A ustedes los agarra un distribuidor de cine y le generan un dolor de cabeza, porque no sabría dónde poner la película". El mercado necesita la segmentación.

—Pero eso pasa con muchas otras películas "inclasificables".

IL: Les pasó también a los programadores del Festival. Nos decían: "No es el perfil de película para Competencia Oficial", y sin embargo mucha gente nos preguntaba por qué no estaba en la Competencia Oficial.

FBL: Yo creo que el no ponernos en la Competencia Oficial del Festival fue para cuidarnos.

AG: El BAFICI tiene otra mirada sobre la Competencia Oficial.

IL: Al público le hubiese encantado; ahora no sé si le hubiera gustado a la crítica que busca temas más crípticos, más solemnes.

— Sergio Wolf, director artístico del BAFICI, presentó la función de estreno de la película con mucho entusiasmo y aprecio por el trabajo de ustedes.

FBL: Sí, y esa actitud la mantuvo con nosotros durante todo el proceso del Festival. Fue como un padre, él y todo el equipo se comportó así. De todas formas creo que para el año que viene van a tener que rever el BAFICITO. O tal vez quieren que esa sección quede así.

BC: A mí lo que me sorprendió es que en el BAFICITO no hubiera ninguna otra película argentina independiente. Tal vez no es fácil encontrar películas argentinas independientes no exclusivamente para chicos pero sí que puedan ver los chicos. Por lo general en el cine independiente hay violencia, sexo, droga, son miradas muy de autor, muy cerradas.

IL: A nivel corto tampoco recuerdo si existen. Está Zaramella.

FBL: Y en el circuito comercial ¿hay cine argentino para chicos? ¿Papá es un ídolo?

BC: Tenés a Valentina, Patoruzito, Isidoro.

AG: Manuelita.

FBL: Esas películas son decididamente infantiles. Ahí está primero el carro, que es el mercado. Manuelita fue la película más taquillera de la historia del cine argentino. Dijeron: "Tenemos que hacer plata con este público que necesita qué consumir, con esta pequeña sociedad de consumo", después viene el arte. Películas que no son "para chicos" pero que las pueden ver ¿hay en la Argentina?

IL: Por ahí las de Campanella en un punto.

BC: A mí me pasó que en BAFICI cada vez que veía nuestra película me decía: "¡Sí!, es para chicos".

— Es que también una obra genera su público.

AG: La caja original que hicimos primero para la película era una caja artesanal forrada con papel araña y una etiqueta como los cuadernos de la escuela. En esa caja mandamos el DVD de la peli al BAFICI.

—En los créditos también hay una estética infantil.

BC: Esta es la tarjeta que hicimos para un preestreno de la película.

—Parece una invitación a un cumpleaños, como las que se usaban cuando éramos chicos.

IL: Igual justo tiene que ver con el personaje central, un maestro de escuela, con sus alumnos, y en función de eso elegimos la estética.

AG: Gira alrededor de un concepto, que es lo escolar, y la invitación tipo de cumpleaños es porque en la película hay un ambiente de fiesta.

FBL: Qué loco que un adulto se autoprohiba esas cosas, y diga: "Ah, no, esto es para chicos", o como puede pasar con un adolescente que dice: "Esto es para más chicos", y tiene 13 años pero se lo autoprohíbe, lo mira despectivamente. ¡Te estás perdiendo algo que te puede hacer mejor persona!

BC: Se cree que especializando distintos nichos de consumo se puede sacar más provecho.

FBL: Para no quedar como esos artistas independientes que dicen "a mí no me gusta que me encasillen". A mí me gusta que me hayan encasillado en el BAFICITO, porque nos permitió estar en el BAFICI, que la película sea vista por 600 personas, que en los medios le hayan dado manija. Nosotros hace cinco años que estamos trabajando como grupo. ¿Por qué ahora nos hicieron una nota en Canal Siete, en la Revista Ñ, y ahora en educ.ar?. Sí me gusta que pase esto. Esto es lo que hacemos, no es para chicos, no es para grandes, es para todos.

AG: ¿Y si ahora nos encasillan en que hacemos cine para todos? (Risas)

IL: Imposible que no nos encasillen. Entendemos que son reglas del juego.

AG: Lo nuestro fue hacer la película. Después que un festival tenga secciones nos excede. Hay festivales donde compiten cortos contra cortos documentales, y cortos en 3D, y bueno es el juego del festival. No hay drama, eso no es algo que nos afecte.

FBL: Cuando hacemos giras la entrada es gratuita, nadie tiene restricciones económicas impuestas para ingresar. Cuando la gente ingresa a la sala se les da jugo, pochoclos, chizitos gratis. Hay actores y músicos en vivo que los bienvienen, les regalamos felicidad a rabiar, tratamos de que se sienten en butacas cómodas para ver cine en las mejores condiciones posibles. Nos ocupamos más allá del hacer la película. Si vos decís esta película es para chicos y llenás la sala de niños la película va a ser bastardeada merecidamente porque los niños van a responder a eso. Imaginate a 100 niños viendo Básicamente un pozo que dura 70 minutos, después de media hora de propagandas y media hora más de cortometrajes abstractos, como pasó en el BAFICI. Por eso, ojo con las clasificaciones, a veces pueden ser contraproducentes.

AG: Por eso yo decía que, al menos que lo organicemos nosotros, como la gira, nos excede. Son parámetros que maneja la gente que organiza un festival de esa manera. Cuando nos dijeron que íbamos a estar en la sección BAFICITO aceptamos también.

FBL: Además estuvo bueno porque no vinieron solamente chicos.

— En el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata siempre hay una sección de cortos de animación que organiza Caloi junto con María Verónica Ramírez. Son funciones a las que asisten tanto adultos como niños. Y a la salida del cine se puede escuchar a padres e hijos conversando sobre el sentido de las películas que vieron. Es sorprendente, y sucede más allá de en qué sección pongan una película, o cómo se llame la función.

Para continuar con la nota puede ir al siguiente link: http://portal.educ.ar/noticias/entrevistas/grupo-humus-cine-para-todos.php

Recuerden reservar sus lugares para la proyección de este miércoles ya que los cupos son limitados. Por cualquier duda pueden escribirnos a info@objeto-a.com.ar

Los esperamos!

La segunda edición de Ciclo A inaugura la próxima semana con dos propuestas; el vernissage de Los Otros, una muestra que pone el foco en el retorno de la figuración y que aúna diversas miradas sobre el retrato. En otra instancia estaremos proyectando el largometraje independiente de Cine Humus, Basicamente un pozo, ganador del voto del publico a la mejor película Baficito 2009.

El vernissage tendrá lugar el martes 27 de octubre entre las 19 y las 21hs, pueden consultar más información sobre la muestra y sus artistas en la web, por ahora los dejamos con las palabras que acompañan la propuesta...

Desde Lacan nos constituimos en la mirada del otro… los otros… el Otro, mirada que interroga, oculta, dice o calla… que nombra.
Sueños, recuerdos, entre líneas y colores surgen aquellos monigotes de niño, ese niño que fui, que sigue ahí, acurrucado en algún rincón de mí ser, dispuesto a danzar en el aire olvidando los miedos, jugando entre transparencias y colores … otros fantasmas se asoman entre grises y ocres, personajes de una vieja película, aquel maestro-guía que se perpetua sin saberlo colándose entre pinceladas…un gesto que se detiene en el tiempo, rostros de ayer que vuelven en un eterno retorno, que cuentan de otros lugares, otras vivencias, diferencias que desaparecen en un juego de luces y sombras acercándonos, susurrando secretos e historias, casi cómplices en la intimidad de las telas que las cobijan, los Otros, nosotros.
Objeto a

Roberto Bares
Con un impecable manejo de luz y sombras, y una especial sensibilidad en la transmisión de atmosferas y sensaciones, Barés nos hace compartir la intimidad de sus personajes. Casi podemos vibrar con la música del saxofonista, o estremecernos ante la mirada infinita de la vieja aldeana. Su obra es atemporal como los personajes que retrata y las emociones que nos hace transitar.

Francisco Estarellas
Para adentrarse en la obra fuerte, casi descarnada de este artista, bastan unas palabras suyas sobre los autorretratos …“una forma desesperada y quizás inútil de conocerse a si mismo. Pero supongo que vale la pena intentarlo.” Esta desesperada búsqueda interna, esa necesidad de profundizar en la génesis del ser y el hacer, marcan su trabajo ya desde el dramatismo de los grises y negros apenas interrumpidos por luces de color.

Carla Ferrari
La fuerza de los colores que parecen desbordar las telas y de las líneas que recorren los acetatos habitados por sus monigotes, la espontaneidad y vitalidad de sus trazos, son característica de la obra que Carla Ferrari despliega ante nuestra mirada. Perfecta fusión donde su mano de mujer atraviesa y devuelve con nostalgia y alegría la frescura de la memoria infantil plasmada en esos “personajes cotidianos que uno puede encontrar en cualquier rincón de la ciudad”, como cuenta la artista.

OmarOmar
Los colores estallan, se desgarran, mueren y renacen en un vigoroso lenguaje testimonial con que el artista da cuenta de historias, de vidas, de luchas. Una multitud hambrienta, una muerte injusta y como testigo silencioso de estas, desde sus autorretratos Omar Omar grita en silencio. Historia y actualidad, y el arte como hilo conductor.

Diego Santos
Este joven artista no deja de sorprendernos con la diversidad de técnicas que domina y riqueza en sus propuestas conceptuales. Reminiscencias del pop en el colorido y tratamiento y cierta influencia de la fotografía en unas perspectivas imposibles a la mirada común, se desprenden de las obras que Santos presenta en esta ocasión, en una narrativa visual de la adolescencia actual.

El miércoles 28 de octubre a las 18:00hs será el turno del cine independiente, con la proyección de Basicamente un pozo, a continuación un adelanto del largometraje.
Un maestro de lengua de escuela primaria intenta resolver un problema que atañe a la física: demostrar la existencia del movimiento constante. Deberá entonces realizar un pozo que llegue al otro lado del mundo. Para ello, invitará a sus alumnos encuadrando este sueño como trabajo práctico escolar, involucrando también a su mujer, amigo y todo aquel que se le cruce en el camino… el pueblo todo le mostrará su apoyo.

Entre las distintas notas realizadas por la prensa compartimos con ustedes algunas de las que mejor captaron el espíritu de la propuesta: El Leedor, Ñ, entre otras.

Como siempre la muestra fue acompañada por una nutrida agenda de extensión cultural integrada por especialistas, artistas, críticos y profesionales de diversas áreas, así estuvieron presentes el arq. Jorge Tartarini, Vicepresidente de la comisión nacional, de museos, monumentos y lugares históricos, el dr Raúl Lopardo, Presidente del INA, los grupos Asociación Electrónica y Formantis, la Asociación Lacantonal, los representantes del Kamishabai en la Argentina, la lic Fabiana Perez y National Geographic.

Finalmente la muestra cerró la noche del miércoles 23 de septiembre (añadir fotos) durante el segundo Gallery Nights de Palermo, dentro del contexto de la Semana de los Museos.

Este mes Objeto a presenta tres propuestas, durante la primera quincena estaremos realizando acciones culturales con diversas instituciones tanto puertas adentro como afuera, aquellos que quieran acercarse a visitar la trastienda o acercar propuestas tendrán que escribirnos previamente para coordinar una entrevista. (Info@objeto-a.com.ar)

En una segunda instancia, hacia mediados de octubre  nos sumaremos a la propuesta de Palermo Fest apoyando el séptimo arte, así estaremos realizando proyecciones de cortos, documentales, largometrajes y películas aquellos interesados en recibir mayor información al respecto estén atentos a la web y el blog o escribánnos a Info@objeto-a.com.ar

Finalmente hacia los últimos días de octubre inauguraremos nuestra próxima muestra: Los Otros. Un recorrido por el retrato a través de la mirada de 5 artistas: Roberto Barés, Carla Ferrari, Francisco Estarellas, Omar Omar y Diego Santos, en breve mayor información.

La muestra fue acompañada por una nutrida agenda de extensión cultural organizada por Objeto a que contó con diversidad de propuestas, dentro de las mismas nos estuvo acompañando la Lic. Fabiana Perez, a continuación los dejamos con la reflexión que presentó. En el link que dejamos a continuación pueden acceder a su blog donde encontrarán una serie de links de gran interés para consultar:http://interconectarte.wordpress.com/2009/09/03/navegaciones-en-red-adas/

Hablar de redes hoy puede resultar una invitación a explorar recorridos que multipliquen anacrónicamente las líneas de entretejido que ellas suponen. Me gusta pensar a la red, a la Web como metáfora de vacíos y nudos entrelazados, como aparejo de pesca, como atrapa navegantes, como dispositivo no sólo tecnológico sino también como mecanismo relacional de operadores y operaciones conceptuales, afectivas, sociales, políticas…culturales al fín.

No casualmente, navegando en la red me encuentro con algunas nociones de dispositivo que transitan por estos entre otros lugares. Una de ellas se lanza en palabras de Giorgio Agamben por los siguientes cursos: “…llamaré literalmente dispositivo a cualquier cosa que tenga de algún modo la capacidad de capturar, orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar y asegurar los gestos, las conductas, las opiniones y los discursos de los seres vivientes. No solamente, por lo tanto, las prisiones, los manicomios, el panóptico, las escuelas, la confesión, las fábricas, las disciplinas, las medidas jurídicas, etc…cuya conexión con el poder es en cierto sentido evidente, sino también la lapicera, la escritura, la literatura, la filosofía, la agricultura, el cigarrillo, la navegación, las computadoras, los celulares y -por qué no- el lenguaje mismo, que es quizás el más antiguo de los dispositivos, en el que hace millares y millares de años un primate -probablemente sin darse cuenta de las consecuencias que se seguirían- tuvo la inconciencia de dejarse capaturar.”

Entre aquellos cruces de conceptos y en una frecuencia muy cercana Michel Foucault dice al referirse a dispositivo “Lo que trato de indicar con este nombre es, en primer lugar, un conjunto resueltamente heterogéno que incluye discursos, instituciones, instalaciones arquitectónicas, decisiones reglamentarias, leyes, medidas administrativas, enunciados científicos, proposiciones filosóficas, morales, filantrópicas, brevemente, lo dicho y también lo no dicho, éstos son los elementos del dispositivo. El dispositivo mismo es la red que se establece entre estos elementos.”

Visitadas y revisitadas así las cosas, las redes tendrían su larga historia de tejidos, si consideramos ya al lenguaje como uno de los primeros modelos de estructura reticular. ¿No somos acaso (teoría psicoanalítica mediante) sujetos de un lenguaje, de un entramado de significancias en red que se tejen, nos tejen y entre-tejen culturalmente? Vuelvo a retomar ciertos hilos entrelazados hasta aquí: redes, dispositivos, entre ellos, navegación, computadoras, celulares y lenguaje, así en el orden en el que (presiento), no casualmente, G. Agamben los mencionó en uno de los anteriores párrafos citados

Vayamos entonces a indagar un poco más en los espacios interconectados de Internet, de la Web, del redimensionado Ciberespacio tecno/virtual. Sitio de tránsito de navegantes o internautas, de imágenes, contenidos multimediales e imaginarios diversos en constante tráfico de cirulación. Los navegantes de y por tantísimas redes, bitácoras, blogósferas y otros ciber-sitios, traemos a estos hiperconectados recorridos metáforas de viajes por contexos acuosos y/o aéreos intergalácticos, performatizando otros modos de hacer gravitar las voces y los cuerpos reconfigurados. Virtuales sí, no físicos, aunque más que ausentes, telepresentes.

Pero volvamos a revisar los sentidos de esas metáforas que hablan de otras gravitaciones y circulaciones, en otros tiempos y espacios. Hace aproximadamente un mes atrás, en un programa especial televisivo titulado Hacia la luna, entre algunas secuencias de imágenes de navegaciones espaciales y entrevistas, un astronauta comentaba algo acerca de los primeros ensayos para poner el cuerpo a flotar en aquellos territorios. Una vez fuera de la nave se hacía casi imposible ejercer algún control sobre sus movimientos de un modo más o menos similar a los acostumbrados en tierra firme.
Fue entonces cuando las experiencias de adiestramientos físicos corpóreos por parte de los astronautas, se llevaron a cabo bajo el agua, al haberse reconocido que no existía otro medio como el acuoso capaz de acercarse a la sensación antigravitacional sufrida por los primeros navegantes galáctico espaciales lanzados al encuentro lunar. Unos días después en un ciclo de encuestas callejeras, un programa lanzaba al aire la opinión diversa de transeúntes de la ciudad de buenos aires sobre cómo recordaban aquel inolvidable 20 de Julio de 1969 en el que los tripulantes del Apolo 11 al fin lograron el primer alunizaje. Una mujer recordaba que al día siguiente, ella y todos sus compañeros en la escuela a pedido de la maestra, graficaron el espacial acontecimiento. Todos habían dibujado una pantalla de TV y en ella como escenario, la llegada del primer hombre a la luna. Descripción de una memoria que de un modo u otro configura y se configura en imaginarios siempre asociados a algún tipo de dispositivo, en este caso al de la TV, dispositivo tecnológico que sin dudas, en aquel entonces, conformaba un potente aparato de reformateo de la mirada.
Configuraciones quizás muy en sintonía a ciertos sentidos delineados por el pintor Francis Bacon en entrevista con Marguerite Duras, cuando hablaba allí de imaginación técnica diciendo: “Entienda usted, el tema es siempre el mismo. Es el cambio de la imaginación técnica lo que puede “dar vuelta” al tema, el sistema nervioso personal. Imagine escenas extraordinarias, esto carece de todo interés, desde el punto de vista de la pintura, esto no es imaginación. La verdadera imaginación está construida por la imaginación técnica. El resto es la imaginación imaginaria, y esto no lleva a ninguna parte”.

Continuemos entonces por rutas de imaginaciones técnicas que nos sigan llevando hacia algún lado, y ya que sumamos arte a las redes que aquí se tejen podríamos ir por un momento a visitar la Ciudad Hidroespacial de G. Kosice que en sus delineamientos conjuga agua, arte, tecnologías como dispositivos al servicio de la imaginación, alunizajes, viajes y circulaciones anfibias

“Proponemos concretamtente la construcción del hábitat humano, ocupando realmente el espacio a mil o mil quinientos metros de altura, en ciudades concebidas ad-hoc, con un previo sentimiento de coexistir y otro diferenciado “modus vivendi”. La arquitectura ha dependido del suelo y las leyes gravídicas. Dichas leyes pueden ser utilizadas científicamente para que la vivienda hidroespacial pueda ser una realidad, es decir viable desde el punto de vista tecnológico. Intentar la construcción de algunas viviendas, como un ensayo previo para llegar paulatinamente a la “Ciudad Hidroespacial” propiamente dicha. La opinión de algunos astrofísicos e ingenieros espaciales coinciden en qeu tomando agua de las nubes y descomponiéndola por electrólisis, es posible utilizar el oxígeno para respirar y el hidrógeno introducido en una máquina de fisión nuclear proporcionaría energía más que suficiente. Energía capaz de mantener suspendido el hábitat incluido su desplazamiento, mientras otras opiniones se refieren a la posibilidad de cristalización del agua y derivarla hacia una polimerización que la cualifique energéticamente. (…)

Apunta asimismo a una apertura del arte, pues nuestra civilización entra en la etapa postindustrial. Se propone pues, un arte de todos y no un arte para todos. Al superar todo intermedarismo, el arte se integra tácitamente al hábitat, se disuelve en él y en la vida, es su presentación, su “modus vivendi”. Los luagares creados con sentido de síntesis y vida comunitaria son sus extensión. ¿Para qué, entonces, la pintura, la escultura, en definitiva el “objeto”, si todo ello ya está contenido en la viviendo ocupando el espacio, el recorrido interno de ese espacio, el volumen, el color, el movimiento? (…) disolver el arte en la vivienda y en la vida misma es preanunciar síntesis e integración (…)

Hidroespacializar, aterrizar, amerizar, alunizar, venusizar, tender posteriormente conexiones galácticas e interplanetarias atravesando años luz, serán alternativas multiopcionales. Habrá lugares para tener ganas, para no merecer los trabajos del día y la noche, para alargar la vida y corregir la improvisación, para olvidar el olvido, para disolver el estupor del por qué y para qué y tantos otros lugares como nuestra inagotable imaginación amplifique y conciba.” (Bs. As 1971)
Sin dudas, este mega proyecto anfibio de Kosice no hace más que continuarse e interconectarse con nuestros actuales modos de vivenciar una realidad y una sensibilidad contemporánea atravesada por prácticas socio culturales que contínuamente linkean contextos digitales y físico materiales. El arte no es ajeno a estos movimientos circulatorios, y como lo enunciaban y anunciaban varias décadas atrás el el ready made de M. Duchamp (1958) “Eau & Gaz au tous les étages” (”Agua y gas en todos los pisos”) o “La conquista de la ubicuidad” (1928) de Paul Valéry, innumerables modos y haceres artísticos llegan y se desplazan hoy, a y con nosotros, en nuestros ambientes más cotidianos, fluyendo como agua, electricidad, luz o gas, viajando en y a través de tantísimas redes y dispositivos tecnológicos que se diseñan sobre sentidos trazados por una larga historia de imaginaciones técnicas
Retomando palabras de P. Valéry: “Tal como el agua, el gas o la corriente eléctrica vienen de lejos a nuestras casas para atender nuestras necesidades con un esfuerzo casi nulo, así nos alimentaremos de imágenes visuales o auditivas que nazcan y se desvanezcan al menor gesto, casi un signo. Así como estamos acostumbrados, si ya no sometidos, a recibir energía en casa bajo diversas especies, encontraremos muy simple obtener o recibir también esas variaciones u oscilaciones rapidísimas de las que nuestros órganos sensoriales que las recogen e integran hacen todo lo que sabemos. No sé si filósofo alguno ha soñado jamás una sociedad para la distribución de Realidad Sensible a domicilio.”

Parafraseando a G. Kosice en su manifiesto La ciudad Hidroespacial: arte circulando integrado al hábitat disuelto en la vivienda y la vida misma, en una suerte de síntesis e integración móvil. Porque quizás hoy más que nunca la propuesta conceptual y práctico/artística de Kosice encuentre un multiplicado y en-red-ado campo de resonancia. Es así como en una entrevista publicada en la entrega Nº 64 de la Revista G7, bajo el título “La poetización del mundo”, Kosice en respuesta a la pregunta “¿Cómo quisiera que interpreten su obra?”, responde: “Con una mirada poéticamente válida, en la que la visión del mundo no esté en mi obra sino en lo que debe devenir. Por otro lado, me interesa que se entienda que, con el uso del agua, la luz y el movimiento, siempre propuse una visión, aunque acotada de la realidad.”

Nuevamente un sentido de arte y sus efectos desbordados de cualquier enclave en un sitio único y estático, una apuesta a la puesta en circulación, a una poética de diseminación en y hacia tiempos y espacios móviles. Pero sigamos y nos preguntemos más todavía, ¿cómo son esas circulaciones del arte hoy en momentos de reconfiguradas formas culturales y tecnosociales, cuáles son sus velocidades, qué otros contextos generan en sus recorridos?
En su texto “Las auras frías”, José Luis Brea cursa algunos trayectos que van por ciertas pistas indicando esos otros sentidos. Partiendo de algunos supuestos sobre una modernidad que postulaba la desaparición del aura de “la obra de arte” (”sacra”, única, original) en la época de su reproductibilidad técnica anunciada por W. Benjamin, Brea cambia los índices de temperatura e inaugura a fines de siglo XX una era posaurática, de auras no desaparecidas, sino mejor frías. Habla de un tránsito del “viejo aura elevado por la fe, a la fría decisión seducida de participación ceremonial en el consenso mediático, eléctrico, que da nuevo signo a la experiencia estética” Una posaura descentrada, excéntrica, fluída y multiplicada por “efecto y determinación tecnológica”, pero y a la vez “cumplimiento de un destino querido, logro de un programa: el de la vanguardia radical”. Continúa luego en otros párrafos por fríos y veloces recorridos:
” (…) El aura va a ser ya sólo el sentido: un efecto que se genera en la velocidad circulatoria, en la comunicación. A partir de ahora, sólo eso: y nunca más un efecto de creencia. Sino un efecto sometido a reglas versátiles de producción y desciframiento que dependen de la roturación variable de los trazados circulatorios. El hecho de que en nuestros días la complejidad de esos trazados haya aumentado de modo tan salvaje, exponencialmente, carece de otro efecto que el de no hacer descartalbe ningún futurible, ninguna posibilidad. Ni siquiera es obvio, la de la restauración reaccionaria del sueño aurático, la de la reconstrucción de régimen de sacralidad de relación con la obra. Es por ello que el establecimiento de un régimen frío, posaurático, es no sólo destino: sino también vocación, opción programática, decisión política. Apuesta por un reservarse y reservarle a la obra la sola virtud de un aura fría -no sin algo de fuego fatuo- cuyo destino, cuyo sentido, se juegue cada vez en dados que siempre habiten los aires, en trayectoria “definitivamente inacabada”. Dados que vuelan todavía, cada vez, sin que ninguna efectuación, ningún resultado -ninguna obra- suspenda ese movimiento. Es el movimiento -y no su resultado- lo que nos interesa, lo que interesa al sentido. Cualesquiera datos sobre la situación del sistema no harán otra cosa que indicar las direcciones más probables en que éste buscará su reposo instantáneo. O apariencia alegórica, lugar provisional del un aura. Efímera, cinética, fría (…)

Aura fría, como ese eco, sombra breve, que en el interior de la retina reverbera impreso cuando el ojo se aparta ya de alguna luz que casi no llegó a ver.

¿Lo hizo? -pregunta desde lo oscuro.”
Es así como podríamos entender, percibir ciertas “políticas y funcionamientos estéticos y/o artísticos” hoy. Siguiendo algunos de esos sentidos circulatorios, proponiendo diversas direcciones y posibilidades para la producción, difusión y recepción de las artes. Partiendo de nociones expandidas de red, redes y dispositivos, de tecnologías en asociación a una imaginación técnica, a imaginarios previos que hacen de ellas herramientas, aplicaciones definidas en sus usos, por usuarios y/o prosumidores en contextos de interactividad e interconexión.
Pero para bajar algunas líneas más de enlace sobre estos recorridos hasta aquí, podríamos ir por un atajo hasta una red de artes (visuales y literarias) como DeviantART.com, que ya desde su propio nombre anticipa una convocatoria virtual de arte anunciado como “desvío”, como circulación o trayecto, pero desfasado, corrido hacia otras vías alternativas de viaje
Un sitio que podría percibirse también como poetización de una red, que ancla en modelos de o elementos de redes sociales tecno-virtuales pero dirigida al encuentro en pactos que privilegian el desplazamiento. Allí donde el material artístico que cada deviant/artist sube y comparte “se ilumina” en una efímera y titilante aura fría, al ritmo de la cantidad de veces que se multiplica en las galería de favoritos de otros tantos productores/receptores, en las cuentas de amigos o en la lista de “desviaciones” de quienes siguen cada nueva actualización o subida de material a compartir, agregándose a la lista de Watchers del sitio que siguen y “observan”.

Y para terminar (provisoriamente) en algún otro desvío, retomemos algunas rutas anfibias y vamos por otras “auras frías”, otras aguas, otras navegaciones y exploraciones. Les dejo aquí unos links a Freezer Ballet (video objeto – Gabriel Rud), “Auto-retrato en ruído blanco” (video objeto – Paula Senderowicz), dos piezas que actualmente forman parte de la muestra “Agua y luz; poéticas tecnológicas hacia el fin de la década” en Objeto a y el trailer oficial del documental Hielos Míticos. Una película que navega interconectando las realidades virtuales del cine, las subjetividades de un grupo de pioneros exploradores antárticos lanzados a una aventura, en su momento increíble, y los casi irreales territorios azules helados de un sur, muy al sur.  Lic. Fabiana L. Perez

En la búsqueda de acompañar la propuesta Agua y Luz, entendimos que el papel japonés Echizen Washi debía ser parte de la experiencia por la profundidad creada a través de hilos de seda y glitter en color gris. Aún hoy es difuso su origen, probablemente anterior al año 500 A.D. obteniendo el máximo respeto al ser actor de la historia nipona a partir del siglo XIV, cuando los procesos de fabricación fueron perfeccionados, siendo elegido para las cartas entre nobles y los tradicionales guerreros de elite.

En un azul tan profundo como controversial quedo elegido un soporte más, cuyo nombre denota su origen, el llamado Thai Unryo, también intervenido con sedas y que al igual que el nipón, con procesos creados y perfeccionados entre los siglos XIII y XIV.

Ambos papeles fueron maridados con sobrios acompañantes, haciendo de las invitaciones de tan notable propuesta, una experiencia rica y única.

Más de 150.000 papeles, cinco continentes que nos proveen como importadores la más alta calidad desde 28 países, nuestra propuesta desde 1998. Bienvenidos a PaperFactory. Expertos en papel. http://www.paperfactory.com.ar/

Kamishibai (teatro japonés en papel)
El pez carpa del sueño, por maSao
Un relato de la Linterna de Peonía, de Lafcadio Hearn, adaptado por Natalia Mendez,música de Axel Eandi.
Sábado 19 de septiembre - 17:00hs

Kamishibai es una palabra japonesa que está fomada por la palabra kami, que significa papel y la palabra shibai que significa teatro. Entonces kamishibai es "teatro de papel". Hace ya bastante tiempo, cuando aún el cine era mudo y no existía la televisión, algunos artistas habían desarrollado en Japón una forma de teatro portátil que se llevaba de un lado para otro. Viajaban en una bicicleta y llevaban una pequeña caja de madera con puertitas que se abrían al comenzar la función. Adentro tenía láminas que ilustraban el cuento que iba a relatar. Para convocar a los niños usaban unas claves de madera que colgaban de su cuello con una cuerda. Aún existen y se llaman hyoushigi. El artista las golpeaba rítmicamente a la vez que decía “¡Vamos que comienza el kamishibaaaai!” (por supuesto, en japonés). Los niños se iban acercando al lugar y como no había forma de cobrar la entrada porque era al aire libre, se pagaba la misma adquiriendo una golosina, que por lo general era tan sorprendente que no daba ganas de comerla. Galletitas con forma de animales, dulces hilos pegajosos en medio de dos palitos y cosas rarísimas eran estas golosinas.

Entonces, comenzaba la función. El artista relataba un cuento mientras iba pasando las láminas. Cuando terminaba la función se iba a otro barrio, a otro pueblo o a otra plaza. Y al tiempo volvía con una nueva historia. Pero...¿de dónde sacaba tantas historias? Bueno, en esa época se alquilaban las láminas y había muchos títulos. Así el artista iba cambiando sus historias.

Se dice que esta forma de relato con láminas tuvo su orígen en los rollos con imágenes que usaban los monjes para transmitir sus enseñanzas. Pero es probable que con el tiempo, algunos actores hubieran adoptado este método para contar las historias que a ellos les interesaba y así probablemente se fue desarrolando el kamishibai. Las historias eran cuentos populares dibujados por ilustradores de la época que muy posiblemente hayan sido los que después se convirtieron en dibujantes de manga, la historieta japonesa. Actualmente el kamishibai en Japón, ya no se ve tanto en las plazas, pero se sigue usando en las escuelas y en las casas, con una finalidad educativa, similar a la que tuvo en su orígen. En Argentina, el Club Argentino de Kamishibai hace funciones periódicamente y con una visión más contemporánea ha retomado esta tradición del relato con imágenes.
http://clubkamishibai.blogspot.com/

Entrada libre y gratuita. Cupos limitados.
Aquellos interesados en participar deben hacer sus reservas telefonicamente: 4.773.0292 o bien escribiendo a info@objeto-a.com.ar

La imagen corresponde a la obra Haiku de Martín Corujo

 Para mayor información sobre las actividades consultar aquí.

Por un prolongado período la técnica de modelación física ha sido una herramienta indiscutible dentro del ámbito de la ingeniería hidráulica. Los proyectos vinculados con procesos marítimos y costeros, la ingeniería fluvial, las obras hidroeléctricas en particular y las obras hidráulicas en general debían ser verificados y optimizados mediante un modelo físico. A pesar de lo expuesto, no pocos profesionales lo han considerado como un tema "de laboratorio" y su influencia no demasiado relevante para la finalidad del proyecto. Largos años de demostración de su aptitud para prevenir riesgos y disminuir costos de obra lo fueron haciendo cada vez más respetado como técnica auxiliar del proyectista y, en casos importantes, del constructor de obra.
Sin embargo, el auge de la modelación matemática, fundada en aparentes menores costos y mayor agilidad de alternativas para probar en tiempos limitados, ha puesto en tela de juicio la evolución futura de la técnica de modelación física, y de modo paralelo el destino de los laboratorios de hidráulica, con sus importantes inversiones y equipos humanos y materiales.
A partir de un enfoque realista, se plantea la posibilidad de dedicar aún esfuerzos en la hidráulica experimental, pues la cantidad y variedad de fenómenos y problemas a estudiar por esa vía resultan todavía muy numerosos y muy importantes para la ingeniería, tanto dentro de los campos habituales de las obras hidráulicas como en el campo de las ciencias del ambiente.

Leonardo Da Vinci, ese notable ingeniero hidráulico que alcanzara la fama por otras vertientes de su creatividad exultante, supo decir simplemente: "si hablamos del agua, primero la experiencia y luego la razón", expresando de modo implícito la importancia de la investigación experimental para el conocimiento de los fluidos.

La experimentación hidráulica presenta una rica y prolongada historia de nombres ilustres. Ella ha evolucionado paulatinamente desde los tiempos más remotos a través de perplejidades y tropiezos, errores y aciertos, disputas y plagios, propuestas y constataciones de teorías efímeras, transitorias o perdurables.

Cuando al final del siglo pasado, Fargue, Reynolds y Froude dieron los pasos fundamentales en la técnica de similitud para la ingeniería hidráulica, la modelación física presentaba las características de investigación científica, extendiendo hacia campos inexplorados el conocimiento. En la actualidad, salvo excepciones, la modelación física se ha transformado en un servicio profesional, claro está que altamente especializado y con costosos requerimientos de infraestructura e instrumentación. Las necesidades de la ingeniería la asumen como un arma de verificación y optimización de proyectos, prácticamente ineludible para las estructuras hidráulicas no convencionales (Lopardo, 1989).

(...)
El caso de numerosos modelos físicos y matemáticos entremezclados que permitieron verificar y optimizar la estrategia del cierre del río Paraná en la presa de Yacyretá (De Lío, Menéndez y Loschacoff, 1989), que conformaron tal vez uno de los más notables logros de la ingeniería hidráulica nacional, pueden ponerse como uno de los claros ejemplos de esa interacción inexorable, que sólo puede darse dentro de un ámbito especial, el del laboratorio.

De acuerdo a lo que es posible de prever, la modelación física va a seguir evolucionando, pero difícilmente sea totalmente desplazada dentro de plazos razonables de las verificaciones técnicas de las estructuras hidráulicas fluviales o marítimas. Por otra parte, el desarrollo de la tecnología hidráulica en un país ha estado sistemáticamente ligado al éxito o fracaso de los laboratorios especializados, donde no sólo se efectúan experiencias e investigaciones sino se forma el personal capacitado que posteriormente participa en las decisiones y proyectos.

La desaparición de la modelación física sería una pérdida casi irreparable para la investigación experimental, que ha sido históricamente la que efectivamente ha ampliado las fronteras del conocimiento en el campo de la hidráulica, así como para la formación de ingenieros hidráulicos con sólidos conceptos físicos sustentados en la observación real de fenómenos complejos de la mecánica de fluidos y del comportamiento de las obras.

Raúl Antonio Lopardo

Ingeniero Hidráulico y Civil de la Universidad Nacional de La Plata
Doctor (Mención Ciencias Físicas) de la Unicersidad de Toulouse, Francia

Presidente del Instituto Nacional del Agua  (INA)
Profesor Titular de la Universidad Nacional de La Plata
Ex Presidente del Comité Regional de la International Association of Hydraulic Engineering and Research

Miembro de Número de la Academia Nacional de Ingeniería
Miembro de Número de la Academia Nacional de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales
Miembro Titular de la Academia de la Ingeniería de la Provincia de Buernos Aires

“Hielos Míticos” es un documental que incursiona en al menos una triple exploración. En su transcurso avanza entre navegaciones por heladas aguas antárticas a bordo del Almirante Irizar, el único rompehielos con asiento en el hemisferio sur, y relatos de entrevistas a exploradores pioneros antárticos, historiadores, políticos y funcionarios trazando una larga historia de presencia Argentina por aquellos territorios del sur.

En una dirección, la exploración indaga en el tiempo y retrocede hasta 1903, cuando se instalan las primeras Bases, las Orcadas, tras las primeras expediciones por la actual porción Argentina de la Antártida. A partir de los años 40’, en momentos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, cuando otros países como Alemania o Gran fBretaña comienzan a desarrollar un activo avance sobre estas regiones, el Coronel Hernán Pujato plantea al entonces presidente J.D. Perón la necesidad de potenciar allí la representación Argentina. Su proyecto concebía nuevos viajes expeditivos por terrenos antárticos continentales nunca explorados, y asentamiento de nuevas bases para vivienda de futuros pobladores argentinos y atención a diversas funciones para la investigación científica y tecnológica.

Es allí donde se da ingreso a otra exploración, a la de las subjetividades de quienes, junto al Coronel Pujato, o mejor aún del “loco Pujato” como muchos lo conocían, conformaron el grupo de Expedición Polar Argentina, y en una aventura casi inverosímil se lanzaron al intento de comenzar a cumplir aquel proyecto. No pocos descreyeron por entonces de la posibilidad de llevar a cabo un programa casi delirante, como el de adentrarse en complicados mares del sur a bordo de una nave que apenas cumplía con los requisitos mínimos para emprender semejante tarea. Aún así, el emprendimiento partió en el único medio de navegación que el grupo pudo conseguir, el Buque Santa Micaela al mando del Capitán Farrel, cedido por la Naviera Perez Companc. La aventura no fue nada fácil, sin embargo tras atravesar una serie de obstáculos, el primer gran logro se vio concretado. El 21 de marzo de 1951 se inaugura la Base San Martín, y el 17 de Abril, el poder Ejecutivo de la Nación crea el Instituto Antártico Argentino Coronel Pujato

De allí en más, el programa ideado por H. Pujato comenzará a desarrollarse, aunque no sin encontrarse cada tanto con una serie de complicaciones de distinto índole, por sobre todo, de carácter político partidarista. 

“Hielos Míticos” sigue adentrándose en toda esa compleja historia que evoluciona hasta hoy, hasta una actualidad que presenta aún una problemática no resuelta en lo que hace al reconocimiento de la soberanía Nacional Argentina en territorios antárticos. Sitio en el que ningún otro país del mundo tuvo como el nuestro una marcada y sostenible presencia dirigida principalmente al apoyo de una investigación científica tecnológica de modelo cooperativo internacional, con importantes objetivos altamente logrados.

Un Ciclo de Cooperación Antártica, concluido en 1991 con el Protocolo de Madrid, consolidó a la Antártida como reserva natural dedicada a la paz y la ciencia. El territorio se convirtió en un continente ejemplar, un laboratorio internacional para la política mundial.

Las dificultades e imprevisibilidades se avistan en un futuro quizás no muy lejano. La avidez de muchas naciones seguramente no cederá ante la perspectiva de tener alguna participación en un sitio que alberga un recurso preciado, un tesoro: la reserva del 70 al 80 % del agua dulce del planeta se encuentra allí. Y esto aún más teniendo en cuenta que se prevé para los próximos 20 años una disminución de aproximadamente 1/3 de la disponibilidad de agua dulce mundial.

Pero volviendo a principios de este comentario, no quiero olvidarme de esa tercera dirección exploradora en la que les advertía, navega el documental Hielos Míticos. Una que muestra en una serie de secuencias fílmicas, increíbles fotografías de un escenario de vastas aguas, cielos y enormes “esculturas” heladas que resultan por momentos casi irreales.  Ciertos registros de diferentes sensibilidades se entrecruzan por momentos,  entre realidades y ficcionalidades, como en ese que sucede cuando en una escena la filmación nos lleva navegando por aguas Antárticas en el Irizar, y uno de los tripulantes comenta que  el “himno” que despierta el ánimo de la tripulación cuando la nave se enfrenta a algún posible impedimento de navegación es la canción “Agua” de Los piojos.  Mientras, se oye la voz de Ciro cantando “Agua como te deseo, agua te miro y te quiero….” Y es que después de ver “Hielos Míticos”,  ciertos efectos logrados por este interesante viaje audiovisual por los mares del sur, provocan una sensación muy similar a esa que aquella canción canta diciendo: “La tierra es tierra de color azul….” 

FICHA TECNICA

Hielos miticos (2008), Largometraje documental, 35 mm y digital HDGuión y Dirección: Daniel Bazan
Productor: Javier Diaz
Productor Asociado: Paulina Zoboli
Dirección de Fotografía: Miguel Rivarola
Dirección de Sonido:  Horacio Almada
Cámara: Ricardo “Pampa” Fernandez
Asistente de Producción: Ella Pulichino
Montaje: Emiliano Serra 
 Asistente de Montaje: Marcelo Rodriguez
Foto Fija: Miguel Rivarola
Administración: Leonardo Hussen
Equipamiento 35mm: AJAF Cinema
Tema musical: "Agua" interpretado por Los Piojos
Prensa: Marilina Quiroga
Diseño gráfica y pagina web: BCNIS
 

Auspicios:
Dirección Nacional del Antártico. Auspicio nota resolución N° 10 (SF-500) del Ministerio de Relaciones Exteriores.
FADU-Universidad de Buenos Aires. Auspicio resolución (CD) N° 242
Declarado de interés por el Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales (INCAA) resolución 667/07.
 *Para ver el tráiler y más información sobre el documental Hielos Míticos, pueden dirigirse al Website de la película http://www.hielosmiticos.com.ar/

El director del Museo del Agua, Jorge Tartarini,presentará la charla "El patrimonio del Agua en Buenos Aires".
La historia del agua potable en la ciudad de Buenos Aires ha dejado huellas indelebles, testimonios que hablan de la importancia que jugó este vital elemento desde el origen mismo de la urbe. Se trata de un conjunto de testimonios poco conocidos y generalmente oculto a la vista del observador desprevenido, que comprende edificios, establecimientos, maquinarias y demás instalaciones encargadas de la obtención, purificación, almacenamiento y distribución del agua. El arte y la técnica de distintas épocas, a menudo se dan cita en creaciones de gran envergadura y que hoy forman parte del patrimonio cultural de los argentinos. La charla se orienta, precisamente, a llamar la atención sobre la importancia de un legado que es necesario conocer, valorar y preservar

16:00hs :: Documental Hielos Míticos
"Desde la antigüedad el hombre ha intentado descubrir y desentrañar los misterios de un continente tan especial como la Antártida.
Argentina no ha estado exenta de ese interés y es así que comienza a tener una presencia permanente desde principios del siglo pasado, dando inicio a toda una generación de exploradores antárticos. Entre ellos quizás el menos conocido, pero no por eso importante, ha sido Hernán Pujato. “Hielos míticos” recopila la lucha de Pujato y sus hombres por la conquista del continente blanco.
Pero también el film narra, a lo largo de una travesía sin igual, la belleza de este territorio cuya importancia ya nadie desconoce por ser el poseedor de la mayor reserva natural más importante para la vida: el agua."
Se puede consultar más información en los siguientes links:
http://www.hielosmiticos.com.ar/
Y las críticas publicadas en algunos medios periodísticos aquí:
http://teykirisy.blogspot.com/2009/03/criticas-de-hielos-miticos-criticas.html

17:15hs :: La experimentación en las ciencias del agua. A cargo del Dr Raul Lopardo. Actividad presentada por el INA
El Dr. Lopardo, presidente del Instituto Nacional del Agua(INA)introduce la presente charla de la siguiente manera:
La necesidad de la experimentación en la hidráulica está marcada a lo largo de su más que prolongada historia, donde casi siempre fueron necesarias las teorías para justificar los resultados experimentales y muy pocas veces esas experiencias sirvieron para corroborar teorías elaboradas con anterioridad. Desde Leonardo Da Vinci, que reemplazara brillantemente las fotografías de torbelinos y resaltos, imposibles para su época, con dibujos de excepcional precisión, la experiencia fundamental en hidráulica se desarrolla en un ámbito particular, el laboratorio de hidráulica.
Los institutos de investigación y desarrollo de las ciencias del agua tienen así un papel protagónico en esos aspectos, ya que la actividad experimental requiere de medios humanos y materiales especialmente aplicados a requerimientos con dificultades tecnológicas y económicas. En ese contexto, la Argentina cuenta con el Instituto Nacional del Agua, organismo descentralizado de la Subsecretaría de Recursos Hídricos de la Nación, cuyo objetivo es satisfacer los requerimientos de estudio, investigación, desarrollo y prestación de servicios especializados en el campo del aprovechamiento, control y preservación del agua y del ambiente. En particular, brinda asesoramiento y presta servicios sobre temas de su especialidad a los sectores público y privado, promueve la capacitación y la difusión del conocimiento en su área temática. Una rápida revisión a sus proyectos actualmente en curso de ejecución, a sus mayores logros en el campo científico y tecnológico y a los aspectos más destacados de sus tareas, con reconocimiento nacional e internacional, permiten también apreciar esa tradición hídrica. El INA posee en su sede central de Ezeiza, un laboratorio de hidráulica de magnitud internacional, en el que se han verificado y optimizaado los proyectos de las obras hídricas más relevantes de la Argentina y varias de otros países.

 Les recordamos que las actividades son gratuitas y los cupos limitados, aquellos interesados deben reservar lugar con anticipación.

Pueden ir viendo un adelanto de la muestra en el siguiente link: próximo eje

Por otra parte les avisamos que se añadió una nueva fecha a la agenda de extensión cultural, aquellos interesados recuerden reservar sus lugares ya que las actividades son gratuitas y los cupos limitados.

Los esperamos!

Arte x 2 recibió excelentes críticas entre ellas destacamos el artículo escrito por Lila Nemorovsky para el Diario Crítica y los comentarios realizados por Julio Suaya en su bloque en Abrí los Ojos. Tal es así que la muestra se extendió hasta fines del mes. Aquellos que no pudieron pasar a recorrerla y quedaron interesados por la obra de sus artistas participantes pueden comunicarse con nosotros para coordinar una visita a trastienda escribiéndonos a info@objeto-a.com.ar

Para conocer más sobre este nuevo ciclo puede leer el siguiente post, para adentrarse en algunas de las propuestas presentadas simplemente hagan click en el nombre del artista de su interés: Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Horacio Pages, Marina Rubino.

Este mes que comienza esta pensado especialmente para aquellas empresas que quieren acercarse de una forma especial al arte, es por eso que estaremos desarrollando diversas actividades, para consultar sobre el programa de Empresas & Arte de Objeto a pueden escribirle a lujan.oulton@objeto-a.com.ar

Les pedimos a aquellos interesados en visitar la trastienda de Objeto a, en presentar portfolios o propuestas durante el mes de agosto que nos escriban a info@objeto-a.com.ar para coordinar un encuentro.

A continuación les dejamos algunas imágenes del primer evento de Ciclo A.

En el día de cierre de Arte x 2 compartimos con ustedes unas palabras sobre la obra de Horacio Pages Frascara.

Recuerden que la muestra cierra hoy sábado 25 de julio a las 19hs.

Obra: Instalación “Paisajes desplegados”
Artista: Horacio Pagés Frascara
“…una mirada que sintoniza la relación entre el hombre, la naturaleza que lo rodea, el cielo y la tierra” así define  Pagés Frascara su obra.
Cielos azules, por momentos grisáceos, donde nubes, formas y paisajes se fusionan en una conjunción de serenos movimientos y traslúcidos colores que nos remiten a otros tiempos sin tiempo, que hablan lenguajes olvidados, rescatados en el videoarte “Proyecto cielo” que se integra con natural continuidad a los “paisajes andinos”,  que se “despliegan” desde los cartones, metales, arenas,  mica, que le prestan su materialidad para  que tomen cuerpo aquí,  frente a nuestra mirada, agrupándose en un conjunto de pequeñas maquetas que cuentan de aquellos majestuosos paisajes andinos.
Paisajes que fueron la inhabitual galería de arte que desde el 2004 al 2008 albergara a estos “Paisajes desplegados” en el marco de la  muestra “Espacio y tiempo en los Andes”.  
Dice Pagés Frascara, "son un redescubrimiento de la mirada andina, una mirada que no está perdida y que es totalmente recuperable. El hombre antiguo les asignaba a ciertos sitios un carácter simbólico y religioso específico. Nuestros paisajes no sólo poseen una belleza natural, sino también un contenido especial".
Cuenta el artista que en sus recorridos por los paisajes andinos encontró “geoformas muy atractivas que fueron creadas por la naturaleza y a las cuales las civilizaciones pasadas le otorgaron significados relacionados con su modo de vida”.
Cielo y tierra, hombre y naturaleza, pasado, tradiciones, mito y simbolismos, nuestras raíces  desde una mirada actual que breva  en sus fuentes, rescatándolas  en un lenguaje de  formas, colores, sensaciones… un viaje entre lo mágico y lo mítico a través del tiempo y la distancia.

Obra: Instalación “Nueve y medio”
Artista: Susana Barbará

“Sáquese los anillos al poner y sacarse las medias, haciendo lo propio cuando las lava”…

En un atril bañado en raso negro resalta una caja blanca, y una media Paris, de aquellas con costura,  sinónimo de feminidad y seducción de los año 40, 50, descansa indolente, perfecta, sobre el fondo de raso marfil, a un lado una banqueta se une a esta figura a través de los pliegues del raso negro, sobre ella una placa de vidrio encuadrada guarda celosamente las indicaciones para su uso, lavado y cuidado. A su lado desde la pantalla de un plasma una pierna femenina, en un difícil escorzo es recorrida por un lápiz que delinea la falsa costura, mientras una música, sonido chirriante, breve, acompaña el movimiento de la mano “sin anillos” que “coloca-dibuja” la media. Por detrás, sobre el fondo blanco de la pared, a medida que llega la noche va cobrando forma  una figura, la instalación se completa, el ciclo se cierra con la sombra de una media colgando, para reiniciarse cada mañana.

Cuando una media es solo una media, cuando es media…parte de algo, cuando es la otra mitad, o metáfora de aquello que falta para ser completo, cuando en su pasaje de una pierna a un espacio de arte la mirada del otro la transforma, objeto atemporal que remite a tantas lecturas como miradas recibe. Desde  el talle 9 ½ que registra en la parte superior la susodicha media, a  “las tres sillas” de  Joseph Kosuth, pasando por “9 semanas y media”  de Adrian Lyne, a “Ocho y medio”  de Federico Fellini,  Susana Barbará nos invita a imaginar, a jugar con los números, las palabras, la realidad y la fantasía,  así ese “objeto media, objeto cotidiano” es ahora un “objeto artístico” que espera a ser leído.

Durante la segunda guerra mundial y postguerra  escasearon muchos productos de primera necesidad así como otros considerados superfluos o de lujo, generándose un contrabando de muchos de ellos. Entre estos las medias de seda y entre ellas su vedette, las medias con costura, muchas  mujeres recurrieron entonces a una ingeniosa estrategia, dibujarse la costura sobre las piernas, era una manera de sentirse femeninas, seductoras, de recuperar de algún modo una forma de vida, de enfrentar la realidad  a través de la fantasía, de jugar a ser lo que fui lo que puedo ser, aquello que no quiero perder y que iba más allá de un par de medias, de un camino recorrido por la línea de una costura.     

Objeto a.

Una selección de piezas de la serie Roomba Funky, de Marta Ares,se suman a la propuesta de Arte x 2 que sigue abierta al público hasta el próximo viernes 24 de julio inclusive y puede ser visitada entre las 14 y las 19hs. A continuación unas palabras escritas por Graciela Taquini con motivo de la muestra que dio lugar a las obras que hoy están en exhibición.

"Desde hace varios años, y mucho antes que otros creadores, Marta Ares ha estudiado y expandido las posibilidades del video como medio de expresión. Es una artista precursora en pensar y producir una estética digital no solamente con un diseño por computadora sino también en la dimensión material donde lo manual tiene una impronta decisiva.

(...) roomBA funky nos propone el goce y la euforia de una catarata de formas que danzan en la superficie de la pintura, del acrílico o de las pantallas modulares produciendo una energía poderosa, una inyección sonora, visual y táctil de felicidad sensible que va más allá de cualquier concepto, que trasciende las bases racionalistas de nuestro bagaje cultural, muchas veces basado sólo en el pensamiento. Así, lo orgánico y lo musical se funden en armonía ( y melodía).

Si nuestros ancestros, los hombres de la prehistoria, recogían piedras con formas bellas ( y perfectas) que colocaban en (sus) las tumbas al lado de sus muertos -cuyos huesos pintaban de rojo-, es porque no sólo la trascendencia, sino la búsqueda de la buena forma, (forma formoso, hermoso) son inherentes a lo humano. Algo que el siglo XX (se ) desarrollara de modo científico a través de la teoría de la Gestalt que analiza la capacidad humana de configurar la percepción.

En las obras de Marta Ares, la sensualidad y el goce se apoderan de distintos soportes para brincar al son de música real. Todo baila, todo es móvil aunque esté quieto, todo resuena aunque sea mudo tal como lo concebía Paul Klee para quien música y pintura eran indivisibles.

Formas abstractas y de carácter casi biológico, a la vez reales y virtuales remiten a Matisse, se sostienen en el espíritu de Mariscal por nombrar alguno de sus artistas admirados. Estas formas, tal vez evocando cuentas, pastillas, amebas, pompones, caramelos, células, lunares, pueblan la composición, elevando la materia al movimiento en todos los soportes, impidiendo todo congelamiento ya que caen, giran, danzan, se deslizan en una explosión de multicapas de colores fríos y cálidos. (...)"

Graciela Taquini, agosto 2008.

Los esperamos!

Las algas en las ciencias biológicas estan clasificadas por su color: las verde-azules, las pardas y las rojas.
Y lo que me es más interesante es que se reproducen con terquedad.

Un elenco de algas componen mi obra: sintesis y familias se presentan:  por color, por forma, por acción, por densidad del agua a la cual pertenen.
Hay combinaciones por capacidad de posibles movimientos: algas que expulsan, que repelen, que rotan, que caen, que engordan.
Y presentan repertorios de una posible mitología de algas segun la muestra de agua: en la muestra de agua del Pilcomayo hay algas  que forman colonias laxas, que son bioluminiscentes y se combinan con otras algas fijas que tienen pigmentos refráctiles. así sucede con las muestras de agua de La Tigra, del Atlantico, muestra de agua del Toro, del Titicaca, del Rano Raracu, del Cuarto, del Riachuelo, del Correntoso, del Argentino.

Son algas  en el agua en forma de planta o vista.
Las gorditas, las estilizadas y las multifilamento. Su escenario es a veces mugroso y otras límpido e inodoro. Están en el agua o lugares sumergidos.
Tienen borde neto. Son de color blanco.

En tres dimensiones, las algas están llenas de conservantes que las convierten en preciosas criaturas multicolores e inmortales.

El poder simbólico del agua.

Al agua se le endilgan unos cuantos atributos: la liquidez, la frescura, la pureza, la capacidad de disolución y aglutinación, la maternidad y el ritmo vital.

El agua es flexible, asume toda clase de formas. Tambien es un elemento que entra en la composiciónde los cuerpos.
La naturaleza del agua es la flexibilidad; sin embargo, no hay firmeza que no pueda penetrar ni fuerza que no pueda superar.
Tambien el agua es el objeto de una de las mayores valorizaciones del pensamiento humano: la valorización de la pureza. Nos sumergimos en elagua para renacer renovados.

La pureza es una de las categorías fundamentales de la valorización en el agua.
En muchas culturas son fundamentales los ritos de purificación a través del agua. Es por eso natural que, por poderosos que sean los ritos de purificación, que se dirijan a una materia que pueda simbolizarlos.

El agua clara es constante tentación para el fácil simbolismo de la pureza.
Simpatizamos con el drama de la pureza y la impureza del agua. ¿quien no experimenta por ejemplo, una especial repugnancia, irracional, inconsciente, directa, por la orilla sucia?¿por el río ensuciado por la basura y las fábricas?

Este ha sido el motor de la realización de fotografías que se presentan en ésta muestra.

Marina Rubino

El cabezal es un detalle de la fotografía "arsénico" de Marina Rubino, perteneciente a la muestra actual

Julieta Anaut es otra de las artistas que integran la muestra Arte x 2.

A Julieta la conocimos el año pasado cuando participó de la muestra Estados del Agua exhibiendo "Ofelia en el cristalino arroyo" una pieza de videoarte sobre la que hablaremos en un próximo post. En esta ocasión la artista nos acompaña con dos obras de videoarte, nuevamente Ofelia... e "Hilar destino" y con la serie "Ofrendas" de fotografías intervenidas y con "Retratos pasados, geometrías y partos" un conjunto ilustraciones y collages. Sobre esta última propuesta hablaremos en el presente post.

"Retratos pasados, geometrías y partos" es el título de una serie de collages, fotografías e ilustraciones que acompañan al trabajo inédito, próximo a publicar, por la escritora Emilce Schedel y por la misma Julieta Anaut. En palabras de sus creadoras "se trata de una experiencia muy especial, que abordó primero el trabajo de los textos poéticos los que luego, llegaran al encuentro de la musa del pincel para verse retratados en formas, colores, matices e imágenes diversas. El proyecto gráfico radica en la libertad absoluta de interpretación de la obra, de manera que la intervención ha sido fiel retrato de lo que inspiraron las letras. De la misma manera, las autoras intentan llevar esta idea a los lectores-observadores, para que en un juego sin fin, puedan encontrar las coincidencias o diferencias que hay entre cada soporte y construir el propio sentido en cada retrato."

A continuación transcribimos algunos de los poemas que Julieta ilustra. En próximos posts seguiremos comentando las otras propuestas de la artista. 
 
Relación telar

Telas,
un manojo de tijeras entremezclado en una paleta de colores,
recortada la plancha de plástico cual jardín de infantes
para hacerlo más divertido y entonces,
 
el baile comienza,
los filos se acuestan con los hilos que perezosos,
se despiertan,
 
y ahí espía mientras,
el bastidor ansioso,
que con un guiño del celeste pastel,
le comunica espera, calma

y el taller está de fiesta,
la jornada no tiene horas sino mundos
y las obras son las manos en sí mismas.

Ahí
Sabé que estoy siempre ahí,
donde tus pensamientos
no pueden verme;
pero tu corazón
sabe que puede alcanzarme

Transformación
Un ángulo cambia,
vertiginoso,
sobre la fotografía
a tomar.

Decide que es vergonzoso,
anuncia,
mediante un violento contraluz.

El cóndor que sabe,
está remontando
la cordillera,
se ve apenas como
un colibrí blanco y negro.

Se (y para siempre)
Contó dos pasos, contó tres pasos, contó cuatro y cinco pasos más.  Al mirar desde el quinto, se volvió al cuarto y temerosa, retrocedió al tercero. Se quedó apenas unos instantes, decidió que era demasiado. Se quedó en el tres. Se (y para siempre).

Todo, pero basta
 
Basta de panzas empinadas,
basta de nueve invertido,
basta de cinta ondulante,
basta de paraguas sin techos,
basta de otro nueve invertido.
 
Todo, pero basta.

Una de las estrategias que forman parte del comportamiento del arte contemporáneo es la de retomar el concepto de archivo o colección. Es posible y no ciertamente casualidad que en este paradigma se jueguen tangencialmente ideas que tiene que ver con la memoria, la contabilización, la catalogación, la imperiosa necesidad de reservar y resguardar y no dejar que nuestra existencia se diluya en el vacío.
ECONOMIA DE PENSAMIENTO, la obra que presenta Susana Barbará en un principio se inscribe sobre esta intención archivística al seleccionar, clasificar y numerar 500 frases comunes que sirven de comodín en situaciones determinadas donde no existe la posibilidad de elaborar una respuesta subjetiva.

Esta recolección del lenguaje podría verse además desde un tamiz antropológico, como lo es en definitiva la puesta en juego de toda idea de archivo. La artista articula una suerte de museo de la palabra. Cataloga según las situaciones, los temas, los géneros, etc un banco de frases prefabricadas y con ello ya estaría completa la estructura de archivo.

Ahora bien el análisis de la obra estaría incompleto si a eso no se sumase el soporte que contiene este trabajo: un libro copiador contable.
Susana Barbará toma este objeto, lo desfuncionaliza, pero no le readjudica una función diferente, lo vuelve a funcionalizar a partir del su propio uso, solamente cambia el contenido, de esta manera la artista establece una bisagra para dos nuevas capas de sentido.

En primera instancia una capa de sentido mucho mas metafórica que hace referencia a la contabilización y catalogación permanente y obsesiva a la cual sometemos todos los hechos y situaciones de nuestra vida; así como también denota una suerte de banalización del lenguaje, la creación de fórmulas prefabricadas que llevaría casi a un vaciamiento de sentido. Frases que en un punto no significan mas que columnas de un libro contable.

Una segunda capa de sentido que se adscribe sobre el soporte es la autorreferencialidad, estrategia que es casi una impronta personal en la obra de Barbará.

La artista es Contadora Publica Nacional egresada de la UBA, carrera que curso y finalizó paralelamente a sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Su presencia está implícita en la obra a través de una suerte de autoría compartida .

Con esta propuesta objetualista Susana Barbará desplaza al libro contable, al objeto, de su ámbito cotidiano y de su red especifico-funcional sin desprenderse totalmente de su esencia, ese resto que queda de su significado y su función lo integra a una nueva trama de relaciones, sensibilidades y significados .

 Maria Gnecco

La obra se hace presente en esta ocasión en la planta alta de Objeto a, con una propuesta que invita a los visitantes a participar para generar un segundo libro copiador. Aquellos interesados pueden acercarse hasta el sábado 18 inclusive, entre las 14 y las 19hs, dentro del marco de la muestra Arte x 2, donde Susana Barbará también esta presentando " 9 y 1/2 ", obra que también comentaremos en breve en el blog.

Durante el mes de julio en Objeto a inauguramos una nueva propuesta: Ciclo A, dando comienzo  a la misma con la muestra Arte x 2.

Continuando con nuestra característica de generar propuestas interdisciplinarias, de impulsar el arte nacional y fomentar las nuevas expresiones artísticas surgió Ciclo A, cuya finalidad es la difusión de la obra de los artistas estables de Objeto a, brindando al público la posibilidad de acercarse de una manera dinámica y continua tanto a las últimas producciones, experimentaciones y búsquedas de estos artistas como a obras anteriores que ya forman parte de la trastienda del espacio.

Este ciclo surge casi como una consecuencia de nuestro andar. Nuestro proyecto original se va enriqueciendo a medida que profundizamos. Más allá de la obra del artista, está la persona y está su proceso de desarrollo de la idea creativa. Nos vamos conociendo, artistas, visitantes, curadores y aquello que conformamos Objeto a, y vamos entendiendo que el trabajo en conjunto es un aporte de valores cuyo resultado es una propuesta integradora , una experiencia  de mayor valor tanto en contenido como vivencial para todos los que conformamos este circulo.
Más allá de la contemplación, el puente que se crea con el asistente permite un acercamiento concreto al arte contemporáneo de finales de la primer década del siglo XXI: nuevas propuestas, nuevos públicos.

Ciclo A es una propuesta que se repetirá a lo largo del tiempo entre las diferentes muestras programadas para cada año, para dar la oportunidad a los artistas estables del Espacio de mostrar nuevos proyectos junto con los trabajos que ya exhiben en trastienda, generando exhibiciones, talleres, encuentros, performances entre otras actividades.

Ciclo A adopta su nombre al igual que el nombre del Espacio en un juego alusivo a un concepto del psicoanálisis lacaniano, en este caso “objeto A”, A mayúscula, que alude al “Gran Otro de la cultura”, que con su mirada nos constituye.
Decidimos también llamarlo Ciclo A en un juego con las “a” mayúscula de su nombre y la minúscula de Objeto a, con la a de arte, de arché, de armonía,  de alegoría, porque como dice Schiller “el juego es arte”, y en este juego observador, artista y obra confluyen.

Para quienes nos acompañan desde nuestros primeros pasos y para aquellos que ahora se suman  recordamos  porque el nombre Objeto a. Este surge desde la concepción lacaniana de “Objeto a” en tanto “objeto de deseo”. Remite a nuestra “carencia en ser”, a esa búsqueda siempre fallida de aquello que nos complete, búsqueda constante de “un algo” que nunca se encuentra, que siempre está un poco más allá, búsqueda que nunca se satisface, por eso nos motiva, nos impulsa…es lugar de encuentros y desencuentros, de semejanzas y diferencias,  siendo el arte lugar por excelencia donde esto ocurre.
Es en el arte entonces, más allá de las épocas y corrientes ideológicas que lo acompañan y lo atraviesan donde nos encontramos en nuestra “carencia”, donde intentamos “completarla”, lugar que nos permite la ilusión de ser.

Esperamos que hayan encontrado interesante este laberinto de nombres y propuestas y que se sigan jugando junto a nosotros y los artistas que nos acompañan, y en este ida y vuelta de propuestas y miradas se den nuevas búsquedas y encuentros ya que  todo juego significa algo, al decir de Huizinga, “es una función llena de sentido”.

En esta ocasión Ciclo A presenta una mini-muestra de seis días de duración que bajo el nombre de Arte x 2 aúna a seis artistas que coinciden en el desarrollo de obras de videoarte y que a su vez experimentan con otras formas de expresión artística, fotografía intervenida, libros de artista, objetos artísticos, etc. De esta forma entre el 13 y el 18 de julio se estarán exhibiendo obras inéditas, obras premiadas, y obras que tienen en su haber un rico recorrido.
Participan de Arte x 2 Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, Horacio Pages y Marina Rubino. La muestra puede ser visitada entre el lunes 13 y el sábado 18 de julio, entre las 14 y las 19hs.

Teniendo en cuenta las prevenciones sugeridas por el cuidado de la pandemia de la gripe A, en esta ocasión no se realizará vernissage ni actividades culturales de concurrencia masivas para acompañar la muestra, como es costumbre del Espacio.

Entre el lunes 13 y el sábado 18 de julio Objeto a dará inicio a una nueva propuesta:  “Ciclo A” donde los artistas de Objeto a exhibirán tanto nuevas producciones como obras que ya forman parte de la trastienda. Esta primera edición auna artistas que coinciden en la producción de obras de videoarte y también a la exploración de otras expresiones como la fotografía, la plástica, los objetos, entre otros… por eso en esta ocasión Ciclo A presentará Arte x 2, seis días, seis artistas trabajando en  dos disciplinas. La exhibición estará abierta entre las 14 y las 19hs.
Formarán parte de la misma Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, Horacio  Pages y Marina Rubino. Las propuestas juegan con distintas estéticas y búsquedas. De esto se trata Objeto a.

Dadas las medidas de prevención sugeridas para acompañar el estado de emergencia sanitaria decretado, durante el mes de julio no se realizarán actividades de extensión cultural en Objeto a.
Las semanas siguientes a la muestra se trabajará junto con distintas instituciones en encuentros culturales cerrados hasta la inauguración de Nivel 13, coordinada por Ingrid Dietrich, que tendrá lugar durante la primera semana de agosto, fecha a confirmar en breve.

El miércoles 10 de junio fue el primer Gallery Nights de Palermo del 2009 y dentro de este marco Objeto a inauguró la muestra Partitura de Agua, curada por Estela Pereda, en la que se exhibieron hasta el viernes 26 de junio las obras de la artista y el grupo que conforma su taller. La muestra contó con la participación especial de la Universidad Maimónides, a través del proyecto Biosfera de Joaquín Fargas.

Durante este mes subimos al blog lo que algunos de los artistas integrantes de Partitura de Agua, nos contaron acerca de su visión sobre la muestra y sus obras. Entre ellos Florencia Echesortu, Inés Gallinal, Josefina Ocampo, Ángeles Guiterrez Urquijo y Lucas Gingles.

También pueden ver imágenes de la vernissage de Partitura de Agua y dos videos: un recorrido durante la apertura y la primera parte de una entrevista realizada por Buenos Aires Lado B.

Las actividades de la agenda de extensión cultural que acompañó la muestra, tuvieron lugar el sábado 20 de junio con un programa de charla /mesa debate y una performance de la artista Josefina Ocampo.

Para este mes de julio que se inicia les vamos anunciando, que dentro del marco de rotación de la obra de trastienda del espacio, del lunes 13 al sábado 18 de julio, Objeto a estará presentando Arte x 2, seis días, seis artistas, dos expresiones: videoarte y artes plásticas. Pronto iremos subiendo más información sobre esta muestra.

En breve más información.

Ángeles Guiterrez Urquijo y Lucas Gingles son dos de los artistas integrantes de la muestra "Partitura de Agua" entre las obras con las que participan se encuentra un video titulado "El impresionista" que es una reinterpretación de una experiencia audiovisual realizada por Alejandro Bernis, Gerardo Caamaño Pagniez y Hucas Gingles en el 2007.
La obra primigenia titulada Water, o también conocida como Insomnia, utiliza el agua como soporte, y tintas como modificadores espaciales. El video fue adaptado a la banda sonora original, la cual pertenece a un género específico, que determino la edición visual de la obra. El concepto de la misma gira entorno a la perturbación del agua por factores externos, humanos si se quiere, y como ella a lo largo de las distintas alteraciones vuelve a un estado inmutable. Se utilizo tinta azul por tratarse de un color primario y hacia el final de la pieza, por postproducción, se altero el balance del azul para lograr un naranja, color complementario del anterior. En busca de ampliar las posibilidades visuales que son propias de la improvisada fluidez del agua, se colocó un espejo por debajo del área de trabajo para crear espacios indefinidos e infinitos.

Water (insomnia) fue la musa inspiradora de El Impresionista.
Ángeles Gutiérrez Urquijo y Lucas Gingles, autores de El Impresionista, narran una historia a través de la pintura en movimiento como si fuese contada a través de los ojos de un impresionista en pleno período del retrato de la luz por sobre el de la forma. La obra parte de la construcción clasicista: el surgimiento de la perspectiva, de los ejes de simetría, de las proporciones áureas, del color y la pintura. La paulatina incorporación de los distintos colores habla de una búsqueda por parte de los exponentes de la época y como fueron influenciados por la invención del rayograma y la fotografía. Se trata de como el artista hacia evidente su participación en la pintura a través de la sutileza de los trazos. A nivel sonoro, Claro de Luna de Claude Debussy, contribuye con la creación de este mundo, en el cual los tiempos no son lineales, sino que se ejecutan en sucesión de impresiones, tal como la música impresionista. Lucas Gingles.

La muestra puede ser visitada hasta mañana viernes 26 de junio inclusive, entre las 14 y las 19hs.

La imagen del cabezal pertenece a la obra Flores Blancas de la artista Ángeles Gutiérrez Urquijo.

La muestra curada por Estela Pereda y conformada por ella y su grupo de taller seguirá en exhibición hasta el viernes 26 de junio inclusive, pudiendo ser visitada entre las 14 y las 19hs.

Dentro del contexto de la misma Joaquín Fargas y la Universidad Maimónides presentan Proyecto Biósfera, del cual les dejamos un registro fotográfico y los invitamos a conocer más del mismo a través de su web::http://www.proyectobiosfera.blogspot.com/

Aquellos interesados en participar tienen que reservar sus lugares escribiendonos a info@objeto-a.com.ar

Este sábado 20 tendrá lugar la agenda de extensión cultural de Partitura de Agua. Las actividades son gratuitas y de cupo limitado, con lo que aquellos interesados en participar tienen que reservar sus lugares escribiendonos a info@objeto-a.com.ar
El programa es el siguiente:

17:00hs - El arte como provocación: Reflecting pool, video artístico de Bill Viola. Una mirada desde el psicoanálisis
El agua puede ser tambien un espejo donde reflejar el cuerpo.
Pero, qué hay más allá del reflejarse?, de la imagen de ese cuerpo que justo antes de sumergirse en el agua,aún se reflejaba?
Y, en relacion al tiempo , cómo pensar ese instante previo, de suspension, de desaparición de la imagen y el acto de un cuerpo en movimiento.
Es el acto mismo que resuelve aquello que la imagen deja en suspenso?
Bill Viola es un provocador,nos causa con sus imágenes en éste video ,la formulacion de varias preguntas, con un maniobrar del tiempo y del espacio que integran la estetica que da a ver.
Nos proponemos e invitamos a investigar algunas de éstas cuestiones.

La charla será presentada por la Lic Delia Molina, egresada de la UBA. Psicoanalista. Docente de la Catedra Psicoanalisis Freud 1, Facultad de Psicologia UBA. Miembro de la Fundacion Lacantonal.


18:00hs Mesa debate: arte, ciencia y psicoanálisis
Participarán de la misma: Estela Pereda (curadora de la muestra),Angeles Gutierrez Urquijo (artista integrante de la muestra), Joaquín Fargas (artista participante por parte de Maimónides) y la Lic. Delia Molina (por Lacantonal).

Delia Molina: egresada de la UBA. Psicoanalista. Docente de la Catedra Psicoanalisis Freud 1, Facultad de Psicologia UBA. Miembro de la Fundacion Lacantonal.
Estela Pereda:Artista plástica, investigó en el dibujo, la pintura, las instalaciones, los objetos, el video y el arte textil. Desde 1969 hasta la fecha realizó más de 30 exposiciones individuales en Galerías, Museos y Centros Culturales, en la Argentina y en Nueva York, Washington, Miami, México, Ecuador y Uruguay.
Angeles Gutierrez Urquijo: arquitecta (UBA)y docente en el área de proyectual se dedicó desde temprana edad al dibujo y la pintura integrando el taller de Estela Pereda desde 1993. Angeles ha realizado numerosas muestras en Argentina y Chile, donde residió durante unos años.
Joaquín Fargas: de profesión ingeniero y artista, integra el campo científico, artístico y el tecnológico en su producción. Desde la ciencia, divulga los conceptos y teorías de un modo lúdico, poético; desde el arte enseña a comprender las propiedades de la naturaleza y a tomar conciencia de su cuidado.

Al finalizar la mesa Josefina Ocampo,artista integrante de la muestra, realizará la performance "la lavandería"

Les recordamos que la muestra podrá ser visitada hasta el viernes 26 de junio inclusive, los días martes a sábado entre las 14 y las 19hs, la dirección es Niceto Vega 5181.

Los esperamos!

Palabras tiradas al papel

Quizás el remitirnos a los objetos cotidianos –tender, bateas, papel blanco- nos sugiera que el cambio es más posible cuando viene del entorno más cercano. Como si el retorno a las actividades cotidianas sencillas nos ayude a recuperar y “revalorar” la grandeza del Agua.

Por que el tender esta rodeado de olas?. Creo que es un intento de dar “jerarquía” al ese objeto cotidiano para unirlo con algo superior, trascendente, magnifico como el océano y los mares. Un intento de invadir el silencio de las telas colgadas lánguidamente en las sogas del tender, con la sinfonía del agua de las olas que lo rodean. Y buscamos no solo escuchar la sinfonía, también descifrar su Partitura.

Partitura de Agua. Ese es el titulo. No solo buscamos entonces escuchar, sino poder leer para entender mejor que es lo que el Agua nos quiere decir. La lectura de una Partitura, me suena a una enseñanza, algo así como si existiera un “código oculto” en el sonido agua –a través de sus olas, de su fluir por las corrientes- el agua quiere decirnos algo.

Me imagino que la Partitura viene de mucho tiempo atrás, que el sonido se repite, se reitera una y otra ves –es igual y es distinto, porque pasa en distintos tiempos. Y esa misma repetición esta presente en toda la obra. En el ir y venir de las olas, en el ir y venir de la lavandera refregando la ropa sobre la tabla de lavar, en el ir y venir de la ropa sobre el tender (uno cuelga y descuelga la ropa, la acción es la misma una y otra vez pero la ropa va cambiando de lugar, de color de tamaño).

En relación a mi obra en particular…

Mi obra la hago sin pensar y después la “pienso”. Me gusta/divierte hacer lo que se me ocurre, sin analizar mucho el porque, casi como por antojo. Empiezo con una idea, por ejemplo hacer una ola; y después voy incluyendo elementos según me lo “pida” la obra.
 
Florencia Echesortu

Performance La Lavandería, obra de Josefina Ocampo, realizada el día del vernissage y con una próxima presentación el sábado 20 de junio una vez finalizada las charlas del día.

En el lugar se habrán instalado cientos de tablas y varias bateas.
   
Ser lavandera no era un oficio digno ni sencillo de ejercer.
Cada día de trabajo era un sacrificio, para su supervivencia.
Desalojadas y despreciadas por afear el entorno urbano y contaminar el agua.
 
Madrugaban para conseguir un puesto. Hiciera el tiempo que hiciera. Cargando su bulto se iban encontrando por sendas que las conducían hacia las afueras de la ciudad, a espacios destinados a lavanderías o a las costas de los ríos,  donde el agua les garantizaba la limpieza de la ropa. 
 
Los lavaderos, se convirtieron durante siglos, en lugares de convivencia y transmisión de información, donde lo privado se hacia publico. Se decía " Lo oyó en  el lavadero ".
 
Entre las piedras, la ropa esperaba su turno para ser lavada.
 
Un oficio con pocos requisitos. Solo necesitaban agua, jabón, cepillo, y la fuerza de sus brazos que iban marcando la diferencia entre un lavado y otro.
Mientras Lavaban su ropa y la ajena, sus historias cotidianas eran unidas por el agua con el enjuague de la ropa.
Imaginaban y deducían comportamientos de las personas a través de su ropa sucia.
Lavaban pasiones propias, enjuagaban pasiones ajenas.
Compartían gestos, risas y llantos, para sobrellevar su tristeza.
 
Se intercambiaban formulas de como blanquear y desmanchar la ropa, sabían que hacer con la ropa de algodón, lino, lana y seda.
No todas las manchas ni las ropas son iguales. No es lo mismo la ropa de un carnicero que la ensucia de sangre, la de un mecánico que tiene grasa, la de un escritor que se mancha de tinta o la de un pintor llena de cal y colores.
 
Una vez que la ropa resplandecía era puesta al sol y las laboriosas damas se retiraban hasta el atardecer, momento en que recogían todo lo lavado y ya seco. 
 
Mas allá del romanticismo del agua, en las tablas, cientos de mujeres marcaban con sus puños su personalidad.
Es en estas, que se se lee quien lavaba en el centro con las dos manos, quien lo hacia a la derecha, a la izquierda o en la base de la tabla.
La lavanderas dejaban, en las tablas y en correteadas de sabanas al hombro, su salud.
 
En honor a aquellas mujeres trabajadoras, este espacio.

Este próximo miércoles 10 de junio será el primer Gallery Nights de Palermo del 2009. Dentro del marco del mismo estaremos inaugurando la muestra Partitura de Agua, curada por Estela Pereda e integrada por las obras de la artista y su taller. (más info aquí) La muestra contará también con la participación especial de la Universidad Maimónides a través de Proyecto Biosfera de Joaquín Fargas (proyecto que estuvo exhibida en la Bienal del Fin del Mundo y que actualmente cumple su primer aniversario).

Durante el vernissage Josefina Ocampo realizará la performance "la lavandería" que presenta de la siguiente manera:

En el lugar se habrán instalado cientos de tablas y varias bateas.
  
Ser lavandera no era un oficio digno ni sencillo de ejercer.
Cada día de trabajo era un sacrificio, para su supervivencia.
Desalojadas y despreciadas por afear el entorno urbano y contaminar el agua...
 

...Mas allá del romanticismo del agua, en las tablas, cientos de mujeres marcaban con sus puños su personalidad.
Es en estas, que se se lee quien lavaba en el centro con las dos manos, quien lo hacia a la derecha, a la izquierda o en la base de la tabla.
La lavanderas dejaban, en las tablas y en correteadas de sabanas al hombro, su salud.
 
(En breve un post con más info sobre la performance)

La imagen del cabezal es un detalle de la obra "Laverrap"

El grupo:

Estoy sorprendida... lápiz en mano queriendo contar mi experiencia de compartir con el grupo. ideas y sugerencias. 
Hasta hoy solo pensé en mi obra y en los buenos momentos que pasamos intercambiando experiencias, debatimos, no faltan trueques de materiales.
Los días y conversaciones de taller sugieren... conocemos lo que cada uno puede dar en el arte, hacer o estudiar. Mostrar distintas técnicas, además de inquietudes. Para mi es importantísimo este juego de compartir y tiene mucha influencia en lo que estoy mostrando.
Comprendo que crecemos, aprendemos de los demás....fundamentalmente ejercemos  comprensión flexibilidad.
No hay nada mejor que seguir haciendo para el conocimiento y haciendo de los momentos un placer.

Sobre la obra:

1- Instalación
    Técnica - Telas pintadas con acrilico, dibujadas y cortadas
    Titulo - Azul Profundo

El mar, suntuoso  y enérgico me propone soltar la noble tela...tratada en colores azul al azul más profundo.
Sentí, el ritmo del mar acompañado de música constante.
Y así horizontal  se ve relajada en una mezcla de juego y descanso...yo jugué

Compartiendo ideas con mis compañeros pensamos en la posibilidad de llevar a otras dimenciones objetos y materiales que de la joyería se trata. Con metales gemas hilos y cristales comenzó el proceso de la obra.
Salí de lo que es hacer un anillo chiquito y delicado a anhebrar,  tejer, pegar,y colgar.
Llegando así a ...ocupar muchos metros cuadrados en el espacio

2-Instalación
   Técnica - Combinación de tejido, cristales enhebrados sobre espejo
   Titulo - Agua preciosa

Para mi el agua es una Joya .... es la vida. Me gustó tratarla como tal.
La reconozco preciosa, brillante, transparente cristalina y fresca. Además tan generosa que es capaz de copiar en su espejo infinitas imágenes....con ellas, juega, juega y también camína.
Inspirada el el libro del Fisico MASARU EMOTO (Japonés 2006), donde por observación microscópica se ven imágenes de las más infinitas moléculas del agua.
Estas imágenes simétricas, son pequeños dibujos o hexagonales, decorados como puntillas de cristal

   Ines Gallinal.

La imagen de cabezal es un detalle de "agua preciosa"

Objeto a acompaña al Laboratorio Argentino de Bioarte, que en su primer aniversario presenta la obra Biosfera de Joaquín Fargas

El bioarte es un género artístico que involucra aspectos científicos y tecnológicos. Se caracteriza por la utilización de técnicas y procedimientos de las ciencias biológicas (wet biology) sobre material orgánico vivo como células, bacterias o plantas. El fin de estas producciones es meramente artístico, no obstante se manifiestan dentro de este marco estético cuestiones ligadas a la ética, la ecología y la divulgación.

El Laboratorio Argentino de Bioarte nace como una iniciativa del ingeniero y artista Joaquín Fargas quien ansiaba crear un ámbito multidisciplinario para el desarrollo de proyectos vinculados al arte, la ciencia y la tecnología.

Su Directora Ejecutiva es la Dra. Alejandra Marinaro, su Director Científico es el Dr. Alfredo Vitullo y su Director Artístico es el Ingeniero Joaquín Fargas.

La Universidad Maimónides, es pionera en la formación de artistas digitales y en el desarrollo de instalaciones interactivas empleando herramientas de tecnología multimedial, esto, sumado a la calidad de los investigadores que desarrollan proyectos vinculados a la biotecnología en los laboratorios científicos dependientes del Instituto Superior de Investigaciones de esta misma casa de estudios, posibilitaron la creación de este nuevo Laboratorio que propone generar un espacio donde tengan lugar la investigación interdisciplinaria y la generación de conocimientos y conceptos, junto a la realización de proyectos artísticos.

También se pretende brindar a los investigadores y artistas, la oportunidad de generar exploraciones basadas en la curiosidad, sin las demandas y restricciones asociadas a la actual cultura de la investigación científica, sin perder de vista las cuestiones éticas.

El Laboratorio Argentino de Bioarte, está dedicado al desarrollo, la investigación, la enseñanza y la crítica de obras de arte vinculadas a las ciencias biológicas.

Es el primer laboratorio de investigaciones de este tipo en Argentina, que permite a los artistas involucrarse con las prácticas biotecnológicas.

Los objetivos del Laboratorio son: desarrollar producciones artísticas que contemplen el uso de las ciencias biológicas (wet biology), explorar la relación entre arte, ciencia y tecnología, estrechar los vínculos entre artistas y científicos e incentivar el intercambio de conocimientos entre artistas y científicos locales e internacionales.

Entre los primeros proyectos alojados en el Laboratorio se destacan:

- Inmortalidad: Una instalación integrada por células de corazón que son cultivadas con el objetivo de formar un sistema viviente que pueda perdurar indefinidamente. Autor: Ing. Joaquín Fargas.

-Incubaedro: Una realidad geométrica interactiva en la que funciona una naturaleza construida con orquídeas autóctonas reproducidas in-vitro. Autor: Grupo Proyecto Untitled.

- Bio-Wear: Plantea el desarrollo de prendas de vestir a partir de nuestras propias células. Autor: Ing. Joaquín Fargas.

- Jardín Remoto: Propone la interrelación de dos realidades, una física y una virtual-electrónica. Integran el jardín diferentes clases de flores: naturales, transgénicas, robóticas, solares y cyborgs. Autor: Ing. Joaquín Fargas.

Para mayor información: 4905-1162 / prensa@maimonides.edu / www.maimonides.edu/investigacion

ACERCA DE UNIVERSIDAD MAIMÓNIDES:

La universidad con sede en la ciudad de Buenos Aires es una institución privada dedicada a la educación superior creada por la Fundación Científica Felipe Fiorellino. En 1990 adopta el nombre Maimónides en honor al filósofo y médico judeo español más célebre de la Edad Media.

Ha establecido sus objetivos en la formación integral de los estudiantes mediante un conocimiento multidisciplinario procedente de las dos grandes áreas que la integra: el de "Ciencia y Tecnología", que incluye la Facultad de Ciencias Médicas, la de Odontología y la escuela de Tecnología Multimedial y la de "Humanidades", donde confluyen la facultad de Humanidades, Ciencias Sociales y Empresariales con todas sus escuelas y carreras.

Desde 2004 la casa cuenta con una plataforma propia para montar los contenidos más exigentes y modernos en lo que a capacitación a distancia se refiere. Desarrollada por profesionales de la institución, el sistema propone al alumno situarse sobre una facultad virtual.

Mi infancia en el campo entre Lincoln y San Antonio de Areco, que luego en la edad adulta se extiende hasta la cordillera del Neuquén, la radicación de mis abuelos maternos en Elortondo, provincia de Santa Fe, la profesión de mi padre ingeniero agrónomo, me formaron en un verdadero interés por la tierra y mi propio país. El carácter sagrado de la naturaleza se me presentó siempre con fuerza y este sentimiento se manifestó a lo largo de toda mi trayectoria con la inclusión de piedras, líquenes, ramas, cortezas, plumas, armadillos y amonites en mis objetos e instalaciones. El amonite milenario se ubicó en mi obra como eje de la memoria, y su configuración de laberinto como un itinerario simbólico de nuestro peregrinar por el mundo y  como una referencia al lugar donde estamos, Aquí y Ahora.

Numerosos viajes por el noroeste argentino y por las Misiones Jesuíticas, y el amor de mi madre por coleccionar imágenes del Arte Mestizo (encuentro de la cultura indígena con la española)  atrajeron mi atención sobre esta civilización postergada y me resultó coherente ligarla con esos elementos naturales que venía utilizando y  que entre los pueblos originarios resultan motivo de ofrendas místicas. Pensé que ellos habían comprendido su pertenencia al cosmos.

Pienso que una visión poética puede cambiar la vida y que el trabajo en equipo propicia la comunicación y construye puentes. Mi deseo siempre fue que muchos tuvieran la posibilidad de participar del camino del arte. Con algunos de los que están exponiendo en esta muestra, empezamos un día, en el campo, a trabajar en una larga tela que luego fue continuada por el público en el 2007 y en el 2008 en Expotrastiendas y en el Museo Contemporáneo Raúl Lozza (Alberti, Pcia de Bs. As.). Los visitantes participaron cosiendo y añadiendo elementos diversos. Esta tela llegó a tener 10 m. y fue exhibida recientemente en la Bienal de Arte Textil.

Por lo tanto para mí fue totalmente coherente asumir la curaduría de esta exposición que hemos titulado “Partitura de Agua”. Primero por la coincidencia con mi forma particular de sentir, en cuanto a la necesidad del cuidado del mundo y mi convicción desde hacen muchos años de que el hombre no es el dueño de la naturaleza sino que pertenece a ella. Segundo debido a aquella vocación especial que tengo por los trabajos grupales.
 
En cada una de las obras presentadas todos nos hemos convertido en co-creadores. Es una muestra que no requiere de medios técnicos. Se trata de una visión poética del Agua donde se rescatan las cosas sencillas y cotidianas como el papel, los broches para colgar la ropa o la partitura musical. Frente a la saturación de las ofertas de consumo, de los medios técnicos y sofisticados, quisiéramos proponer un retorno a lo sencillo, deseamos encontrar un rumbo nuevo que no sea la acumulación desmesurada de bienes sino que pueda llamarse  “bien común”, para adecuarnos a un presente que solamente puede pretender sustentar la Vida.  

Obra pertenenciente a la muestra Partitura de agua

Por otra parte estuvimos preparando la programación del segundo cuatrimestre que abre el próximo 10 de junio con la muestra Partitura de Agua curada por Estela Pereda e integrada por los artistas de su taller. Pueden encontrar más información sobre la misma en la web e ir adentrándose en la propuesta a través de los post que estaremos subiendo y que inauguramos hace unos días con la participación especial de la Universidad Maimónides y el proyecto Biosfera de Joaquín Fargas.

Finalizamos el mes el domingo 31 participando de Fase 1 una propuesta pensada por Pelusa Borthwick con el apoyo del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la curaduría de Graciela Taquini. Un proyecto distinto que explora en la relación entre el arte y las nuevas tecnologías. Objeto a estuvo presente con una selección de trabajos de videoarte, se exhibieron obras de Julieta Anaut e Ignacio Laxalde, de Susana Barbará, Daniela Muttis y Marina Rubino. En breve subiremos un post con imágenes y comentarios del evento.

Seguimos en contacto y los esperamos el 10 de junio!

Hoy domingo 31 los esperamos a las 17:00 en El Centro de Exposiciones de Buenos Aires para compartir una selección de obras de videoarte de algunos de los artistas que nos han estado acompañando durante estos meses.

En el siguiente link podrán encontrar más información sobre las obras que estaremos proyectando, que son trabajos de videoarte de Julieta Anaut e Ignacio Laxalde, Susana Barbará, Daniela Muttis y Marina Rubino.

Los esperamos!

Centro de Exposiciones de Buenos Aires
Figueroa Alcorta y Pueyrredón
fase1@expotrastiendas.com.ar
FASE UNO BLOGSPOT

54-11 4311-9196/54-11-4313-3713

Joaquín Fargas de profesión ingeniero y artista, integra el campo científico, artístico y el tecnológico en su producción. Desde la ciencia, divulga los conceptos y teorías de un modo lúdico, poético;  desde el arte enseña a comprender las propiedades de la naturaleza y a tomar conciencia de su cuidado.

Es el creador del proyecto Biosfera, que tiene como objetivo demostrar al mundo que la salud de nuestro planeta depende de nosotros, y su cuidado está al alcance de nuestras manos. Proyecto que se ha difundido en varios países como una propuesta de concientización del cuidado del medio ambiente y constituye uno de los pilares del Proyecto Pedagógico de la Bienal del Fin del Mundo – Ushuaia  2009, contando con el apoyo de la Consejería de Educación de la Embajada de España en Argentina.

Este nuevo proyecto educativo quiere transmitirnos que nuestro planeta es finito, en el que existe un frágil equilibrio que permite que la vida se desarrolle. Para ello, se han creado unas esferas de policarbonato herméticamente selladas que contienen un ecosistema a escala infinitesimal a modo de pequeño planeta. Las esferas tienen diversas dimensiones, desde los 7 cm a los 60 cm de diámetro, y contienen tres cuartas partes de aire, una cuarta parte de agua, plantas, algas y microorganismos.

Durante las próximas semanas, iremos subiendo más información sobre este interesante proyecto que reúne investigación, tecnología y arte.

Durante los próximos 29, 30 y 31 el Centro de Exposiciones de Buenos Aires presentará Fase 1, un “encuentro fundacional de instituciones y proyectos que implican el cruce del arte, la ciencia y la tecnología.” La propuesta, coordinada por Expotrastiendas, el Gobierno de la Ciudad y el Ministerio de Cultura cuenta con la curaduría de Graciela Taquini.

El domingo 31 a las 17hs Objeto a estará participando en el Espacio Proyección, en el Cubo II, con una selección de obras de videoarte de artistas que han estado acompañando al Espacio en este tiempo.

La compilación de trabajos tiene una duración total de 30 minutos, durante los cuales se presentarán las siguientes obras:

Julieta Anaut e Ignacio Laxalde: Ofelia en el cristalino arroyo / Hilar Destino
Susana Barbará: No todo es color de rosa /Memotest (el juego de la memoria) / De 2 sutiles
Daniela Muttis: Mi jardín / Puna
Marina Rubino: La colección

A continuación las obras en palabras de los artistas:

Julieta Anaut e Ignacio Laxalde
Ofelia en el cristalino arroyo: : Como la pequeña Ofelia, coronada de hierbas, que río abajo abre sus manos en un gesto de ofrenda y suelta sus trofeos vegetales, “a flote como una sirena, (…) o como criatura natural de ese elemento”. Precipitándose en agua como en la vida, es la razón perdida, lucha entre lo real y lo ideal… enloquecer como ha enloquecido: embelleciendo la aflicción

Hilar destino: Constantemente nos encontramos en situaciones donde necesitamos reconsiderar quienes fuimos para poder comprender quienes somos ahora. Una búsqueda en la que el mito y lo contemporáneo se unen. En la  Antigüedad, Atenea enseñó a las mujeres todas las artes, incluidas la cocina, el tejido y el hilado. La costurera, en esta actividad tradicionalmente femenina, cotidiana y doméstica, oculta otro hechizo, pues en la mitología el tejido es una poderosa metáfora de la creación del mundo: se hilan las hebras del destino y del tiempo, entre sus manos. Hoy, conocedora de esta fuerza interior se propone crear ríos, montañas y árboles, un sueño profundo de inventar bosques entre edificios.

Susana Barbará:
   

No todo es color de rosa: Con  espíritu de aprendizaje, constancia y repetición recree mis cuadernos de caligrafía de la adolescencia, con letras bellas y correctas.
Con la íntima intención y esperanza de aprender de una vez por todas, las cosas que debo evitar, o bien para poder resolver las próximas situaciones personales con las palabras adecuadas que he ensayado sistemáticamente

De 2 sutiles: Una dulce  y sugestiva forma.   La mera la intención puede crear el ambiente deseado  

Puna: Es un trabajo surgido de una experiencia de estadía en La puna argentina con el artista canadiense Michael Mills y el artista argentino Rubén Guzmán. Fueron pequeñas situaciones de recolección de la experiencia del “mirar”, un enorme acercamiento a paisajes en su virginidad. Casi inmateriales, cerca de las nubes, en silencio, planos alargados inexplorados, donde solo avanza la naturaleza las tormentas.

 Marina Rubino

La colección : El video es el registro de una acción de un grupo de mujeres wichí. Rercolectan agua de un pozo mediante botellas, bidones y baldes. El sonido es agua goteando.
La acción repetitiva evoca al mito del rey Sisifo, mediante la sumisión y el trabajo impuesto como mandato  por los dioses. Es la interminable tarea que siempre está comenzando, como la de juntar agua.
Las mujeres y el pozo se encuentran al norte del chaco salteño, cerca del río Pilcomayo.
El agua del pozo contiene restos de arsénico.
Concepto: El agua es el elemento indispensable de la vida (es l´arché, origen, según Tales de Mileto)
El agua constituye la metáfora de la existencia, de su transcurso, de su carácter inaprensible, del cambio continuo.
No hay para todos. No hay para tomar, mucho menos para lavar utensilios ni ropa.
Juntar agua marca el ritmo del día.
En O`Okat (en castellano: Lugar del Estanque) habita permanentemente una comunidad Wichí.
Esta permanencia es reciente ya que antiguamente los wichí eran cazadores –recolectores, por lo tanto eran nómades, que vivían en bandas poco numerosas.
Hacia 1900 se establece el contacto con el hombre blanco a través de los misioneros anglicanos, quienes tuvieron una gran influencia en los procesos de deterioro y pérdida cultural que sufrieron los wichí.
Actualmente en  O`Okat la comunidad dispone de agua potable solo 9 meses al año. Son los meses que corresponden al ciclo lectivo de la escuela primaria.
Hay agua entre las 7 y las 14 dependiendo del día.
El agua proviene del pueblo Misióon La Paz, distante unos 2 km, y llega hasta O`Okat a través de un caño, y a su vez, el resto de agua se deposita en una especie de tanque de agua. Cuando el agua del pozo se acaba, hay que ir a buscarla al río Pilcomayo, río al cual se deriva una importante cantidad de residuos químicos provenientes de la explotación minera de Bolivia. Estos elementos químicos como el cromo, mercurio y el arsénico no son aptos para el consumo humano y además de permanecer en el río se filtran hacia las napas de agua.
El arsénico es uno de los elementos con mayor potencial de generar enfermedades en los seres humanos, y es capaz de mantenerse en sedimentos durante 15 siglos.
En Argentina, el registro de mayores índices de cáncer de útero se registra en las cercanías al Río Pilcomayo.

La entrada es libre y gratuita.
Los esperamos!!!

Fase I por Graciela Taquini

Objetivos. Hacer un alto en el camino para  detenerse a pensar sobre lo hecho y lo por hacer en ese campo en la Argentina de hoy de cara a la nueva década.
Difundir lo que se realiza.
Promover  proyectos presentes y futuros, Intercambiar información.
Realizar proyectos conjuntos.
Se trata de un análisis sobre el estado de la cuestión, encuentra sus antecedentes en  históricos en la creatividad de muchos artistas pioneros a quienes Fase 1 homenajea.
Con respecto a una historia más cercana, otro hito es el comienzo del siglo, en el 2000, cuando la era digital  vio nacer instituciones educativas privadas y estatales, que forman comunidades académicas en busca de especialización. Cuando surgen  nuevos espacios culturales en todo el país  para difundir un arte con sus propias especificidades que presenta nuevos desafíos. También prácticas artísticas que recurren a intercambios, cruces y trabajos en colaboración.
Se forman investigadores, se implementa un pensamiento teórico y nuevas formas de acceso e información. Un nuevo perfil de curadores especializados, problemas de montaje, mantenimiento conservación y documentación.
Surgen propuestas de equipamiento y creación de plataformas tecnológicas.
Nace la necesidad de concebir políticas culturales de corto, mediano y largo plazo, presupuestos y búsquedas de financiamiento. En este momento se mira hacia el Bicentenario, remodelaciones en Proa, la Casa del Centenario,  el Centro Cultural San Martín, el nuevo proyecto del Centro Cultural de España, la esperanza de un nuevo museo de Arte Moderno acorde a los tiempos  y los intercambios producidos por los Gobiernos de Alemania, Francia, España, Brasil produce un flujo y reflujo de nuevas utopías.
Este no es un festival ni un evento, ni una muestra sino un laboratorio de ideas y de toma de conciencia también una manera de que los que están en el mismo camino se conozcan y potencien.
Universidades, museos, centros culturales, galerías, proyectos estarán invitados para producir un balance y un repensar el futuro.
Sin el apoyo institucional, gubernamental, sin subsidios, becas, apoyos a la creación jamás podrán desarrollarse estas instancias tecnológicas.
Es importante la formación de recursos humanos, de recursos tecnológicos y de encuentros interdisciplinarios.

Graciela Taquíni / Curadora / Fase 1

Datos de contacto:

Del 29 al 31 de mayo
De 17 a 22 Horas
Centro de Exposiciones de Buenos Aires
Figueroa Alcorta y Pueyrredón
fase1@expotrastiendas.com.ar
FASE UNO BLOGSPOT

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El miércoles 10 de junio a las 19hs inaugurará Partitura de mar: somos agua, una muestra colectiva curada por Estela Pereda que se presenta justamente en el primer aniversario de Objeto a.
A continuación les adelantamos algo de la misma... mientras seguimos con la actualización de trastienda y ultimando los detalles de esta próxima muestra... en breve iremos subiendo más información.

CURADURÍA: ESTELA PEREDA
Se trata de una propuesta grupal que incluye obras sobre papel, tela, acetato, fotografías, video e instalaciones.


Justificación de la  Propuesta

Procuramos una mirada poética, una mirada oceánica, contemplando el mar como presencia, descubriendo el agua como Vida. Tenemos presente que no somos Vida si no lo somos con todo lo que vive. Entendemos la naturaleza como parte de nosotros mismos, porque el destino de la naturaleza es el destino del hombre. Lo que hacemos al agua, nos lo hacemos a nosotros mismos.  Somos una réplica holográfica de la Tierra, y por ello es necesario que el líquido elemento sea abundante.
Nuestro cuerpo está constituido por un 70% de agua y el agua representa el 70% del globo terráqueo, el feto se baña en la placenta, nuestras células nadan en un “mar original”. Cuando morimos nos secamos, el agua se evapora de nuestro cuerpo como el vapor que compone las nubes, regresa en forma de lluvia, penetra en la tierra, vuelve a la superficie mucho tiempo después.  
Si recordamos además, que solamente el 2,5% del agua del planeta es dulce y que de esa cantidad se aprovecha nada más que el 1% entendemos mejor de que manera el agua contaminada se nos vuelve en contra y como se envilece la Tierra y quien así la trata. El hombre es un huésped transitorio de la Tierra, no es su propietario.
Nuestra propuesta incluye entonces una visión poética de la vida. Pensamos que el agua une los continentes de la tierra y que el agua debería unir a los seres humanos.
Esta es nuestra visión poética del agua; una visión poética de la vida nos puede salvar. Höderling sugirió vivir la vida como si fuera una obra de arte.


Producción Técnica
La propuesta no requiere medios técnicos costosos ni sofisticados. Trata de adecuarse a un mundo que ha dejado de creer en el progreso y que solamente puede pretender sustentar la vida.   
Nuestro trabajo consistirá en ligar el Agua, elemento de la naturaleza, con el uso cotidiano de la misma. Los elementos naturales, caracoles, fósiles y piedras, se situarán junto a los objetos artesanales. Estos últimos  remiten al deseo de rescatar las tareas sencillas, de regresar a la sobriedad y a la mesura, de rechazar el consumo material desenfrenado, tomando conciencia de la situación límite en la que se encuentra nuestro mundo.
Lo antes expuesto lleva a pensar en la necesidad de una relación distinta entre los hombres  que pudiera llamarse “bien común”.
 

1) Tiras de papel, con palabras escritas, colocadas sobre la pared, formando grafismos curvilíneos.
2) También sobre la pared y con énfasis horizontal, varias telas pintadas sin bastidor, se ubicarán una a continuación de la otra, ligadas con tiras de papel similares a las mencionadas en el ítem 1.
3) Instalación con bateas y tablas de lavar la ropa.
4) Grabados, dibujos y acetatos intervenidos, colgados de la soga donde se tiende la ropa y sostenidos con los broches utilizados corrientemente para dicha tarea. Algunas de las obras llevarán incluidas publicaciones médicas donde se muestran imágenes de fetos y neuronas nadando en el agua.
5) Lámina de acetato espejado situada en el piso, sobre la cual se colocarán caracoles, amonites y otros fósiles, junto a gofrados realizados con papel,  tela y alfileres, sobre dichos elementos. Algunos barquitos de papel de diario como los que realizan los niños, acompañarán la instalación.
6) Caracoles, estrellas de mar y muñecos incluidos en bloques de resina de poliéster transparente (que remitirá al hielo) junto a las fotografías tomadas sobre los mismos.
7) Una serie de copas de cristal en cuyo interior se habrá colocado un papel secante con una partitura musical impresa y semillas de poroto en proceso de germinar, remitiendo al trabajo escolar.
8) Réplicas de la imagen de núcleos de cristal (partículas de agua congelada o moléculas de cristal, vistas al microscopio) realizadas con materiales de vidrio, caireles y bijouterie.
9) Secuencia de fotografías mostrando el proceso creativo realizado por el grupo
10) Video donde se muestran huellas y palabras escritas en la arena que luego borra el mar.

La imagen del cabezal corresponde al detalle de dos de las obras participantes de Partitura de mar: somos agua.

Del arte su hacer y no su producto

(Dos cuentos de Lacan inspirados en Freud)

“La próxima edición de la Bienal de Arte Textil pone el foco en aquellos artistas
que eligen expresarse a través de fibras y tramados, resignificando con su trabajo el
propio concepto de “arte textil”, para deslimitarlo y hacerlo explotar en sus múltiples
connotaciones de sentido”
(reglamento de la convocatoria a artistas para V Bienal de Arte Textil)

Leo un pasaje de “La muralla y los libros” de Borges, ato la punta de un ovillo de lana a la pata de una de las sillas del auditorio y pido a quien allí está sentado que haga rodar el ovillo hacia donde se supone debe estar quien expone.

***
Freud, conferencia nro 33, “La femineidad”:

“La vergüenza (...) la atribuimos al propósito originario de ocultar el defecto de los genitales. No olvidamos que luego ha tomado sobre sí otras funciones. (...) (Las mujeres) son tal vez las inventoras de una técnica: la del trenzado y tejido. Si así fuera, uno estaría tentado a colegir el motivo inconciente de ese logro. La naturaleza misma habría proporcionado el arquetipo para esa imitación haciendo crecer el vello pubiano con la madurez genital, el vello que encubre los genitales. El paso que aún restaba dar consitió en hacer que adhirieran unos a otros los hilos, que en el cuerpo pendían de la piel y sólo estaban enredados. Si ustedes rechazan esta ocurrencia por fantástica (...) nada podré aducir en mi defensa”

***
Dos observaciones sobre ese pasaje:

1) “El defecto de los genitales” no es opinión de Freud sino una significación que él escucha que varias de sus pacientes le dan al hecho puntual de la diferencia anatómica entre varones y mujeres.

2) Fundamental: a pesar de lo que habitualmente se piensa, FREUD, a lo largo de toda su obra, NO HABLA DE SEXO... habla de aquello en lo que las personas PIENSAN mientras tienen sexo.

***
Paso el ovillo a otro participante del público. Ata el hilo a una pata de su silla y pasa el ovillo hacia atrás. De antemano he decidio introducir en este encuentro un mínimo elemento performático, heterogéneo al discurso psicoanalítico, para que entren ambos en fricción.

***
En su seminario VII Lacan se mofa de los simbolismos hallados por ciertos psicoanalistas en ese asunto del tejido y el vello púbico. Pero no se mete con Freud. Para ello sólo hay una explicación: el cuerpo del que Freud hablaba no es el cuerpo de la anatomía ni el de la sexología.

Por eso Lacan inventa dos cuentos: para desplegar esa diferencia entre el cuerpo del psicoanálisis y el otro (el que vemos en los tomógrafos, en los espejos y en los quirófanos).

Me permito hacer de esos dos apólogos mi propia versión para que en ellos resuene lo que Lacan ha venido tejiendo a lo largo del seminario. 

Esa desmesura femenina que no se reduce a ningún exceso de medida. Una desmesura que va mucho más allá del “¡qué escandalosa!: ¡¿cientos de pelos por apenas uno que has perdido??!”. Ese sentimiento de desnudez no tiene relación con el cuerpo anatómico sin ropas, aunque éste participe de aquél.

***

Adán, sin saber, causa la primera obra de arte textil... a condición de que no entendamos aquel tapado de visón como “vestimenta de un cuerpo sin ropas”, sino como un tejido que bordea ese no sé qué que se agita en Eva a partir de la marca del pelo que falta.

***

La idea del ovillo en la charla implica una simple secuencia: ir tramando una red de lana alrededor de las patas de las sillas a medida que en la charla yo vaya planteando algún eslabón teórico. En ello una pequeña y silenciosa provocación: ¿acaso algo de lo que será dicho en esta ponencia, y que se vincula con el tejido de cierta red, es pasible de ser representado por una red de lana?. Éste es uno de los problemas que rara vez se abordan en la relación entre arte y psicoanálisis: si entre ellos hay algún cruce, ése no sucede en el plano de los contenidos ni de las ilustraciones.

Durante el mes de mayo estaremos avocados a la renovación de trastienda, la realización de eventos cerrados y la preparación de la próxima muestra que inaugurará en junio, mes que cumpliremos nuestro primer aniversario.

Por este motivo les pedimos a los interesados en consultar la obra de trastienda o a quienes quieran acercarse por primera vez a Objeto a que nos escriban o llamen para coordinar el encuentro de martes a viernes de 14 a 19h. A partir de junio retomaremos el horario habitual de atención al público. En breve les haremos llegar mayor información al respecto.

Aquellos que quieran ir conociendo la nueva obra pueden acceder a la misma a través de nuestra trastienda web. Aprovechamos el presente post para dar la bienvenida a los nuevos artistas que se han ido incorporando estos últimos meses: Micky García del Rio, Susana Bouzada, Luciana Massarino, OmarOmar, Horacio Pages Frascara, y Noemí Shneck.

Siguen participando de la trastienda artistas de reconocida trayectoria y noveles que nos acompañan desde los inicios, como; Cachorro Agote, Julieta Anaut, Marta Ares, Roberto Barés, Mariano Brizzola, Gabriela Elliot, Nora Iniesta, Marcelo Monzón, Tito Perez, Teté Pohl, Moisés y Vanina Prajs, Eduardo Perez, Diego Santos,  Alicia Rodríguez Valle, Los Vocalino, Alejandra Winkhaus,  Lionel Zajdweber y las integrantes del grupo Noesis: Adriana Arceluz, Silvina Díaz, Gradita Novoa, Silvia Saager y Victoria Nava.

Desde otro campo, con trabajos en cerámica, resina y diversas ténicas siguen junto a nosotros Desiree De Rider, Betty Maya, Diana Randazo y Marcela Otero. Por su parte Luis Campos, Marina Rubino y Susana Barbará exhiben sus trabajos en videoarte y videoperformances.

En paralelo estamos comenzando con un nuevo plan de exhibición y rotación de obra elaborado especialmente para el ámbito empresarial e institucional. Aquellos interesados en recibir mayor información pueden contactarse con Andrea Marchesi.

A lo largo de este mes iremos subiendo posts sobre los distintos artistas y sus trabajos, en caso de querer algún dato en particular o interesarles concertar una entrevista para ver más obra de un artista pueden escribirnos a info@objeto-a.com.ar.

La obra del cabezal pertenece a un detalle de "Viaje al centro de la Tierra" de la artista María Inés García del Río

El pasado mes tuvo lugar la última semana de Game on! El arte en juego que reunió principales empresas desarrolladoras, game artists, psicológos, artistas especializados en la fusión de arte y tecnología, empresas tecnológicas e instituciones de educación bajo una nueva propuesta: plantear el interrogante y abrir el debate sobre la presencia artística en el desarrollo de algunos videojuegos y sobre la existencia de otros que son en sí mismos verdaderas obras de arte.

La muestra fue recorrida por curadores, artistas, diseñadores, desarrolladores, programadores y variedad de visitantes. Fue también de gran repercusión mediática, siendo cubierta tanto en medios de capital como del interior, en radios y televisión, a continuación les pasamos links a algunos de estos artículos: Página 12, Àmbito financiero, Irromplibes y La Gaceta

Por otra parte la segunda quincena de abril inauguramos una nueva muestra: IMAGOS, que acompañando a la 5º Bienal de Arte Textil busco mostrar como el Arte Textil contemporáneo muestra como la realidad, el pasado y el futuro puede tejerse en imágenes, cobrar cuerpo en tramados, dando vida a las palabras y las ideas.

IMAGOS reunió a tres reconocidas artistas del segmento y contó con la participación especial de la Universidad Maimonides a través del proyecto de Joaquín Fargas: I Wear. En los siguientes links pueden leer más sobre las obras expuestas, en las propias palabras de sus creadoras: Susana Bouzada, Susana Bredt y Noemí Schneck.

La muestra cierra hoy sábado 2 de mayo con la charla Erotismo Textil (dos cuentos de Lacan inspirados en Freud) a cargo del lic Guillermo Cabado de la Fundación Lacantonal. Luego de la misma la universidad Maimonides hará una nueva performance para despedir la muestra. Aquellos interesados en participar deben escribirnos a info@objeto-a.com.ar

La imagen corresponde a un detalle de la obra Salida de Omar Omar (en trastienda)

A continuación, la obra de Noemí Schneck en palabras de la artista ...

Part-ida: "la partida y las valijas casi siempre viajan juntas. Las valijas, contenedoras de equipaje, son, casi siempre, sólidas, quizá pesadas. Estas valijas son transparentes, y el equipaje no existe; están incompletas; están partidas. Y persiste el interrogante: ¿partieron vacías o se deslizó el contenido por su parte ausente?, ¿partieron vacías o el contenido era inexistente, irrelevante? Símbolo del viaje constante, de la continua búsqueda de algo más detrás del mojón alcanzado."

Argentina de las ideas y el olvido: "Los libros expresan ideas, cuentan historias, describen hechos.
Mi libro es una reflexión sobre mi país, la Argentina. Mi libro contiene imágenes de las cabezas pensantes de mi país, cabezas con ideas, con pasión y con luz. Mi libro contiene imágenes de las cabezas de mi país que, también, olvidan. Mi libro es un pedido de memoria."

Noche de botellas vacías: "Evoco un bodegón. Botellas transparentes y vacías, sobredimensionadas unas, minimizadas otras, líquido que se derrama, líquido que se vertió. Evoco la ausencia, la melancolía que sucede a la borrachera… Botellas vacías, cabezas de trapo, corazón de esponja. Pero, quizá, “¿Quién te quita lo bailado?”

“… y para todos los hombres del mundo que…”: "Nos, los representados, con derechos inalienables, reunidos en asamblea general permanente, ordenamos, decretamos y exigimos esta talla de hombres para “constituir la unión nacional, afianzar la JUSTICIA, etc., etc.” para nosotros, para nuestros hijos y para todos los hombres del mundo globalizado que quieran navegar por nuestro sitio."

Producto de exportación: "Emigración. Fuga de cerebros. Embalajes despachados en exceso. Otros puertos los reciben. Estos puertos los añoran."

Textos futuros: "Preparados para recibir contenidos: notas de viaje, quizá; listas de compras, tal vez; cartas de amor, ojalá."

La bruja del cuento: "La bruja del cuento merece un zapato de alambre. Las otras brujas también."

La pantufla de la abuela: "Es tejida, como tejen las abuelas. Y es de la abuela porque me enseñó a tejer".

La imagen del cabezal es un detalle de la obra "Noche de botellas vacías" de Noemí Schneck

¿Somos lo que somos o lo que nos dijeron?

La mujer y lo que la mujer puede pensar de sí y por sí. La mujer y su deseo, la mujer como objeto de deseo, la mujer en  sus luchas, conscientes o no, para encontrar el propio camino y transitarlo a su manera, con sus sentires, sus emociones y sus lógicas. Todas ellas son temáticas que me habitaron  desde siempre.

Mi afán por explorarlas me fue llevando hacia antiguas sendas íntimas, personales, … y hoy estoy mostrando, a través de mi obra, el resultado de esa búsqueda, de esa indagación.

Para llevar adelante el proyecto exploré en variada bibliografía referida a los mitos, las diosas antiguas, la historia universal, los arquetipos, al condicionamiento femenino y a la mirada propia y ajena.

Elegí variadas técnicas para realizar mi trabajo .

Tejido y bordado, dos antiguas pasiones que hoy se renuevan en mí apelando a materiales no convencionales que imponen el desafío de lograr sutilezas a partir de elementos agresivos como las virutas de acero, los perforantes tornillos, las esponjas de metal.

Utilicé el corte y perforación de metales, la  soldadura, el cincelado, el  texturado.

La obra alude al encorsetamiento femenino (el antiguo y el actual), a los arquetipos, a las ideas atrapadas entre  virutas de metal
Mis trabajos buscan indagar sobre la condición femenina, su manera de sentir y expresar las emociones, su manera de vivir y de imaginar, su posibilidad de estar en el mundo y tranformarlo.

Se preguntan sobre los condicionamientos impuestos  hasta ahora  por la cultura occidental y de qué manera aún hoy se responde a  ellos.

Quiero con mi  obra pedir una reflexión  y plantear algunas  preguntas

¿Nos encontramos  las mujeres hoy respondiendo a los antiguos mandatos? o por el contrario ¿estaremos desatando las cintas del corset para respirar de otra manera y asumir nuestros propios deseos y responsabilidades?

¿Somos hoy capaces de pensarnos a nosotras mismas, descubrirnos y empezar a construirnos desde ese lugar?.......

Estará empezando a surgir una nueva mujer, más segura de lo que quiere y de lo que busca?

La imagen del cabezal es un detalle de la obra "Seducción" de Susana Bredt

El proximo sabado 2 de mayo a las 17:30hs, con motivo del cierre de Imagos, estaremos presentando la charla Erotismo textil a cargo del lic. Guillermo Cabado, integrante de la fundación Lacantonal. Aquellos interesados en participar de la misma deben escribirnos a info@objeto-a.com.ar ya que los cupos son limitados.

(dos cuentos de Lacan inspirados en Freud)

Seminario VII, “La ética del psicoanálisis”. Lacan está persiguiendo algo en el arte: Hans Holbein, el teatro, Picasso, La dolce vita de Fellini.
¿Pero qué?. Ningún interés en vaya a saber qué inconciente del artista o en no sé qué proyección sobre la obra. No es eso.
En tal persecución se encuentra cuando su propia deriva lo arroja a lo que aquí nos ocupa, dos escenas que me permito titular:

LO TEXTIL PRODUCE UN CUERPO QUE NO VISTE

* Un mendigo le habla a San Martín de Tours. A éste le corre frío por la espalda: hay algo, un no sé qué, que desde ese desharrapado le llega. San Martín pronto lo soluciona: se abriga abrigándolo con su manto.

* Adán produce la primera obra textil: le arranca un pelo a Eva. Ahora sí: el cuerpo de esa mujer sin ropas se vuelve un cuerpo desnudo. Al día siguiente ella responde de un modo... ¿desmesurado?

Por cierto, no es el cuerpo que has visto en estas escenas el cuerpo del que se trata en lo que Lacan persigue. El cuerpo en cuestión no es el de la anatomía ni el de la figuración y nunca está antes que el tejido que lo envuelve: lo textil produce un cuerpo que no viste.

En esta suerte de torsión que acabo de proponerles, se encuentra lo que Lacan persigue del arte en su seminario VII: su hacer y no su producto. Un hacer con la textura.  Punto clave para que un análisis no se vuelva una mera sucesión de relatos.

(esta propuesta resulta de un diálogo con el recorrido realizado por Lacan en las doce clases pertenecientes al seminario referido, dictadas entre el 13 de enero y el 18 de mayo de 1960; diálogo sostenido desde el sesgo de una pregunta: ¿qué del hacer del artista resuena en el hacer del analista?)

Lic. Guillermo Cabado
Fundación Lacantonal

La imagen corresponde a un detalle de la obra "Presiones externas, presiones internas" de Susana Bredt.

A continuación la obra de Susana Bouzada en palabras de la artista... 

Sentada en un verde limón: “Blanca como la paloma de la paz, este material sutil me resultó ideal para imaginar su vuelo. Fabriqué el encaje que forma su cabeza (hecho a máquina).Otro material que me recordó a mi abuela materna. Ella me cantaba el cuento. Para mí es cariño y juego corporizados. . .”

Engendro de justicia:  “Desmembrada, colgada, y frágil, esta mujer embarazada me duele visceralmente. Espero justicia a lo largo de todo su cuerpo para que se recupere.”

Disloque porteño:  “Las milongas y prosas de Jorge Luis Borges me inspiraron esta obra. Justamente la expuse en el Centro Cultural Borges. Me interioricé en el conocimiento del bandoneón, controlar la capacidad de despliegue para hacerlo visualmente plástico, con movimiento, con color para enfatizar la pasión, y elegante. Como se expresó una colega:”henchido de música, congelado en el momento previo a exhalarla”…..”
Happy hour: “Consumismo, marketing, adicción, disfrute. Un cóctel encajonado para batir sensaciones de las cuales, a veces, no queda ni la espuma.”

Ratoneando con las noticias: “ Deja volar tu imaginación!! Imagínate un Adonis dentro y no te importarán las noticias. Como verás hay muchas formas de leer un diario. No te acordarás de las pálidas que te da la imprenta y esbozarás una sonrisa.”

El resto: “Nada se pierde, todo se transforma dice un cantautor. El arte brinda esa posibilidad y aún con lo mínimo y desechable un trabajo puede hacerte feliz. Las incisiones recuerdan dolor pero el color lo mitiga. El cemento y el hilo lo sostienen y tu mirada conforta.”

“Donde hubo fuego cenizas quedan”: La tragedia de Cromagnon dio nacimiento a esta obra. Solo en negro pudo ser concebida y la disposición  en círculo (mandala) alude a no poder escapar. El material negro se distorsiona al ser quemado por el fuego; la costura loca que la recorre me remite a lo oscuro y fatal.

La imagen del cabezal corresponde a un detalle de la obra "Disloque porteño"

Primera parte de la performance de Maimonides

En Imagos el Arte Textil contemporáneo muestra como la realidad, el pasado y el futuro puede tejerse en imágenes, cobrar cuerpo en tramados, dando vida a las palabras y las ideas.

Infancia, juegos en el patio de la escuela, cuento antes de dormir, reuniones de familia y tantas anécdotas sobre los sueños de siempre… aquellos abuelos que llegaron de otras tierras entre la esperanza y la tristeza, aquellos jóvenes que partieron o parten buscando un ideal, un futuro… eterna búsqueda.

Argentina de encuentros y olvidos, Bs As. de tango, Borges y noches de amigos, alegrías y nostalgia, Argentina con sus costumbres, sus presiones, sus gritos silenciosos de justicia y libertad, su ternura y en ocasiones su ironía…y la mujer, con su vientre henchido de esperanzas, tierra fértil de promesas, nuestra Argentina dolorida, la mujer transitando sus caminos, como metáfora de un futuro a transformar.

Todo está allí, escritos íntimos, imagos escondidas entre las tramas de metal, tela y papel… esperando en las obras que estas tres artistas nos presentan para que cada uno las resignifique, imágenes representativas de situaciones, conceptos, vivencias, que movilizan nuestros recuerdos, significantes que hacen a nuestra identidad, arquetipos que subyacen en nuestro inconsciente…

…de allí a un mañana casi mágico, donde lo imposible se hace presente, ficción y realidad, la luz y el sonido surgiendo de la sutil trama de tules y finas telas, ínfimos cableados son los hilos que dan forma y contenido a “I – wear”, fusión de arte, tecnología e investigación.

Aquellos interesados en asistir a alguna de las charlas del viernes y el s&